[近代史5] 旭川では町ぐるみで女子中学生に強制売春をさせている？ 中川隆
255. 中川隆[-16160] koaQ7Jey 2021年10月02日 22:22:11 : u8uuqDZBrs : WEpjMlNBaVNvL1E=[24]

旭川市豊岡のレストランで会計したのは誰か！？レジ店員が覚えていて判明！！廣瀬爽彩さん失踪翌日
2021/10/02





【旭川市女子凍死事件】　14歳被害者の新目撃証言現る！！【現地調査】被害者は誰かと一緒にいた！？
2021/09/04




http://www.asyura2.com/20/reki5/msg/598.html#c255

[番外地9] 資本主義はすぐに階級社会になって行き詰まる 中川隆
1. 中川隆[-16159] koaQ7Jey 2021年10月03日 05:41:11 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[1]

共産主義というのは階級を無くす運動だ。
帝国主義というのは、自国に階級ができたら国民が食べていけなくなって大不況になるから、搾取する対象を海外にまで広げようという政策だ。
マルクス経済学もそういう理解が正しい
リベラリズムは人口の0.01%の大資本家が金を独占するシステムで、99.99%の人間が食べていけなくなるから、保守・右翼は共産主義者になるんだ。

資本主義はすぐに階級社会になって行き詰まる。
資本主義は自国だけでは階級ができた段階で内需が壊滅し恐慌になって行き詰る。
それで需要を求めて植民地を作り、植民地人から搾取して生き延びるしかなくなる。

シュワブは資本主義のリセットをすると言っているのだが、資本主義はすでに行き詰まっている。一国ではすぐに行き詰まり、早い段階で国外での略奪に活路を求めた。これが帝国主義だが、侵略を「グローバル化」しても早晩行き詰まる。1970年代から金融操作で誤魔化してきたが、21世紀へ入った頃には限界。新たなシステムを築かなければならないくなっている。そこでのリセットだ。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/647.html#c1

[番外地9] 人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
共産主義というのは階級を無くす運動だ。
帝国主義というのは、自国に階級ができたら国民が食べていけなくなって大不況になるから、搾取する対象を海外にまで広げようという政策だ。
マルクス経済学もそういう理解が正しい
リベラリズムは世界の0.01%の大資本家が金や財産を独占するシステムで、99.99%の人間が食べていけなくなるから、保守・右翼は共産主義者になるんだ。

資本主義はすぐに階級社会になって行き詰まる。
資本主義は自国だけでは階級ができた段階で内需が壊滅し恐慌になって行き詰る。
それで需要を求めて植民地を作り、植民地人から搾取して生き延びるしかなくなる。

シュワブは資本主義のリセットをすると言っているのだが、資本主義はすでに行き詰まっている。一国ではすぐに行き詰まり、早い段階で国外での略奪に活路を求めた。これが帝国主義だが、侵略を「グローバル化」しても早晩行き詰まる。1970年代から金融操作で誤魔化してきたが、21世紀へ入った頃には限界。新たなシステムを築かなければならないくなっている。そこでのリセットだ。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/861.html

[番外地9] 人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。 中川隆
1. 中川隆[-16158] koaQ7Jey 2021年10月03日 05:45:04 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[2]
共産主義というのは階級を無くす運動だ。
帝国主義というのは、自国に階級ができたら国民が食べていけなくなって大不況になるから、搾取する対象を海外にまで広げようという政策だ。
マルクス経済学もそういう理解が正しい
リベラリズムは世界の0.01%の大資本家が金や資産を独占するシステムで、99.99%の人間が食べていけなくなるから、保守・右翼は共産主義者になるんだ。

資本主義はすぐに階級社会になって行き詰まる。
資本主義は自国だけでは階級ができた段階で内需が壊滅し恐慌になって行き詰る。
それで需要を求めて植民地を作り、植民地人から搾取して生き延びるしかなくなる。

シュワブは資本主義のリセットをすると言っているのだが、資本主義はすでに行き詰まっている。一国ではすぐに行き詰まり、早い段階で国外での略奪に活路を求めた。これが帝国主義だが、侵略を「グローバル化」しても早晩行き詰まる。1970年代から金融操作で誤魔化してきたが、21世紀へ入った頃には限界。新たなシステムを築かなければならないくなっている。そこでのリセットだ。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/861.html#c1

[番外地9] 人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。 中川隆
2. 中川隆[-16157] koaQ7Jey 2021年10月03日 06:08:56 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[3]
共産主義というのは階級を無くす運動だ。
帝国主義・グローバリズム・ファシズムというのは、自国に階級ができたら国民が食べていけなくなって大不況になるから、搾取する対象を海外にまで広げようという政策だ。
マルクス経済学もそういう理解が正しい
リベラリズム・新自由主義・新保守主義というのは世界の0.01%の大資本家が金や資産を独占するシステムで、99.99%の人間が食べていけなくなるから、保守・右翼は共産主義者になるんだ。チャンネル桜も経済政策は元中核派の山本太郎と全く同じだろ。

資本主義はすぐに階級社会になって行き詰まる。
資本主義は自国だけでは階級ができた段階で内需が壊滅し恐慌になって行き詰る。
それで需要を求めて植民地を作り、植民地人から搾取して生き延びるしかなくなる。

シュワブは資本主義のリセットをすると言っているのだが、資本主義はすでに行き詰まっている。一国ではすぐに行き詰まり、早い段階で国外での略奪に活路を求めた。これが帝国主義だが、侵略を「グローバル化」しても早晩行き詰まる。1970年代から金融操作で誤魔化してきたが、21世紀へ入った頃には限界。新たなシステムを築かなければならないくなっている。そこでのリセットだ。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/861.html#c2

[近代史6] リゲティ・ジェルジュ（Ligeti György Sándor 1923 - 2006）
リゲティ・ジェルジュ（Ligeti György Sándor 1923 - 2006）

アトモスフェール(1961年)

ピアノ協奏曲 (1985-88年)

ヴァイオリン協奏曲 (1992年)

弦楽四重奏曲第1番(1953-54年)

弦楽四重奏曲第2番(1968年)

ピアノのための練習曲 第一巻(1985年)、第二巻(1988-94年)、第三巻(1995-2001年)
3.5点
第3集まである。現代のピアノ曲においてとても著名なもの。現代作曲家らしい感受性の強さ、音響やリズムや旋律における斬新な響きや音使いによる現代性など、古いピアノ曲にないものがたくさんあって愉しめる。曲が短くて各曲の個性の色付けが明確で調性感があるため、1985年以降の新しい音楽といっても誰でも即時に曲の良さを理解できて価値も分かると思う。作曲者にとっては気楽に書いた小品集のようにも聴こえるが、その肩肘張らない親しみやすさが魅力。練習曲らしいピアニスティックさと音数が産む複雑さももちろん良い。第3集は若々しさが無くなってしまい少し物足りない。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%9D%B1%E6%AC%A7

リゲティ・ジェルジュ・シャーンドル（Ligeti György Sándor [ˈligɛti ˌɟørɟ ˌʃɑ̈ːndor]、1923年5月28日 - 2006年6月12日）は、ハンガリー系オーストリア人の現代音楽作曲家。クラシック音楽で実験的な作品を多く残したほか、スタンリー・キューブリック監督作「2001年宇宙の旅」や「シャイニング」などに音楽が使用されたことでも知られる。ジェルジ・リゲティとも表記される。

ルーマニア王国トランシルヴァニア中南部のトゥルナヴェニにて、ユダヤ系ハンガリー人の家に生まれる。第二次世界大戦の折には、家族はバラバラに強制収容所に入れられ、父はアウシュヴィッツ＝ビルケナウ強制収容所で、弟はマウトハウゼン強制収容所で命を落とした[1]。

終戦後リゲティは、ブダペスト[2]でコダーイ・ゾルターンやカドシャ・パール、ヴェレシュ・シャーンドル、ファルカシュ・フェレンツらのもとで音楽を学んだ。しかし、ハンガリー動乱がソ連軍に鎮圧された2ヵ月後の1956年12月にオーストリアのウィーンへ亡命[3]し、1968年に同国の市民権を取得。ウィーン音楽院に学び、その後、西ドイツのケルンでカールハインツ・シュトックハウゼンらの現代音楽の手法に触れ、前衛的な手法を身に付けていった。その代表的なものに「トーン・クラスター」など[4]がある。

1973年から1989年までは、ハンブルク音楽演劇大学の教授[5]も務め、多くの弟子を輩出した。

2006年、ウィーンで死去[6]。

作品

オペラ
ル・グラン・マカブル（英語版）(1977年)

管弦楽曲
アトモスフェール(1961年)
ロンターノ(1967年)
アパリシオン(1959年)
13人の器楽奏者のための室内協奏曲(1970年)
メロディーエン(1971年)
サンフランシスコ・ポリフォニー(1974年)

協奏曲
チェロ協奏曲(1969年)
フルートとオーボエのための協奏曲(1972年)
ピアノ協奏曲 (1985-88年)
ヴァイオリン協奏曲 (1992年)
ハンブルク協奏曲(1999年)

室内楽曲
無伴奏チェロソナタ(1968年)
木管五重奏のための6つのバガテル(1953年)
弦楽四重奏曲第1番(1953-54年)
弦楽四重奏曲第2番(1968年)
木管五重奏のための10の小品(1968年)
ヴァイオリン、ホルン、ピアノのための三重奏曲(1982年)
無伴奏ヴィオラソナタ(1991–94年)

声楽曲
ルクス・エテルナ(1966年)
アヴァンチュール(1962年)
レクイエム(1965年)
夏(1989年)

電子音楽
グリッサンディ(1957年)
アルティクラツィオーン(1958年)

ピアノ曲
ムジカ・リチェルカータ(1953年)
ピアノのための練習曲
ピアノのための練習曲 第一巻(1985年)
ピアノのための練習曲 第二巻(1988-94年)
ピアノのための練習曲 第三巻(1995-2001年)

その他
ポエム・サンフォニック - 100台の機械式メトロノームのための。
ヴォルーミナ(1961/62)モダン・オルガン独奏
コンティヌウム(1968年)モダン・チェンバロ独奏

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%AA%E3%82%B2%E3%83%86%E3%82%A3%E3%83%BB%E3%82%B8%E3%82%A7%E3%83%AB%E3%82%B8%E3%83%A5

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/735.html

[近代史6] リゲティ・ジェルジュ 『ピアノのための練習曲』
リゲティ・ジェルジュ 『ピアノのための練習曲』

Ligeti - Études for Piano (Hell, 2012) COMPLETE [HQ]
Piano – Thomas Hell

Premier Livre
1 Étude 1, Désordre 00:00
2 Étude 2, Cordes À Vide 2:39
3 Étude 3, Touches Bloquées 6:00
4 Étude 4, Fanfares 8:05
5 Étude 5, Arc-en-ciel 11:55
6 Étude 6, Automne À Varsovie 15:30
Deuxième Livre
7 Étude 7, Galamb Borong 20:04
8 Étude 8, Fém 22:53
9 Étude 9, Vertige 25:53
10 Étude 10, Der Zauberlehrling 28:55
11 Étude 11, En Suspens 31:32
12 Étude 12, Entrelacs 34:15
13 Étude 13, L'Escalier Du Diable 37:24
14 Étude 14, Columna Infinita 42:33
Troisième Livre
15 Étude 15, White On White 44:33
16 Étude 16, Pour Irina 48:18
17 Étude 17, À Bout De Souffle 52:08
18 Étude 18, Canon 54:47

György Ligeti - Études for Piano (1985-2001, audio+score)
Performer: Fredrik Ullén

00:02 1: Désordre
02:15 2: Cordes à vide
05:21 3: Touches bloquées
07:11 4: Fanfares
10:29 5: Arc-en-ciel
13:54 6: Automne à Varsovie
17:57 7: Galamb Borong
20:19 8: Fém
22:55 9: Vertige
25:12 10: Der Zauberlehrling
27:27 11: En Suspens
29:55 12: Entrelacs
32:37 13: L'escalier du diable
37:41 14: Coloana infinită
39:04 15: White on White
42:08 16: Pour Irina
45:02 17: À bout de souffle
47:07 18: Canon

▲△▽▼

『ピアノのための練習曲』（Études pour piano）は、ハンガリーの作曲家、リゲティ・ジェルジュが1985年から2001年にかけて作曲した、18曲からなるピアノのための練習曲。本作は作曲者のキャリア後期における主要な作品のひとつに数えられ、20世紀で最も重要なピアノの練習曲のひとつである。ヴィルトゥオーゾ的な技術的課題を表現内容と結び付け、ショパン、リスト、ドビュッシー、スクリャービンらの練習曲の系譜に連なるものとしつつも1950年代以降のリゲティの他作品における発想の集大成として新たな技術上の着想が扱われている。ピアニストのジェレミー・デンクはこれらの練習曲が「彼のキャリアとピアノ音楽の頂点を成す偉業である。まだ新しい曲集であるにもかかわらず、既に古典である。」と記している[1]。

作品の意図
18曲の練習曲が3つの巻（Livres）に分かれている。第1巻には6曲（1985年）、第2巻には8曲（1988年-1994年）、第3巻第一葉[2] には4曲（1995年-2001年）が収められている。リゲティの初期構想ではドビュッシーの練習曲を範とし、2つの巻に6曲ずつの計12曲のみを作るつもりであった。しかし、彼自身が作品の作曲に大きな愉しみを見出したことにより楽曲の範囲は拡大していった[3]。第3巻の4曲は連作の締めくくりとして満足できるものとなっているものの、実のところ第3巻は未完で第一葉のみでありリゲティはさらに書き足す意向であった[4]。しかしこれは晩年、病のために創作力が著しく衰えたために果たされることはなかった。第3巻は第1巻、第2巻と比較して概して穏やかでより単純、そして洗練の度を増している。

表題
各曲の表題は専門用語と詩的な表現を織り交ぜたものとなっている。リゲティは表題の候補リストを作成しており、それぞれの曲の初期段階はから出版までの間にしばしば変更された。曲を完成するまで表題を付さないこともしばしばあった[5]。

18曲の練習曲
第一巻のみ、メトロノーム記号が初版(自筆譜稿)[6]から変更された。以下は改定後の表示である。

第1巻
「無秩序」（Désordre） Molto vivace, vigoroso, molto ritmico, whole note = 63
鍵盤を上がり下がりする急速なポリリズムの練習曲。右手が白鍵のみを弾く一方で左手は黒鍵のみに制限される。これによって手は2つのピッチクラスの領域に切り離されることになる。すなわち右手の音楽が全音階で左手が五音音階である。この楽曲はピエール・ブーレーズに献呈されている[7]。
「開放弦」（Cordes à vide） Andantino rubato, molto tenero, eighth note = 96
　単純でほとんどサティ風の和音が徐々に複雑化していく。これらの和音は基本的に5度音程で構成されており、開放弦を思わせることから曲の表題が付けられた[1]。この楽曲もブーレーズへと献呈されている[7]。
「妨げられた打鍵」（Touches bloquées） Vivacissimo, sempre molto ritmico – Feroce, impetuoso, molto meno vivace – Feroce, estrepitoso – Tempo I
2つの異なるリズムパターンが組み合わされる。片方の手が急速かつ一様な旋律パターンを弾き、他方の手が一部の鍵盤を無音の状態で押さえることによりそれを「妨げ」る。この曲がブーレーズに献呈された最後の曲となった[7]。
「ファンファーレ」（Fanfares） Vivacissimo, molto ritmico, whole note = 63, con alegria e slancio
旋律と伴奏が頻繁に入れ替わるこの練習曲はアクサクに影響を受けたリズムと8分の8拍子のオスティナートを特徴としており、8つの8分音符が3+2+3に分割される。このオスティナートリズムはヴァイオリン、ホルン、ピアノのための三重奏曲にも用いられている[8]。この曲はフォルカー・バンフィールドへと献呈されている[7]。
「虹」（Arc-en-ciel） Andante con eleganza, with swing, sixteenth note ca. 84
　音が弧を描きつつ上がり下がりする様が虹を思い起こさせる。この曲はルイーズ・シブールに献呈された[7]。
「ワルシャワの秋」（Automne à Varsovie） Presto cantabile, molto ritmico e flessibile, quarter note = 132
この曲の表題は、毎年開催される現代音楽の音楽祭であるワルシャワの秋のことを指している。リゲティ自身はこの練習曲について"tempo fugue"（フーガのテンポで）と述べている[9]。複数のテンポの練習曲であり、はじめの下降音型が絶えず変容することで構成される - リゲティによれば"lamento motif"（嘆きのモチーフ）であるという[9]。3、4、5、6、7、8のグループが重なり合い、最後には鍵盤の最低音に辿り着く。この曲はリゲティのポーランドの友人たちへと捧げられた[7]。

第2巻
「悲しい鳩」（Galamb Borong） Vivacissimo luminoso, legato possible, half note = 40 or faster – semplice, da lontano
ジャワ語のように響く表題はこの曲が受けたガムランからの影響を反映したものであるが、実際にはどちらの単語もハンガリー語である。「無秩序」の際と同様に2つの手で相補的な音階を奏するが、この曲の場合はそれぞれが2つの全音音階のうちのひとつを演奏する。この曲はウルリヒ・エックハルトに献呈された。
「金属」（Fém） Vivace risoluto, con vigore, whole note = 30 (quarter note = 180, quarter note = 120)
表題は金属を表すハンガリー語である。空虚五度の和音の響きに乗り、短く、不規則かつ非対称的にまとめられた旋律の断片がそれぞれ奏されていく。この練習曲もフォルカー・バンフィールドへ献呈された。
「眩暈」（Vertige） Prestissimo sempre molto legato, whole note = 48
遠く隔てられた両手が半音階を奏でることにより、終わりなく落ち続ける動きを生み出す。この曲は作曲家のマウリシオ・カーゲルへと捧げられた。本作の完成後、リゲティは3年の間次の練習曲を作曲しなかった[10]。
「魔法使いの弟子」（Der Zauberlehrling） Prestissimo, staccatissimo, leggierissimo
舞踏的な旋律線が不規則に散りばめられたスタッカートのアクセントによる無窮動的な動きの中で保たれる。この曲はピアニストのピエール＝ローラン・エマールに献呈された。
「不安定なままに」（En Suspens） Andante con moto, quarter note = 98
右手は1小節に6拍、左手は4拍で奏し、両方の不規則なフレーズの長さとアクセントが希薄でむしろジャズに近いともいえる和音の綾を織りなす。この曲は作曲家のクルターグ・ジェルジュへ献呈された。
「組み合わせ模様」（Entrelacs） Vivacissimo molto ritmico, quarter note = 100 (quarter note = 65)
直角に交わったリズムパターンが鍵盤を左から右へ横断する間に音量を増していき、7つの異なる韻律の重なりを生み出す。この曲はピアニストのピエール＝ローラン・エマールに献呈された。
「悪魔の階段」（L'escalier du diable） Presto legato, ma leggiero, whole note = 30
精力的なトッカータが複数のリズムにより鍵盤上で上がり下がりを行い、それが異なる音程と周期の鐘が鳴っているような印象に変化する。演奏に5分以上を要し、これは曲集中で最長となっている。ピアニストのフォルカー・バンフィールドへ献呈された。
「無限の円柱」（Coloana infinită） Presto possible, tempestoso con fuoco, half note = 105

コンスタンティン・ブランクーシの「無限柱」
この練習曲はコンスタンティン・ブランクーシの同名の彫刻の名前を取って名付けられた。彫刻は拡大と縮小を繰り返すピラミッド状の形から成る。曲は大音量で上行する和音の連なりを特徴としており、重なり合うことで絶え間なく上昇をしているかのような印象を与える。この曲はヴァンサン・マイエル（Vincent Meyer）へと献呈された。この作品は後に14A番として出版された「Coloana fara sfârşit」の改訂版である。

第3巻
「白の上の白」（White on White） Andante con tenerezza, half note = 52
最後の個所を除き白鍵の練習曲となっている。静かなカノンで開始し、中間部では素早く動き回る。この曲はエティエンヌ・クーランに捧げられた。
「イリーナのために」（Pour Irina） Andante con espressione, rubato, molto legato, quarter note = 72 – Allegro con moto, sempre legato, quarter note = 152 – Allegro vivace – Molto vivace
この曲も穏やかに開始するが、次第に音価の短い音や新しい音高が追加されることにより熱狂の度を増してくる。この作品はイリーナ・カタエヴァに献呈された。
「À bout de souffle」 Presto con bravura
　気の狂ったような2声のカノンが緩やかなピアニッシモの和音で不意に終わりを迎える。この作品は数学者のハインツ＝オットー・パイトゲン（英語版）に献呈された。
「カノン」（Canon） Vivace poco rubato – Prestissimo
両手による短いカノンが、はじめvivaceで、次いでpresto impossibileで奏され、最後は静かで緩やかな和声的カノンで閉じられる。この曲はファビエンヌ・ウィレル（Fabienne Wyler）に献呈された。

関連作品
練習曲第14A番: 「Coloana fara sfârşit」（終わりのない柱)

本作は練習曲第14番の初期稿であったが生身の奏者にはあまりにも過酷であると判断され、リゲティはそれぞれの手の音数を減らして和声構造を変更、曲を作り変えた。その後、この原曲はユルゲン・ホッカーにより別途自動ピアノ用に編曲されたが、この作品を演奏したピアニストもいる[11][12][13][14][15]。
単独のピアノ作品「L'arrache-coeur」（心臓抜き, 1994年）は明らかに練習曲第11番とすべく作られた曲であるが、曲集に組み入れられることはなかった[16]。録音されて音源も販売されているが、ショット社は一般への楽譜の公開に応じていない

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%B7%B4%E7%BF%92%E6%9B%B2_(%E3%83%AA%E3%82%B2%E3%83%86%E3%82%A3)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/736.html

[近代史6] コダーイ・ゾルターン（Kodály Zoltán,1882-1967)
コダーイ・ゾルターン（Kodály Zoltán,1882-1967)

ガランタ舞曲 Galántai táncok

交響曲ハ長調
3点
民族的な味付けが面白い。交響曲らしいシリアスさと総合性があり楽しめる。しかし、79歳の作品ということで少し枯れている感があるのと、時代にしては古臭い音楽なのは残念なところ。

無伴奏チェロソナタ 作品8（1915年）
4点

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%9D%B1%E6%AC%A7

コダーイ・ゾルターン（Kodály Zoltán, 1882年12月16日 - 1967年3月6日）は、ハンガリーの作曲家、民俗音楽学者、教育家、言語学者、哲学者。

人物・来歴
ケチケメートに生まれ、幼少時代の多くをガラーンタとナジソンバト（現在のスロバキアのトルナヴァ）で過ごす。父親は熱心なアマチュア音楽家で、コダーイは子供の頃からヴァイオリンの学習を始める。聖歌隊で歌い、また曲を書いたこともあったが、系統的な音楽教育を受けることはほとんどなかった。

1900年、コダーイはブダペスト大学のハンガリー語・ドイツ語学科に入学し、同時にブダペストのハンガリー王立音楽院（現在のリスト・フェレンツ音楽大学）で音楽を学び始める。そこでコダーイはハンス・ケスラーに作曲について学ぶ。ドイツ人のケスラーは、マックス・レーガーの従兄で、ブラームスの音楽を信奉する保守的な作曲家であった。

民謡について真剣に取り組んだ初期の研究者として、コダーイは民俗音楽学の分野における重要人物のひとりとなる。1905年から人里離れた村を訪れて曲を集め、1906年にはハンガリー民謡に関する論文「ハンガリー民謡の詩節構造」(A Magyar népdal strófaszerkezete) を書く。この頃、コダーイは後に妻となるシャーンドル・エンマと出会っている。さらにエンマを通じて生涯の僚友となるバルトーク・ベーラに会い、彼にハンガリー民謡の手ほどきをした。2人は共に民謡集の出版を手がけた。また、自らの作品にも民謡の影響が現れていた。

哲学と言語学において博士号を授かると、コダーイはパリへ行き、シャルル＝マリー・ヴィドールに師事。そこでクロード・ドビュッシーの音楽に出会い、その影響を受ける。1907年にブダペストに戻り、ブダペスト音楽院教授となる。コダーイは第一次世界大戦中も休みなく民謡収集の旅へ出かけた。1910年には19歳年上のエンマと結婚した。なお、エンマは作曲家・ピアニストとしてエルンスト・フォン・ドホナーニに師事しており、コダーイがバルトークと出会ったのもエンマの師ドホナーニとバルトークが同窓であったという縁によるものである。

コダーイはこの間にも作曲を行い、2曲の弦楽四重奏、「チェロとピアノのためのソナタ」と「ヴァイオリンとチェロのための二重奏曲」を発表する。これらはすぐには成功を収めなかったが、1923年にブダ・ペスト合併50周年記念の演奏会で「ハンガリー詩篇」が初演され、大成功を収める。この後、コダーイは自作の指揮でヨーロッパ中を巡る事になる。

1925年の児童向け合唱曲 「ごらん、ジプシーがチーズを食べている」の作曲をきっかけに、コダーイは音楽教育の問題に大きな興味を持つようになる。教育用の曲を多数書き、同様に書物も出版する。この分野におけるコダーイの研究はハンガリー内外を問わず音楽教育に重大な影響を与えた。評論家らはこの手法を「コダーイ・メソッド」と呼んだが、実際にはコダーイは包括的な手法を作り出したわけではなく、むしろ音楽教育を理解するための原理を定めたという点から、誤った呼び名であるとされる。

コダーイはまた、プロの合唱団のための曲と共に、「マロシュセーク舞曲」「ガランタ舞曲」「『孔雀』による変奏曲」「ミサ・ブレヴィス」といった作品を作曲する。オペラ「ハーリ・ヤーノシュ」の組曲も、オペラそのものの上演は少なかったものの、有名となった。

このような作曲活動と平行して、1920年代にも引き続き、ハンガリーの村々を回り、民謡を収集・録音する作業を続け、民俗音楽における多数の論文を執筆し、また民謡に基づく合唱を作曲していった。

1930年にはブダペスト大学の哲学科で学生に講義を行い、その中の討論で民俗音楽の歴史と意義についての議論を深めていった。

コダーイは第二次世界大戦中もブダペストに残り、1942年に教職から退いた。戦争中は「いくさ歌」や「神の奇跡」などペテーフィ・シャーンドルの愛国・革命の詞に対して数曲の作曲をしている。戦闘がブダペストで始まると、修道院に待避し、そこでオルガン曲のミサ・ブレヴィスを合唱・独唱・オーケストラ用に編曲した。

戦争が終わった1945年にはハンガリー国民芸術会議の議長となり、1962年にはハンガリー人民共和国の勲位を受ける。コダーイはその他に国際民族音楽評議会会長、国際音楽教育協会名誉会長の職についた。1956年のハンガリー動乱の際にはナジ・イムレの支持者から大統領候補に推される向きもあった。

1958年に妻エンマが亡くなるが、翌年12月には当時19歳でリスト・フェレンツ音楽院の学生だったピーツェリー・サロルタと再婚した。その後、1960年から66年にかけては毎年、海外に長期旅行し、様々な講演や会議への出席をこなした。

コダーイは1967年に亡くなり、ブダペストのファルカシュレート墓地に埋葬された[1]。84歳没。両親ともハンガリー人で、ほぼ全生涯をハンガリーで送った作曲家であり、ハンガリー人の芸術家として最も尊敬され、よく知られたうちのひとりであった。

1966年、逝去の前年に、コダーイの名を冠した弦楽四重奏団「コダーイ弦楽四重奏団（英語版）」が結成される。

主要な作品

現在知られているコダーイの作品は、1897年の原稿から1966年の斉唱曲・合唱曲（ハンガリー・ミサ曲 Magyar mise、オルガン讃歌 Laudes organi）まで多岐・長期にわたるが、中でも際だって合唱曲が多く、また他の同時期の作曲家と比べて、児童混声の合唱曲が多いのが特徴である。コダーイの合唱作品はマジャル語の作品の中でも特に知られており、日本で取り組む合唱団は数多い。管弦楽曲の大部分は1930年代に作曲されている。

歌劇
ハーリ・ヤーノシュ Háry János 作品15（1925年 - 1926年）
全4幕。パウリニ・ベーラとハルシャーニ・ジョルトの台本による。組曲版も知られている。
セーケイ地方の紡ぎ部屋 Székely fonó （台本は伝承劇）
ツィンカ・パンナ Czinka Panna （1946年 - 1948年）

管弦楽作品
夏の夕べ Nyári este （1906年／1929年 - 1930年改訂）
1906年に最初の版が作られ、イシュトヴァーン・ケルナーの指揮、ハンガリー国立歌劇場管弦楽団の演奏で初演された。1929年にアルトゥーロ・トスカニーニの勧めにより改訂され、翌年トスカニーニ指揮ニューヨーク・フィルハーモニックにより演奏された。
ハンガリー風ロンド（古いハンガリーの兵士の歌） Régi magyar katonadalok （1917年）
舞踏音楽（英語：Ballet Music ）（1925年）
劇場序曲 Szinházi nyitány （1927年）
もともとは歌劇『ハーリ・ヤーノシュ』の序曲であり、『ハーリ・ヤーノシュ』から組曲が編まれる際、独立した楽曲となった。
マロシュセーク舞曲 Marosszéki táncok （1930年）
もともとピアノ曲だったのをバレエ用に管弦楽に編曲。
ガランタ舞曲 Galántai táncok （1933年）
ブダペスト・フィルハーモニー協会創立80周年を記念して作曲。コダーイはここで、ほとんど忘れられていた古いマジャール人の新兵募集の踊り「ヴェルブンコシュ」（Verbunkos）を復活させた。
ハンガリー民謡「孔雀は飛んだ」による変奏曲（英語：Variations on a Hungarian Folksong "Felszállott a páva"） （1939年）
アムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団創立50周年記念の委嘱作品。1939年11月23日にウィレム・メンゲルベルクの指揮で初演。古くにハンガリーを支配したオスマン帝国やオーストリア帝国からの解放を願う民謡に基づく楽曲であり、俗に「ファシストに対する抵抗の楽曲」とも言われる。平易な楽曲ではないものの、日本においては、特に1990年代より吹奏楽編曲版が高等学校や中学校の吹奏楽部を中心に、コンクールや演奏会等で取り上げられている。
管弦楽のための協奏曲（1939年）
シカゴ交響楽団の創立50周年記念のために作曲。フレデリック・ストックの指揮により初演された。
交響曲 ハ長調（1961年）
最初の楽想は、思いついた時に乗っていた路面電車の切符に書き留めた。その後、長らく放置されていたが、1957年のトスカニーニの死を受けて、それに捧げる作品として完成された。「アルトゥーロ・トスカニーニの思い出のために」という副題がつく時もある。1961年8月16日ルツェルン音楽祭にて、ブダペスト音楽院時代の弟子フェレンツ・フリッチャイ指揮、ルツェルン祝祭管弦楽団によって初演された。

合唱曲
奉献唱 Offertorium （1901年 管弦楽伴奏付き）
ミゼレーレ Miserere （1903年 混声二重合唱）
夕べ Este （1904年 混声合唱、 詞：P.ジュライ）
ハンガリー詩篇 Psalmus Hungaricus　作品13（1923年）
ブダペスト50周年記念祭用に依頼された。16世紀の詩人 ケチケメーティ・ヴェーグ・ミハーイ (Kecskeméti Vég Mihály) による詩篇55番のハンガリー語訳に作曲したもので、児童合唱（ad Libitum）が含まれている。この曲はハンガリー革命の後の反革命の際、革命に協力したコダーイが不如意な状態に置かれた経験を詩篇55番の歌詞に投影させている。
ジプシーがチーズを食べている Túrót eszik a cigány （1925年 高声合唱版／1950年 混声合唱）
コダーイが児童用合唱を書くきっかけとなった曲。ブダペストの少年学校の教師ボルス・エンドレ（Borus Endre）の紹介でハンガリー詩篇の児童合唱部の練習を見学したコダーイが、その練習風景に刺激されて2-3週間で書き上げたと言われる。1950年に編曲。
わら人形 Villő（1925年 高声合唱）
聖霊降臨節の巡礼 Pünkösdölő （1929年 高声合唱）
新年の祝い歌 Új esztendőt köszöntő （1931年 高声合唱）
マートラの風景 Mátrai képek （1931年 混声合唱）
ナジサロンタの祝い歌 Nagyszalontai Köszöntő （1931年 高声・混声合唱）
ナジサロンタ地方（第一次大戦後は一時期を除き、ルーマニア領サロンタ）で収集された民謡に基づいて作曲された合唱曲。誕生日や母の日、聖名祝日に相手の名前を冠して歌われた民謡だと言われる。
セーケイの嘆き歌 Székely keserves （1934年 混声合唱）
ホラティウス《歌賞》 II.10 Horatii Carmen II.10 （1934年 混声合唱）
老人たち Öregek（1933年 混声合唱、詞：ヴェレッシュ・シャーンドル（Weöress Sándor））
イエスと商人たち Jézus és a kufárok （1934年 混声合唱）
新約聖書の中の「幼いイエスが祈りの場である教会で商売をしていた商人を追い出した」というエピソードに曲をつけたもの。ただしこの曲は宗教曲ではない。
いつも遅れる者たち Akik mindig elkésnek （1934年 混声合唱、 詞：アディ・エンドレ（Ady Endre））
ブダ城のテ・デウム Budavári Te deum（1936年 管弦楽伴奏）
フランツ・リスト賛歌 Liszt Ferenchez （1936年、詞：M.ヴェレシュマルティ）
孔雀は飛んだ Fölszállott a páva （1936年 男声合唱、詞：アディ・エンドレ）
モルナール・アンナ Molnár Anna （1936年 混声合唱）
ハンガリーの民へ（忠誠の歌） A Magyarokhoz （1936年 混声合唱、詞：D.ベルジェニ）
聖イシュトヴァーンへの讃歌 Ének Szent István királyhoz （1937年 男声無伴奏／1938年 混声器楽伴奏・無伴奏混声・無伴奏少年混声）
エジェテム・ベジェテム（飛んだり跳ねたり）Egyetem, begyetem （1938年 高声合唱）
聖ヤーノシュの祝日の祝い歌 János köszöntő （1939年 少年混声合唱）
ノルウェーの娘たち Norvég lányok （1940年 混声合唱 詞：ヴェレッシュ・シャーンドル）
初聖体拝領 Első áldozás （1942年 混声合唱、詞：セデー・デーネシュ（Szedő Dénes））
バラッシ・バーリントの忘れられた歌 Balassi Bálint elfelejtett éneke （1942年 混声合唱、詞：ガズダグ・エルジ（GAZDAG Erzsi））
ミサ・ブレヴィス（1942年 - 1944年 オルガン伴奏版／1950年 管弦楽伴奏版）
"Ite missa est"が作曲されているが、中世からルネサンス初期にいくつか作曲された以外余り例を見ない。
心からの嘆願 Szép könyörgés （1943年 混声合唱、詞：バラッシ・バーリント）
ジュネーブ詩篇121 A 121. genfi zsoltár （1943年 混声合唱）
いくさ歌 Csatadal （1943年 混声二重合唱、詞：ペテーフィ・シャーンドル）
囚われの国の息子 Rabhazának fia （1944年 男声合唱、詞：ペテーフィ・シャーンドル）
神の奇跡 Isten csodája （1944年 男声合唱、詞 ペテーフィ・シャーンドル）
マジャル民族 A magyar nemzet（1947年 混声合唱、詞 ペテーフィ・シャーンドル）
哀歌 Sirató ének （1947年 混声合唱、詞：ボドゥログ・パール（Bodrogh Pál））
ズリーニの訴え Zrínyi szózata（1954年 混声合唱、詞：M. Zrínyi Bar）
ハンガリーの医師ズリーニがハンガリーの伝承（何者かが国王を暗殺しようとした際に口のきけない王子が声を上げて制止した）を引き合いに出し、ハンガリー国民に蜂起を訴えた内容を作曲したもの。バリトン独唱で始まり、次第に合唱パートが多くなる様は、あたかもズリーニの訴えに対して多くの国民が賛同し、結集するようである。
モハーチ Mohács（1965年 混声合唱、詞：キシュファルディ（Kisfaludy））
オルガン讃歌 Laudes organi （1966年 器楽伴奏）

器楽作品
チェロソナタ 嬰ヘ短調 作品4（1909年 - 1910年）
ヴァイオリンとチェロのための二重奏曲 作品7（1914年）
ニ調を基調とする。
無伴奏チェロソナタ 作品8（1915年）
チェロの低音側の2弦（C線とG線）を通常よりも半音下げて調弦する（すなわちそれぞれHとFisとなる）変則的調弦法（スコルダトゥーラ）を採用した無伴奏作品。3楽章構成をもつ。使用される音域が5オクターヴにも及ぶ高度に技巧的な作品であると同時に、ハンガリーの民謡に基づいた旋律は豊かな情感に満ちている。ハンガリー出身の名チェロ奏者ヤーノシュ・シュタルケルの歴史的録音が有名である。1918年5月7日ブダペストにてケルペリが初演。
ピアノ曲「7つの小品」 作品11（1917年 - 1918年）
マロシュセーク舞曲 Marosszéki táncok （1927年 ピアノ版）

主な著書
トランシルヴァニアのハンガリー人―民謡（Erdélyi magyarság: népdalok）　バルトークと共著（ブダペスト、1923年）
ナジサロンタの民謡集（Nagyszalontai gyűjtés, 1924年）
アラニ・ヤーノシュの民謡集（Arany János népdalgyűjteménye）　アーゴシュト・ジュライ（Ágost Gyulai）と共著（ブダペスト、1953年）
ハンガリーの民俗音楽（A magyar népzene, ブダペスト 1937年）
日本語訳：関鼎（音楽之友社　1971年）
コダーイ・ゾルターンの教育思想と実践――生きた音楽の共有をめざして（中川弘一郎編・訳、全音楽譜出版社　1980年）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B3%E3%83%80%E3%83%BC%E3%82%A4%E3%83%BB%E3%82%BE%E3%83%AB%E3%82%BF%E3%83%BC%E3%83%B3
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/737.html

[近代史6] コダーイ・ゾルターン 無伴奏チェロ・ソナタ 作品8
コダーイ・ゾルターン 無伴奏チェロ・ソナタ 作品8

Janos Starker - Kodály Solo Sonata op. 8 live 1982

Kodály: Sonata for Solo - Cello, Op. 8
Cassado: Prelude
Bach: Sarabande
Great Hall Liszt Academy Budapest June 2nd 1982
live recording © Bartok Radio

Kodály Cello Sonata Op.8 - János Starker

János Starker cello
1970

Kodály - Cello sonata - Starker 1957

I. Allegro maestoso ma appassionato 0:00
II. Adagio (con grand'espressione) 8:36
III. Allegro molto vivace 18:10

János Starker
Studio recording, London, 4.X.1957

Kodaly; Sonata for Unaccompanied Cello, Op. 8, Janos Starker, recordes in 1950.

Janos Starker
1950

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ゾルターン・コダーイの無伴奏チェロ・ソナタ（仏語： Sonate pour violoncelle seul ）作品8は、1915年に作曲され、1918年5月7日に初演を果たしたチェリストのイェネー・ケルペイに献呈された無伴奏チェロ曲である（ウニヴェルザール出版社の楽譜上では、フランス語の献辞で“A Eugène de Kerpely”と記されている）。

作品全体を通して調号は明記されていないがロ短調を主調とし、3つの楽章から成る古典的なソナタの構成に従っている。第2ページの冒頭に、フランス語と楽譜によって、G線とC線を半音下げて調弦するよう（本来C-G-d-aに対しH¹-Ges-d-a）に指示されており、しばしばスコルダトゥーラを用いた作品の例として言及される。

また、左手のピッツィカートや重音奏法、急速なトレモロなどの超絶技巧を駆使した難曲として知られているが、これらは単に演奏技巧を誇示するにとどまらない。チェロを通常の擦弦楽器としてだけでなく、撥弦楽器や打弦楽器としても利用することで、華麗で斬新な効果と交響的な印象をもたらし、結果的にチェロという楽器から音色のかつてない広がりを引き出すことに成功している。チェロはまた、ハープやバグパイプ、太鼓、ターロガトー、ツィンバロンといった民族楽器を模倣しており、作品は民族舞曲ヴェルブンコシュの様式を踏まえている。

楽曲構成
アレグロ・マエストーソ・マ・アパッシオナート Allegro maestoso ma appassionato
アダージョ（コン・グランデスプレッシオーネ） Adagio (con grand'espressione)
アレグロ・モルト・ヴィヴァーチェ Allegro molto vivace

主要な演奏者

ヤーノシュ・シュタルケル（十八番としてたびたび録音を重ねてきたが、中でもピーター・バルトーク制作による2度目の録音が歴史的名盤として名高い。）
ピエール・フルニエ
ミクローシュ・ペレーニ
ユーリ・トゥロフスキー（en）
マリア・クリーゲル
ヨーヨー・マ - 日本では、第1楽章がサントリーローヤルのCM曲として使用された。
長谷川陽子 - 「文化庁芸術作品賞」「日本プロ音楽録音賞」受賞録音。
藤森亮一
ルイス・クラレ(en)
ジャン＝ギアン・ケラス(en)
クサヴィエ・フィリップス（en）
タマーシュ・ヴァルガ

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%84%A1%E4%BC%B4%E5%A5%8F%E3%83%81%E3%82%A7%E3%83%AD%E3%82%BD%E3%83%8A%E3%82%BF_(%E3%82%B3%E3%83%80%E3%83%BC%E3%82%A4)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/738.html

[近代史6] カロル・シマノフスキ（Karol Maciej Szymanowski, 1882 - 1937）
カロル・シマノフスキ（Karol Maciej Szymanowski, 1882 - 1937）

ポーランド

交響曲

交響曲第1番 ヘ短調 op.15 （1906年）
2.5点
ぐちゃぐちゃな和音や音の動きのうねりを延々と続ける曲。楽譜がどうなっているのか少し興味は湧く複雑さだが、鑑賞するには向いておらず楽しめない。はっきりしない不明確な音の動きばかりであり、いわば実験的な音楽だと思う。

交響曲第2番 変ロ長調 op.19 （1910年）
2.8点
1番をもっと成長させた音楽という印象である。明確な構築性に乏しくぐちゃぐちゃであり、過去の音楽と被らないように書かれており。マイナー音楽らしい華のなさと私は感じた。後期ロマン派をさらに腐る程に熟させたらこうなると言えるだろうか。リヒャルト・シュトラウスの方向性をさらに進めた音楽なのは分かる。豪華な管弦楽の使い方も含めて影響を感じるが、私の好きでない部分まで受け継いでいる。過渡期の音楽であり、この時代だけしかシマノフスキが音楽を残さなかったならば、現在はかなり知名度の低い作曲家だっただろう。

交響曲第3番『夜の歌』 op.27 （1914-16年）
3.0点
カンタータ的様式の神秘主義の音楽。社会派のようなスケール感や闇を抉り出す感じ、野蛮で野太い感じもある。管弦楽の使い方もそうだし、意欲的でありさまざまな要素が渾然となっていて、ポーランドというクラシック音楽の中では中立的であることによる色のなさが、目新しい価値を産んでいる。聴く価値はある曲である。

交響曲第4番 （協奏交響曲） op.60 （1932年）
3.0点
ピアノ協奏曲のような形式。独奏ピアノは大活躍するが、華やかな活躍そのものは目的化されておらずあくまで本格性を求める交響曲の音楽的な目的を果たすために使われているように聴こえる。音楽的な楽想の豊富さと適度なシリアスさは楽しい気分にさせられる。そのため軽い協奏曲よりも聞き応えのある曲になっている。とはいえ、一流作曲家の割り切りの良さが足らず器用貧乏のようになっている気もする。

管弦楽曲
演奏会用序曲 op.12 （1905年）

バレエ音楽「ハルナシェ」op.55 （1923-31年）

協奏曲
ヴァイオリン協奏曲第1番 op.35 （1916年）

ヴァイオリン協奏曲第2番 op.61 （1932-33年）

室内楽曲
ヴァイオリン・ソナタ ニ短調 op.9 （1904年）

神話−3つの詩 op.30 （1915年）

弦楽四重奏曲第1番 ハ長調 op.37 （1917年）

弦楽四重奏曲第2番 op.56 （1927年）

ピアノ曲
ピアノ・ソナタ第1番 ハ短調 op.8 （1903-04年）
3.0点
後期ロマン派らしい豪華さをもったピアノソナタである。4つの楽章は巨大な立派な規模をもっており、それがちゃんとピアノソナタ的発想で構築されており、この時代ならではのソナタとして一定の価値と存在感がある。和声は半音階的でやや複雑だが後期ロマン派的で明確であり後年の作品と比較して非常に聴きやすい。個性の確立した一流作曲家の作品と呼ぶにはまだ物足りない発展途上さはある。

ピアノ・ソナタ第2番 op.21 （1911年）
2.5点
非常に音数が多くて技巧的な作品。グロテスクで割り切れない音の動きが多くて、その音の生理的な感覚が個人的には全然に精神のツボを突いてくれない。気持ちよくないまま漫然と音の塊を聴き続けるような気分になる。スクリャービンのようなグロテスクさなのだが、こちらはどうにも理解困難である。場面が変わっても楽章が変わってもその分からなさが続く。技巧的な音数であることしか理解できない。

ピアノ・ソナタ第3番 op.36 （1917年）
3.5点
スクリャービンの影響が顕著である。浮遊感や神秘的な雰囲気とグロテスクさなどを継承しつつも、スクリャービンよりも構築的であり、バランスと構成をきちんと計算して作られたより本格的な作品という印象が強い。私としてはスクリャービンのクレイジーすぎて断片的で物足らないのを補う完成作品として、長年求めていたものを見つけた気分になった。20世紀のピアノソナタとして重要作品だと思われる。

4つの練習曲 op.4 （1900-02年）

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%9D%B1%E6%AC%A7

カロル・マチエイ・シマノフスキ（ポーランド語: Karol Maciej Szymanowski, 1882年10月3日[1]または10月6日[2] - 1937年3月29日[1][2]）は、ポーランドの作曲家。激動する時代に合わすかのようにその作風を何度か変えながら4つの交響曲、2つのヴァイオリン協奏曲、2つの弦楽四重奏曲、2つのオペラ、ピアノ曲や歌曲を残した。

生涯

学習期
18世紀のポーランド分割によって19世紀当時はポーランドからロシアに割譲されており現在はウクライナに属するキエフ県チギリン郡（英語版）ティモショフカ（英語版）[注釈 1]で、シュラフタ（ポーランド貴族）の家に生まれた。

父親のスタニスワフ・シマノフスキはポーランド人の裕福な大地主、母アンナはポーランドにやってきたスウェーデン系の移民で、カロルは3番目の子供であった。両親は音楽を愛し、家は芸術家が集まる一種のサロンのようになっていた。こうした環境からか、彼の4人の兄姉妹はいずれも音楽家、画家、詩人といった芸術の道に進んでいる。カロルは、4歳の時、脚に大怪我を負い一時期は歩けないほどであったため、学校へは行かず家庭内で初等教育を受けた。最初にピアノを教えたのも彼の父親であった。10歳になると、父スタニスワフの従姉妹マリアの夫にあたるグスタフ・ネイガウス（ロシア語版）（グスタフ・ノイハウス。息子はゲンリフ・ネイガウス）がエリザベトグラード（キロヴォグラード、現在のクロプィウヌィーツィクィイ）で開いていた音楽学校に入学した。

1901年、より専門的な音楽の教育を受けるためにシマノフスキはワルシャワに行き、和声学をマレク・ザヴィルスキ[注釈 2]、作曲と対位法をジグムント・ノスコフスキに師事している。ここで彼は音楽グループ「若きポーランド（英語版）」のメンバーとなる5人の音楽家と出会った。それは、アルトゥール・ルービンシュタイン（ピアニスト）、パヴェウ・コハィンスキ（ヴァイオリニスト）、グジェゴシュ・フィテルベルク（指揮者）、ルドミル・ルジツキ（作曲家）、アポリナリ・シェルト（英語版）（作曲家）であった。彼らが旗揚げした「若きポーランド」はポーランドの若い音楽家の作品を出版、プロモートすることを目的とする音楽集団であった。1904年にワルシャワの音楽学校を卒業した後、シマノフスキはベルリンやライプツィヒで多くの時間を過ごしている。

創作第一期
シマノフスキの音楽教育の環境を考えれば至極当然であるが、創作初期には、ショパン、ワーグナー、スクリャービン、リヒャルト・シュトラウス、マックス・レーガーらの影響が明らかな後期ロマン派の作風の作品を創作した。

創作第二期
1914年、シマノフスキはローマ、シチリア、アルジェ、チュニスあるいはパリやロンドンを旅した。またその途中ロンドンでストラヴィンスキーと会っている。第一次世界大戦の勃発によりティモシュフカに帰ったが、そこでも古代ギリシアや初期のキリスト教、イスラムやオリエントの勉強に没頭した。その成果が1916年に完成した交響曲第3番「夜の歌」である。この作品にはドビュッシーを初めとする印象主義音楽と13世紀のペルシア人神秘主義詩人ジャラール・ウッディーン・ルーミーのテキストが見事にブレンドされている。こうした作風がシマノフスキの創作第二期の特徴であり、この交響曲は第二期の代表作である。

創作第三期
1917年の秋、ボリシェヴィキの一団がシマノフスキ家を急襲し、美術品は略奪され、カロルのピアノはおもしろ半分に池に投げ込まれてしまった。この事件はシマノフスキ一家を経済的、精神的に叩きのめした。カロルはショックのあまり音楽から遠ざかり、小説『エフェボス』を創作している（1939年の火事で焼失し現存しない）。

1918年にポーランドが独立を遂げると、その翌年にシマノフスキはカイロの音楽院からの招聘を断り、一家でワルシャワに移住した。この頃から彼は祖国の音楽に興味を持ち始めていたのだが、それを決定づけたのは、1921年パリでストラヴィンスキーと再会した時に彼がピアノで演奏した『結婚』に受けた衝撃であった。以降、シマノフスキはポーランド、特に南部のタトラ山地の民俗音楽に傾倒して行く。ここから彼の創作期は第三期に入る。彼は1922年以降ザコパネに別荘を借り、この地をたびたび訪れている。

1927年にシマノフスキはワルシャワ音楽院（1930年にワルシャワ音楽アカデミーとなる）の院長となった。彼は若い才能のある音楽家を育てるためにポーランドの音楽教育を根底から見直し、改革を行おうとするが守旧派と対立し、フラストレーションにさいなまれながら5年間を過ごした後、1932年辞任に追い込まれた。辞任後は収入を得るためにコンサート活動を行なった。1932年の交響曲第4番は自身を独奏者にすることを想定したピアノ独奏を有する交響曲となっている。しかし、コンサート・ピアニストとしては技術不足で、コンサートの回数は年々減ってゆき、それにつれ経済状態は困窮の度を増していった。それに追い打ちをかけるように肺結核が悪化し、転地療養のためにダボス、グラース、カンヌと各地を転々とし、最期は1937年3月29日にローザンヌで息を引き取った。

棺はポーランドに運ばれ、古都クラクフの「大天使ミカエルと聖スタニスワフの教会」の地下聖堂に安置された。この地下聖堂は1480年に他界した年代記作者ヤン・ドゥゴシュから2004年に他界したノーベル文学賞受賞者チェスワフ・ミウォシュまでポーランド歴代の芸術家や文人の棺が置かれており、誰でも見学・参拝できる。

タトラ地方の民謡

演奏するグラル人たち
ショパンやパデレフスキが主にポーラなど北部低地地方の民謡に取材したのに対し、シマノフスキが影響を受けたのはポーランド南部のタトラ山地の民謡の中でも特に、グラル人(Górale)と呼ばれる、牧畜を主体とする農民に伝わるものであった。それは、リディア旋法や、即興的にビブラートを加えるリディゾヴァニエと呼ばれる歌唱法、不規則なフレーズが突然挿入されたりする特徴を持つオフビートのリズムが支配的な快活な舞曲である。中には「山賊踊り」と呼ばれる荒々しい仕草とフレーズをもつ楽しい踊りもある。

彼は木造の民家の隅で、農民たちが活き活きと汗をとばしながら踊る姿を見つめ、床を踏みならす音をきいて楽しんだという。エッセイの中でシマノフスキは「ポーランドの農民は芸術家に匹敵する」と語っている。彼は19世紀にこれらの民謡を紹介した編曲が荒々しさを矯め、短調の感傷的な音楽にしてしまったことを嘆いている。自身の作品では神経質なほど精密に不協するリズムセクションを再現し、音楽の荒々しいパワーを損なわないよう配慮している。こうした姿勢は「20のマズルカ集 op.50」に顕著で、リズムのエネルギー、バグパイプを模した5度の単純な持続音や反復音、不規則なフレージング、大胆な複調などがためらいなく用いられている。

主な作品

交響曲

交響曲第1番 ヘ短調 op.15 （1906年）
ワーグナーに影響を受けており、作曲者はこれを和声の怪物と呼んだ。
交響曲第2番 変ロ長調 op.19 （1910年）
第1期を代表する作品で、リヒャルト・シュトラウスやワーグナーあるいはスクリャービンの影響が明らかに見られる。1911年ワルシャワでの初演は冷淡な反応であったが、その後に行われたベルリン、ライプツィヒ、ウィーンの演奏会では大成功を収め、シマノフスキの名をヨーロッパ中に知らしめた。
交響曲第3番『夜の歌』 op.27 （1914-16年）
第2期を代表する作品。13世紀ペルシアの神秘主義者ジャラール・ウッディーン・ルーミーの「夜の歌」のテキストによっており、テノール独唱と混声合唱が加わる。オリエンタリズムとドビュッシーらの印象主義の音楽が融合昇華した作品である。
交響曲第4番 （協奏交響曲） op.60 （1932年）
第3期に属する作品。独奏ピアノが主役になる場面が多く、ほとんど協奏曲的な性格の作品である。終楽章は荒々しい舞曲風の音楽でフィナーレはマズルカも聞こえる民俗音楽の影響が明らかな作品となっている。

管弦楽曲
演奏会用序曲 op.12 （1905年）
シマノフスキ、初期の成功作である。ここでもリヒャルト・シュトラウスの影響は明らかだが、和声やオーケストレーションの才能は目を見張るべきものがある。
バレエ音楽「ハルナシェ」op.55 （1923-31年）
愛国者の農夫を主人公にした3幕のバレエ-パントマイムへの付随音楽で作曲者とイェズィ・ミェチスワフ・ルィタルド(Jerzy Mieczyslaw Rytard)の台本による。テノール独唱と混声合唱がオーケストラに加わる。タトラ地方の民俗音楽が盛り込まれた第3期に属する作品。

協奏曲
ヴァイオリン協奏曲第1番 op.35 （1916年）
盟友コハィンスキのために作曲したが、1917年2月にサンクトペテルブルクで予定されていた初演はロシア革命の混乱で延期となり、同年11月にワルシャワでエミール・ムリナルスキによって初演された。三管編成のオーケストラに、チェレスタ、ピアノ、2台のハープを要する壮麗な単一楽章の作品。濃厚な官能性とオリエンタリズムが特徴の第2期の代表作の一つ。タドイ・ミチンスキーの詩「5月の夜」にインスパイアされたとも言われる。
ヴァイオリン協奏曲第2番 op.61 （1932-33年）
シマノフスキの最後の大作である。単一楽章の作品で、ロンドのリズミカルなリフレインはgóralの影響を思わせる。作曲者に助言を与えカデンツァを作曲したコハィンスキはこの曲の初演の3ヶ月後に亡くなった。

室内楽曲
ヴァイオリン・ソナタ ニ短調 op.9 （1904年）
第1期の作品。リヒャルト・シュトラウスやブラームスの影響を感じさせる。
神話−3つの詩 op.30 （1915年）
第2期、ヴァイオリンとピアノのための作品。前記コハィンスキの助言を受けながら完成させた。ギリシア神話に題材を求め、以下の3曲により構成されている。
アレトゥーザの泉（ポコ・アレグロ）
ナルシス（モルト・ソステヌート）
ドリアデスと牧神（ポコ・アニマート）
弦楽四重奏曲第1番 ハ長調 op.37 （1917年）
第2期の掉尾を飾る作品。第2楽章に「カンツォーネ風に (In modo d'una canzone)」の指示があり、イタリア旅行の影響を感じさせる。1922年のポーランド文化賞コンクールに出品し1位を受賞した。最終楽章は各楽器の調性が異なる、典型的な多調性によっている。
弦楽四重奏曲第2番 op.56 （1927年）
フィラデルフィア音楽財団主催のコンクール参加作品。同じコンクールに出品され、入賞した作品がバルトークの弦楽四重奏曲第3番である。ピアノのためのマズルカ集、スタバト・マーテルに次いで書かれた作品で、第3期を代表する作品の一つ。

ピアノ曲
ピアノ・ソナタ第1番 ハ短調 op.8 （1903-04年）
ショパンとスクリャービンの影響が顕著な作品。1910年にショパン生誕100年記念コンクールに応募し、一位を獲得した。4つの楽章からなるが第1楽章の主題を循環主題風に扱うなど後期ロマン派の手法を踏襲している。
ピアノ・ソナタ第2番 op.21 （1911年）
交響曲第2番と同時期の作品で、ともに第1期の代表作である。作曲者自身「悪魔的に難しい」と語る技巧的な作品。バラキレフ「イスラメイ」を思わせるソナタ形式の第1楽章、主題と変奏の第2楽章からなり第2楽章の終結部はフーガになっている。
ピアノ・ソナタ第3番 op.36 （1917年）
通常のソナタの4つの楽章をアタッカでつなげた単一楽章の作品。シマノフスキのピアノ曲中で最も前衛的・難解といわれ、難易度も非常に高い。曲の構成やフーガ主題などに、フランツ・リスト「ピアノ・ソナタ ロ短調」の影響が見られる。
4つの練習曲 op.4 （1900-02年）
�T. 変ホ短調 / �U. 変ト長調 / �V. 変ロ短調 / �W. ハ長調。ショパンやブラームスの影響が明らかな初期作品であるが、この練習曲集の第3曲目 変ロ短調は、パデレフスキが「この若さで" 第9 "を作曲してしまうとは、何と不幸なことか！」と絶賛し愛奏したことで、シマノフスキのピアノ曲中最も有名な作品となっている。
仮面劇 op.34 （1915-16年）　【1. シェエラザード ／ 2. 道化師タントリス ／ 3. ドン・ファンのセレナーデ】
タイトルは、「マスク」や「仮面」と記される事が多い。各曲の標題からも推測されるとおり、オリエンタリズムと印象派が詰まった第2期作品である。この曲に取りかかる前年1914年にシマノフスキは、アルトゥル・ルービンシュタインの紹介でドビュッシーとラヴェルに会っている。この作品は彼らへのオマージュとも言われている。
マズルカ集（全5巻20曲） op.50 （1924-25年）
第3期の、そしてシマノフスキのピアノ作品の代表作であるが、ショパンのマズルカ集に比べ演奏回数は極端に少ない。既述のタトラ地方の民謡の特徴が活かされた野趣あふれる作品でありながら、同国以外への普遍性をも兼ね備えた作品である。4曲を1巻として、5回に分かれて出版された。第2巻の最初の2曲（20曲のうちの第5と第6曲目）は、兄のフェリクス・シマノフスキに献呈された。
2つのマズルカ　op.62 （1933-34）
シマノフスキの絶筆となった作品。フランスのマックス・エシーグ社から出版された。
変奏曲

オペラ
ロゲル王 （ロジェ王） op.46 （1918-24年）
初代シチリア王ルッジェーロ2世をモデルとする3幕のオペラ。1990年代に入り再評価が進んだ作品。中世シチリア王国を舞台にキリスト教徒と異教徒との確執を描き、官能性と民俗性が高いレベルで融合した傑作。

宗教曲
スターバト・マーテル op.53 （1924-26年）
テキストは通常のラテン語によらず、ポーランド語訳を用いている。伝統的な形式美の中に作曲者の個性をほどよく加味し、魅力的な作品に仕上げている。

声楽曲
ハーフィズの恋愛歌曲集 第1集 op.24、第2集 op.26 （1911年、1914年）
アラビアの詩に基づきハンス・ベートゲが創作したパラフレーズに付曲した作品。第1集はピアノ伴奏で6曲からなり、第2集はオーケストラ伴奏で8曲からなる。ただし、うち3曲は伴奏部分を編曲した同一のもの。いずれも創作第2期に属する作品である。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%AB%E3%83%AD%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%82%B7%E3%83%9E%E3%83%8E%E3%83%95%E3%82%B9%E3%82%AD

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/739.html

[近代史6] カロル・シマノフスキ ピアノ・ソナタ 第3番 Op.36
カロル・シマノフスキ ピアノ・ソナタ 第3番 Op.36

Piano Sonata No. 3, Op. 36 · Sviatoslav Richter
Szymanowski: 100th Birthday Concerts

Sviatoslav Richter plays Szymanowski Sonata No. 3
Live performance, 1982

Piano Sonata No. 3, Op. 36 (Live) · Sviatoslav Richter

Sviatoslav Richter. SZYMANOWSKI. Sonata No 3, Op 36.

ピアノ・ソナタ第3番 op.36 （1917年）
通常のソナタの4つの楽章をアタッカでつなげた単一楽章の作品。シマノフスキのピアノ曲中で最も前衛的・難解といわれ、難易度も非常に高い。曲の構成やフーガ主題などに、フランツ・リスト「ピアノ・ソナタ ロ短調」の影響が見られる。

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/740.html

[近代史6] ドホナーニ・エルネー（Dohnányi Ernő, 1877 - 1960)
ドホナーニ・エルネー（Dohnányi Ernő, 1877 - 1960)

交響曲

交響曲1番
3点
作品番号1にしてはすでに非常に完成度が高い曲。なかなかよい。作曲者が「優秀」だと感じる。

交響曲2番
2.5点
50分の大作であり力作である。技量は高いのだが、これはと思わせるような印象がない。

協奏曲
ピアノ協奏曲
2点
ブラームスの2番のような重厚なオーケストラでありピアノ書法が重ための曲。交響曲と同様に、充実しているのに印象が薄い。

室内楽

弦楽四重奏曲1番

弦楽四重奏曲2番
3.5点
どの楽章もかなり素晴らしい充実した内容を持っていて驚いた。作曲技術の高さと充実感を楽しめる曲。20世紀の室内楽の中でも傑作の部類ではないだろうか。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%9D%B1%E6%AC%A7

ドホナーニ・エルネー（Dohnányi Ernő [ˈdohnaːɲi ˈɛrnøː] 1877年7月27日ポジョニ（スロヴァキア語名ブラチスラヴァ） - 1960年2月9日ニューヨーク市）は、ハンガリー人のピアニスト、作曲家、指揮者[1]。本人が生涯にわたって作品を発表する際に名乗っていたドイツ語名エルンスト・フォン・ドホナーニ（Ernst von Dohnányi）でも知られる。指揮者・ピアニスト・音楽教師・学校管理者として多忙の合間を縫って、数々の作品を残した作曲家。音楽学校ではバルトークと同窓生に当たるが、ドホナーニ自身はブラームスの流れを汲む、19世紀ロマン主義音楽の伝統に忠実であり続けた。

家族
2番目の妻エルザ・ガラフレはバレリーナで、ヴァイオリニストのブロニスラフ・フーベルマンの前妻であったが、エルザをめぐってフーベルマンとドホナーニは喧嘩騒ぎを起こしたことがあった[2]。また、エルザはハンガリー語を話せなかった[2]。

2人の息子のうち、長男ハンス・フォン・ドホナーニ博士はヴァイマル共和国で高名な法学者となり、その後ドイツ第三帝国において、義兄ディートリヒ・ボンヘッファーとならぶ反ナチ・レジスタンスの自己犠牲的な闘士として、ドイツ政治史に名を残すこととなる。ハンスの長男クラウス・フォン・ドホナーニは政界入りし、ハンブルク市長を務めた。ハンスの次男クリストフ・フォン・ドホナーニは世界的な指揮者の一人であり、祖父であるドホナーニ・エルネーが教鞭を執るフロリダ州に学んだ。クリストフの息子ユストゥス（1960年 - ）は、ドイツの俳優である。

ドホナーニは、子孫が著名人になっただけでなく、その門下からも、アニー・フィッシャーやゲザ・アンダ、ミッシャ・レヴィツキなどの往年の名ピアニストや、フリッチャイやショルティらの国際的な指揮者を輩出した。

生涯
オーストリア＝ハンガリー二重帝国の教育者の家庭に生まれる。生家は1697年に貴族の称号と紋章を与えられた家系であった。父親は地元ポジョニ（当時はドイツ語名でプレスブルク）のギムナジウムの数学教師で、チェロ演奏の心得もあった。この父親より音楽の手ほどきを受け、その後ブダペスト音楽アカデミーに進んで、地元の教会オルガニスト、カール・フォルストナーにピアノと作曲を学ぶ。1894年にピアノ科でイシュトヴァン・トマーンの講座と、作曲科でハンス・ケスラーの講座を履修した。ハンス・ケスラーはレーガーの従兄にあたる作曲家で、ブラームスに傾倒してその作曲技法を門下に熱心に指導した。最初の出版作品≪ピアノ五重奏曲 第1番 ハ短調≫作品1は、ブラームスその人により称賛され、その尽力でウィーンでも演奏される運びとなった。

1897年、オイゲン・ダルベールより数回のレッスンを受けた後、ベルリンでピアニストとしてデビューを果たし、すぐさま芸術家として傑出した能力を評価された。その後のウィーン・デビューでも同様の成功を収めてから、ヨーロッパ各地で楽旅を続け、成功を収めた。ロンドン・デビューでは、ハンス・リヒターの指揮でベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番を演奏している。その後の公演活動では、訪米して名声をうち立てた。同時代のピアニストが、ソロ・リサイタルや協奏曲の演奏に活動を限っていたのに対して、ドホナーニは室内楽ピアニストとしても活躍している。

ヨーゼフ・ヨアヒムに招かれて、1905年から1915年までベルリン高等音楽学校で教鞭を執る。その後ブダペストに戻り、毎年100回以上の演奏会を催した。1919年にブダペスト音楽アカデミー院長に任命されるが、政治的圧力によって同年のうちに解任された。その後はブダペスト・フィルハーモニー管弦楽団の音楽監督に就任し、バルトークやコダーイなどのハンガリー人作曲家の作品を普及するのに尽力したが、自作はさほど上演しなかった。1920年にはピアニストとして、ベートーヴェンのピアノ曲の全曲演奏を実現した。

1934年から再度ブダペスト音楽アカデミー院長に就任し、在任中にモーツァルトのピアノ協奏曲全27曲の演奏を達成するが、政治情勢から1941年に院長職を維持することがままならなくなり、ブダペスト・フィルハーモニー管弦楽団も解散せざるを得なくなる。

第二次世界大戦勃発後、2人の息子がナチス・ドイツと戦っていたが、ドホナーニ自身はホルティ独裁下のハンガリー王国に留まり続け、非政治的姿勢を貫き通しながらも、その半面で自らの発言力を駆使して、ユダヤ系の音楽家を庇い続けた。ソ連軍がブダペストを包囲した1944年に武装親衛隊に護衛される形でドホナーニは妻と共に出国し、オーストリア、アルゼンチン、メキシコを経てアメリカ合衆国へ亡命した。1955年には市民権を取得している。

アメリカでコンサート・ピアニストとしての経歴を取り戻すことはかなわなかったが、作曲活動は続け、その間、フロリダ州タラハシーのフロリダ州立大学音楽科で10年に渡って教鞭を執った。同大学では、2002年にエルンスト・フォン・ドホナーニ記念祭が催された。

ドホナーニは1960年にニューヨーク市で肺炎のため亡くなり、タラハシーのローズローン墓地に埋葬された。82歳没。

教育活動
ゲオルグ・ショルティ、アニー・フィッシャー、ゲザ・アンダらを指導した[3]。ドホナーニは「何か書けたら、いつでも電話をくれたまえ」「何か（ピアノの演奏が）仕上がったら、いつでもきたまえ」というスタンスであり、ピアノのレッスンの際は、すぐに学生をどかせて、自分で演奏した[3]。ショルティはこれに対して「教師としては致命的な間違い」と評しており、フィッシャーやアンダのような、手本から学ぶ能力のある学生にとっては有意義であったが、才能のない学生にとっては不毛であったと述べている[3]。

ピアノのテクニックについての教則本も遺しており、これは諸外国で翻訳された[4]。

評価
ドホナーニの弟子の1人ゲオルグ・ショルティは、ドホナーニについて「素晴らしいピアニストであった」「彼の弾くベートーヴェンはきわめて自由であると同時に、フレージングと様式にたいする鋭い感覚にあふれていた」と評している[3]。ただし、練習をあまりしていなかったゆえ、演奏中に曲を忘れることもしばしばあり、その時は即興演奏で乗り切っていたとも述べている[3]。なお、ドホナーニ自身、あまり練習をしてはいけないと弟子に言っており「1日3時間の練習でひとつの曲をものにできないなら、いくらやっても無駄ということだ」と語った[2][3]。

演奏と録音
ドホナーニはピアニストや指揮者として、演奏だけでなく、録音にも意欲的に取り組み、ピアニストとしてはヨーロッパ時代から最晩年のアメリカ時代（最後の録音は肺炎で亡くなる10日前である）まで録音を残している。自作自演よりも、古典的なレパートリー、とりわけモーツァルトやベートーヴェン、シューマンを得意とした。いくつかの録音は現在CDにも復刻されている。ピアニストとしては、正確無比の演奏技巧と、独自の解釈によって知られ、近年イギリスや日本で復刻が行われている。指揮者としては、バルトークの『舞踏組曲』などの世界初演者として名を残した。

作曲様式と作品
作風は折衷的である。ハンガリーのさまざまな民族音楽の要素を取り入れているが、コダーイやバルトークのような愛国的な作曲家とは看做されていない。ドホナーニの創作姿勢は、ヨーロッパのクラシック音楽の強力な伝統に、より深く根ざしており、とりわけブラームスの痕跡が歴然としている。いくつかの作品ではブラームス作品からフレーズを引用し、先輩作曲家への敬意を明らかに示しており、また有名なピアノ曲『演奏会用練習曲集』作品28は、ショパンの練習曲よりもむしろブラームスのカプリッチョやインテルメッツォを模範としている。

しかしながら、他にもさまざまな影響を吸収し、成熟期の作風は、R.シュトラウスやマーラーの華麗なオーケストレーションや、レーガーの複雑な対位法様式も採り入れている。渡米後の作品、たとえば最後の管弦楽曲となった『アメリカ狂詩曲』では、古いアメリカ民謡や、ジャズへの関心を窺がわせている。

『演奏会用練習曲』はゴドフスキやラフマニノフによってしばしば演奏・録音され、早くから有名であった。戦後のハンガリー政府は、初期の政権発足時に弾圧したにもかかわらず、共産党独裁体制の末期に近づいてから、ブダペストの音楽出版社よりドホナーニのピアノ曲集を刊行した。

ドホナーニは編曲も多く手掛けており、シューベルトの「高雅なワルツ」、ブラームスのワルツ集、｢ジプシー風ロンド｣、ヨハン・シュトラウス2世のワルツなどのピアノ独奏用編曲を残している。

主要作品一覧

管弦楽曲
交響曲 第1番ニ短調 作品9 (1900 - 01年)
交響曲第2番 ホ長調 作品40 (1943 - 44年作曲、1953 - 56年改訂)
女ピエロのヴェール Der Schleier der Pierrette 作品18 (1910年)
組曲嬰ヘ短調 作品19 (1908〜09年)
ハンガリア牧歌 作品32b (1924年)
交響的瞬間 作品36 (1933年)
アメリカ狂詩曲 作品47 (1953年)

協奏曲・協奏的作品
ピアノ協奏曲 第1番 ホ短調 作品5 (1897 - 98年)
ピアノ協奏曲 第2番 ロ短調 作品42 (1946 - 47年)
ピアノと管弦楽のための童謡主題による変奏曲 ハ長調 作品25 (1914年)
ヴァイオリン協奏曲 第1番 ニ短調 作品27 (1914 - 15年)
ヴァイオリン協奏曲 第2番 ハ短調 作品43 (1949 - 50年)
チェロと管弦楽のためのコンチェルトシュテュック ニ長調 作品12 (1903〜04年)
ハープ小協奏曲 作品45 (1952)

室内楽曲
ピアノ、クラリネット、ホルン、弦楽のための 六重奏曲 ハ長調 作品37 (1935年)
ピアノ五重奏曲 第1番 ハ短調 作品1 (1895年)
ピアノ五重奏曲 第2番 変ホ短調 作品26 (1914年)
弦楽四重奏曲 第1番 イ長調 作品7 (1899年)
弦楽四重奏曲 第2番 変ニ長調 作品15 (1906年)
弦楽四重奏曲 第3番 イ短調 作品33 (1926年)
弦楽三重奏のための セレナーデ ハ長調 作品10 (1902年)
チェロ・ソナタ 変ロ短調 作品8 (1899年)
ヴァイオリン・ソナタ 嬰ハ短調 作品21 (1912年)
フルートのための2つの小品 作品48（1958-59年）…最後に出版された作品。
アリア（フルートとピアノのための）
パッサカリア（無伴奏フルートのための）

ピアノ曲
4つのピアノ小品 作品2 (1896〜97年)
4つの狂詩曲 作品11 (1902〜03年)
冬のロンド 作品13 (1905年)
組曲形式によるユーモレスク 作品17 (1907年)
古い様式による組曲 作品24 (1913年)
6つの演奏会用練習曲 作品28 (1916年)
ハンガリア牧歌 作品32a (1923〜24年)
6つのピアノ小品 作品41 (1945年)
3つのピアノ小品 作品44 (1951年)
教則本：毎日の指の練習 全3巻 (1960年)

歌劇
1幕の喜歌劇≪シモーナおばさんTante Simona ≫ 作品20 (1913年)
ヴォイヴォドの塔A vajvoda tornya 作品30 (1922年)
喜歌劇≪テナー歌手A Tenor ≫ 作品34 (1929年)

宗教曲
セゲドのミサ曲 作品35 (1930年)
カンタータ≪生命の唄Cantus vitae ≫ 作品38 (1939〜41年)
聖母哀傷 作品46 (1952〜53年)

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A8%E3%83%AB%E3%83%B3%E3%82%B9%E3%83%88%E3%83%BB%E3%83%95%E3%82%A9%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%83%89%E3%83%9B%E3%83%8A%E3%83%BC%E3%83%8B
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/741.html

[近代史6] ドホナーニ・エルネー 弦楽四重奏曲 第２番 変ニ長調 Op.15
ドホナーニ・エルネー 弦楽四重奏曲 第２番 変ニ長調 Op.15

Ernő Dohnányi: String Quartet in D Flat Major no. 2 op.15

A glorious performance by the Kodaly Quartet at the 2016 Indian Summer in Levoca Festival

I. Andante- allegro
II. Presto acciaccato
III. Molto adagio-Animato-Adagio-Andante-Allegro.

Ernő Dohnányi - String Quartet No. 2 in D-Flat Major, Op. 15
Performed by the Fine Arts Quartet

Movement One: Andante-Allegro - 0:00
Movement Two: Presto acciacato - 9:05
Movement Three: Molto adagio - 14:07

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/742.html

[近代史6] ヨセフ・スク（Josef Suk, 1874 - 1935)
ヨセフ・スク（Josef Suk, 1874 - 1935)(ヨゼフ・スーク)

あまり聴けていないが、バランスが良く内容の詰まった、しっかりとした曲が多いようだ。飛びぬけた個性がなくやや地味だからか知名度は低いが、地力が高い実力派の作曲家である。

交響曲

交響曲 第1番 ホ長調 作品14

アスラエル交響曲 作品27（1906年）
3.3点
深遠さのある巨大な交響曲。多くの想いが詰め込まれており、マーラーあたりと比較しても場面展開が複雑に聴こえる。私は聴き込みが足らない。おそらく聴きこまなければスクの想いを掴んだつもりになれないだろう。メジャー曲になりきれない地味な分かりにくさはあるものの、聞き応え十分な20世紀初頭の交響曲を聴きたいなら、お勧めできる。プライベートの相次ぐ不幸をプライベート感のある曲でなく壮大な芸術に昇華させたものとして、感無量に近い感情を抱いた。

交響詩

交響詩《エピローグ》作品37（1929年）
交響詩《プラハ》作品26

交響詩《夏物語》作品29（1909年）
2.8点
大作の交響詩。後期ロマン派の響きの範疇であり、ドヴォルザークのような運動性を持ちつつも、地味であり明快さの足りない音楽が続く。夏の熱気や汗の感じをそこはかと響きから感じさせる力量は良いと思う。しかし交響曲のような長さを充実感で埋めるだけのものがなく、いろいろやってはいるが薄い印章が否めない。

交響詩《人生の実り》作品34（1917年）

管弦楽曲
弦楽セレナード 作品6（1892年）
管弦楽組曲《おとぎ話》作品16（1900年）
管弦楽組曲《りんごの木の下で》作品20
ヴァイオリンと管弦楽のための幻想曲 ト短調 作品24

室内楽
ピアノ四重奏曲 イ短調 作品1
ピアノ三重奏曲 ハ短調 作品2
ピアノ三重奏のための《悲歌》 作品23
弦楽四重奏曲 第2番 作品31

ピアノ曲
ピアノ小曲集 作品7
ピアノ曲集《春》作品22a
ピアノ曲集《夏の印象》作品22a
ピアノ曲集「母について」作品28（1909年）
ピアノ曲集《命と夢》作品30（1909年）
ピアノ曲集《子守唄》作品33

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%9D%B1%E6%AC%A7

ヨセフ・スク（Josef Suk, 日本では一般的にヨゼフ・スーク　1874年1月4日 - 1935年5月29日) は、チェコの作曲家・ヴァイオリニスト。同名の孫は世界的なヴァイオリニストの一人である。　

生涯
プラハの南30kmほどのクレチョヴィーチェ村に生まれる。1885年から1892年までプラハ音楽院でドヴォルザークに学ぶ（1898年にドヴォルザークの娘オティーリエと結婚）。同級生と共にボヘミア四重奏団（後に、チェコ四重奏団に改名）を結成し、第2ヴァイオリン奏者を勤めた。 1922年から母校プラハ音楽院で教鞭を執り、ボフスラフ・マルティヌーらを指導した。ベネショフにて逝去。

作風
スクの初期作品は、ドヴォルザークとブラームスの影響を示しているが、その半面、のちの作品では、拡張された和声と用いて、より個性的で複雑な様式を生み出している。成熟期の管弦楽曲は、マーラーやリヒャルト・シュトラウス、ドビュッシー等からの影響を示唆している。多くの同郷人とは異なり、チェコの民族音楽の要素を強調する傾向は少ない。第一次世界大戦に前後して、教育活動に忙殺されるようになると創作のペースが落ちたが、半音階的な書法が複雑になり、複調を導入したり、無調に近い部分もあるなど、全体としてむつかしい響きになっている。

近代オリンピックで「芸術競技」というものがあった時代、1932年のロサンゼルスオリンピックにて、「祖国新生に向けて（ソコル祭典行進曲）作品35c」で「音楽全般」部門の銀メダルを獲得している。

主要作品一覧

ピアノ四重奏曲 イ短調 作品1
ピアノ三重奏曲 ハ短調 作品2
弦楽セレナード 作品6（1892年）
ピアノ曲《愛の歌》作品7-1（作品7は《ピアノ小曲集》）
劇付随音楽《ラドゥースとマフレナ》作品13（1898年）
交響曲 第1番 ホ長調 作品14
管弦楽組曲《おとぎ話》作品16（1900年）
管弦楽組曲《りんごの木の下で》作品20
ピアノ曲集《春》作品22a
ピアノ曲集《夏の印象》作品22a
ピアノ三重奏のための《悲歌》 作品23（原曲はハープつき九重奏のための劇付随音楽）
ヴァイオリンと管弦楽のための幻想曲 ト短調 作品24
幻想的スケルツォ 作品25
交響詩《プラハ》作品26
アスラエル交響曲 作品27（1906年）
ピアノ曲集「母について」作品28（1909年）
交響詩《夏物語》作品29（1909年）
ピアノ曲集《命と夢》作品30（1909年）
弦楽四重奏曲 第2番 作品31
ピアノ曲集《子守唄》作品33
交響詩《人生の実り》作品34（1917年）
愛国的三部作 作品35
コラール「聖ヴァーツラフ」の主題による瞑想曲 op.35a (1914年、弦楽四重奏版が8月に書かれ、9月に弦楽合奏版が作られた）
大管弦楽のための伝説曲 op.35b (1919-20年)
祖国新生に向けて（ソコル祭典行進曲） op.35c (1919-20年)　*チェコスロバキア共和国の成立と関連した作品である。
交響詩《エピローグ》作品37（1929年、合唱つき）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%A8%E3%82%BB%E3%83%95%E3%83%BB%E3%82%B9%E3%82%AF_(%E4%BD%9C%E6%9B%B2%E5%AE%B6)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/743.html

[近代史6] ヨセフ・スク アスラエル交響曲 作品27
ヨセフ・スク アスラエル交響曲 作品27

Suk: Asrael Symphony, Talich & CzechPO (1952) スク アスラエル交響曲 ターリヒ

(00:00) 1. Andante sostenuto
(15:22) 2. Andante
(23:42) 3. Vivace (Scherzo)
(35:29) 4. Adagio
(46:46) 5. Adagio e maestoso

Václav Talich (1883-1961), Conductor
Czech Philharmonic Orchestra

Rec. 22-28 May 1952, at Dvořák Hall Rudolfinum, in Prague

指揮：ヴァーツラフ・ターリヒ
チェコ・フィルハーモニー管弦楽団

録音：1952年5月22〜28日 ドヴォルザーク・ホール、ルドルフィヌム (プラハ)

アスラエルとは、死を司る天使の名を示している。
アズラーイール(アズリエル、アズラエル、イズラーイールとも)は、イスラム教において死を司る天使(告死天使とも)とされる。
師父ドヴォルザークの死を契機に作曲が始められ、作曲中にドヴォルザークの娘でもある妻オティリエまでもが亡くなり、完成時に「アスラエル」と命名された。

▲△▽▼

アスラエル交響曲（チェコ語: Asrael Symfonie）作品27は、チェコの作曲家、ヨセフ・スクが作曲した交響曲。アスラエルとは、死を司る天使の名を示している。

作曲家として順風満帆の歩みを見せていたスクは、若き日には師のドヴォジャークの影響の下、幸福感に溢れる作品を書いていたが、1904年にドヴォジャークが亡くなると強い衝撃を受け、亡き師に捧げる交響曲の作曲を決意した。しかし、作曲中の1905年、第4楽章の作曲を始めたころに今度はドヴォジャークの娘であるスクの妻オティリエが若くして世を去った。交響曲は1906年10月に完成し、「アスラエル」の名はこの完成の際に付けられたものである。翌1907年2月3日、プラハにて、カレル・コヴァジョヴィツの指揮で初演された。

構成
ハ短調を主調とし、全体で5つの楽章からなっており、第3楽章までを「第一部」、第4楽章以降を「第二部」としてわけられる。演奏時間は約60分

第1楽章：アンダンテ・ソステヌート
第2楽章：アンダンテ
第3楽章：ヴィヴァーチェ（スケルツォ）
第4楽章：アダージョ
第5楽章：アダージョ・エ・マエストーソ

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%82%B9%E3%83%A9%E3%82%A8%E3%83%AB%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/744.html

[近代史6] エドゥアルド・トゥビン (Eduard Tubin, 1905-1982)
エドゥアルド・トゥビン (Eduard Tubin, 1905-1982)

エストニアの作曲家。マイナー交響曲の世界では有名でファンも多いようだ。

交響曲

交響曲1番(1931–1934)

交響曲2番"Legendary" (1937)
3.3点
全部の楽章が1つに繋がっている。1楽章の茫洋とし世界が曖昧に見えたり消えたりしながら、野蛮さとなんとも言えない広大さを持って姿を表して行くのが心地いい。3楽章では、力強い軍隊的な闘争的な楽章になって、これは文句なしに気持ちいい。後半のピアノソロからのヴァイオリンの不思議な力強い嘆きとも叫びとも付かないソロはなかなか痺れた。独自の我が道を行く、適度に変態でありながらとてもカッコ良い音楽は、ツボに入る人ならかなり気にいるだろう。

交響曲3番"Heroic" (1940–1942, revised 1968)
3.3点
闘争的な1楽章はかなりカッコいい。2楽章はかなりいい塩梅を突いた浮遊感と不思議さのある楽章で、夢幻的で楽しい。3楽章はかなり軽快で明るくて聴きやすい楽章。もちろんトゥビンらしさはキープされており新鮮さはある。2楽章と3楽章が続けて明るい楽しい楽章なため、全体としてそういう印象が強い曲になっている。

交響曲4番"Lyrical" (1943, revised 1978)
3.3点
1楽章も2楽章も、力を溜めながら進展する音楽である。もったいぶりながら進む、現代的な音感覚を持ちながらも聴きやすい音楽はなかなか楽しい。しなやかな叙情性もあり、スケールは大きいし、大いなるモノの周りを巡っているワクワク感がある。3楽章はその延長で盛り上げて行く。統一感がかなりあり、後で改定されているからか成熟した曲である。

交響曲5番(1946)
3.3点
ひねりのある音使いで浮遊感のある雰囲気が支配している。かっこよさをやや強調している。魂よりもやや技巧的な作曲技法の披露に偏っている気もして物足りなく聞いていたが、3楽章中間で突然止まった場面の衝撃にやられた。その後の勢いの復活の仕方も非常に痺れさせられるもの。

交響曲6番1953–1954, revised 1956)
3.3点
1楽章はファイナルファンタジーのラスボスの音楽のような異世界の巨大な異生物を表現しているかのような不思議な音楽。同じリズムを執拗に繰り返して、野生的な音楽を鳴らす2楽章。20世紀にはよくある音楽かもしれないが、打楽器の活躍などかっこよさで満足させてくれる。

交響曲7番(1955–1958)

交響曲8番(1965–1966)

交響曲9番"Sinfonia semplice" (1969)

交響曲10番(1973)

交響曲11番(incomplete)

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%81%9D%E3%81%AE%E4%BB%96%E3%83%A8%E3%83%BC%E3%83%AD%E3%83%83%E3%83%91

エドゥアルド・トゥビン（Eduard Tubin, 1905年6月18日 - 1982年11月17日）はエストニア出身の作曲家・指揮者。

経歴
カラステ出身。1944年にエストニアがソ連に占領されるとスウェーデンに亡命し、亡くなるまでストックホルムで活動を続けた。

指揮者としてはフィラデルフィア管弦楽団やイギリス室内管弦楽団とも共演している。同僚だった指揮者に、ネーメ・ヤルヴィのほか、エドゥアルド・マータやエンリケ・バティス、アンタル・ドラティらがいる。

音楽について
完成した10曲の交響曲と、断片に終わった「交響曲第11番」で知られるほか、出世作となったバレエ音楽「クラット(悪鬼)」で知られる。また他に「弦楽合奏のための音楽」、2つのヴァイオリン協奏曲、バラライカ協奏曲、コントラバス協奏曲、2つのオペラ、「斃れた兵士たちへの鎮魂歌」から幅広いジャンルで作品を残した。

トゥビンは、「エストニアの動機によるシンフォニエッタ」などに見られるように、初期作品においてはエストニアの民俗音楽に影響されていた。しかしソ連によって母国が奪われ、亡命生活に入ってからは、あまり国民楽派的でなくなり、より国際的で怒りに満ちた作曲様式に切り替わった。

トゥビンの作曲様式の変化は、「交響曲 第6番」の頃に起こり、和声的により鋭角的な作風となった。「交響曲 第7番」の終楽章は、調的であるとはいえ、12音による主題を大幅に用いている。副題つきの交響曲としては、「交響曲 第2番 <伝説的>」と「交響曲 第4番 <叙情的交響曲> Sinfonia lirica 」、「交響曲 第9番 <単純な交響曲> Sinfonia semplice 」がある。

トゥビンがあまり有名とはいえないのは、このような変遷のためである。エストニアが自国最大の作曲家と訴えているにもかかわらず、生涯を通じて創作活動の大半はスウェーデンで行われており、しかも大家にふさわしい注目を集めてはこなかった。

トゥビン作品は多くが録音されており（交響曲全集に至っては、ネーメ・ヤルヴィ指揮のものとアルヴォ・ヴォルメル指揮によるものとがある）、2005年6月にはタリン市において、トゥビン生誕100周年の記念音楽祭が催され、交響曲のほか、ピアノ曲や室内楽曲の多くが演奏された。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A8%E3%83%89%E3%82%A5%E3%82%A2%E3%83%AB%E3%83%89%E3%83%BB%E3%83%88%E3%82%A5%E3%83%93%E3%83%B3
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[近代史6] エドゥアルド・トゥビン 交響曲 第6番
エドゥアルド・トゥビン 交響曲 第6番

Eduard Tubin SYMPHONY No.6

Swedish Radio Symphony Orchestra
Neeme Järvi (conductor)
Bengt Forsberg (piano), Jorgen Petterson (saxaphone)

Released on: 1985-01-01

▲△▽▼

ネーメ・ヤルヴィとエドゥアルド・トゥビン

エストニア出身の名匠「ネーメ・ヤルヴィ(Neeme Järvi)は同郷の作曲家、指揮者でもあった「エドゥアルド・トゥビン(Eduard Tubin/1905〜1982)」と親交を持ち彼の交響曲全集(未完の「第11番」を除く)も録音、「トゥビン」の作品を世界的に広めた指揮者である。　

「トゥビン」は祖国「エストニア」が1944年「ソ連」に占領後「スウェーデン」に亡命、「ストックホルム」を中心に活躍した。　彼の作品は完成した10曲の交響曲のほか「舞踊音楽」「協奏曲」「器楽曲」等々数多くのジャンルに渡り作曲を手掛けている。

　近年、日本でも彼の作品がコンサートで紹介されるようになり少しずつではあるが注目を集めつつある。　今回紹介するLPレコードは世界初録音とされる「交響曲第9番<単純な＞（Semplice）」・「エストニア舞踊組曲」・「トッカ―タ」が収録された1枚である。

演奏はネーメ・ヤルヴィが指揮する「イェ―テボリ交響楽団(Göteborgs Symfoniker)」によるコンサート・ライヴ録音で聴衆の拍手も収録されている。　ちなみに演奏会場はいずれもこの楽団の本拠地「イェ―テボリ・コンサート・ホール」、録音年月日は交響曲-1981年9月4日、舞踊組曲-1984年1月26日、トッカータ-1984年2月2日となっている。

　「第9番」は1969年作曲の2楽章構成演奏時間22分余りの音の透明感も感じる美しい作品、LP第2面に収録された「舞踊組曲」はエストニアの民俗音楽をテーマにした3つの舞踊音楽で1938年の作品、「トッカ−タ」はその前年1937年に作曲された小品である。

このLPは1984年スウェーデンBISレーベル、独テルデック(TELDEC)のダイレクト・メタル・マスタリング盤でである（写真1　トゥビン「交響曲第9番ほか」ネーメ・ヤルヴィ＆イェーテボリ響、LP-264ジャケット）。　 写真2はLPジャケット裏面、ネーメ・ヤルヴィのサインは2014年4月N響定期客演の際に入れてもらったもの、写真3はLPレーベル面である。
http://gewandhaus.sakura.ne.jp/wp/karajan/%e3%83%8d%e3%83%bc%e3%83%a1%e3%83%bb%e3%83%a4%e3%83%ab%e3%83%b4%e3%82%a3%e3%81%a8%e3%82%a8%e3%83%89%e3%82%a5%e3%82%a2%e3%83%ab%e3%83%89%e3%83%bb%e3%83%88%e3%82%a5%e3%83%93%e3%83%b3/

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[近代史4] 「間接民主制」の起源
「間接民主制」の起源

自民党は総裁選挙の「党員・党友投票」を廃止せよ 2021-10-03

　今回の総裁選挙で「ゾッ」としたのは、自民党総裁選挙が、事実上の「首相公選制」になりかけている事実です。

　野党の支持率が伸びないため、自民党の総裁＝日本国の内閣総理大臣、という可能性が現在は極めて高いわけです。

　無論、建前上は「総理大臣は、国会議員の投票で選ばれる」ことにはなっています。とはいえ、現実には「自民党の総裁＝内閣総理大臣」なのです。

　そして、自民党総裁選挙では、党員・党友が投票できる。

　無論、党員・投票が影響を与えるのは、半分の投票数には過ぎない。今回の河野太郎・新広報本部長が獲得した党員・党友票は４４％でした。が、これが９０％だったら？

　自民党国会議員の多くが、「次の選挙に勝つための顔」ということで、河野氏に票を投じたのではないでしょうか？

　あるいは、それ以前の話として、圧倒的な党員・党友票が故に、河野氏が一回目投票で過半数を占める可能性もあった。

　となると、事実上、党員・党友という「普通の日本国民」が総理大臣を決定することになる。すなわち、首相公選制です。

　首相公選制（的な制度）の何が問題なのかと言えば、我々日本国民の多くは普段は政治に興味がなく、「誰が、どういう人柄で、どういう政策を訴え、どういう実績がある」といったことは知らない、という点です。

　となると、投票用紙が送られてきたとして、「とりあえず、知っている人に入れる」というのは合理的行動です。

　かつてのように、中間組織が健在で、一般の国民、あるいは党員・党友が直接、国会議員と話し、「どの政治家が、どんな人物」といったことを「議論」したならば話は別です。とはいえ、グローバリズムにより中間組織が破壊され、多くの日本国民は「マスコミ」を通じて「政治家を知る」ことしかできない。

　となれば、「テレビでよく見かける」政治家に票を入れるのは、自然な心情です。例えば、「それっぽい改革」を熱烈に訴え、マスコミに「視聴率になる」と判断され、やたらＴＶに登場する政治家の「支持率」が上がる。

　今にして思えば、コロナ禍が始まって以降、東京都の小池都知事や大阪の吉村府知事が、ひたすら「ＴＶに出ようとした」理由が分かります。いわゆる「スタンドプレー」ですが、彼らは単に、「自分を知って欲しい」と考えたのです。理由は、ほとんどの国民は、そもそも政治に興味がなく、政治家を「知らない」ためです。

　ＴＶに出るためには、「その政策が国民ため」といった経世済民はどうでもよく、とにかく派手で、話題になればいい。そうすることで、自分を知ってもらえる。すると、次の選挙で「知られている自分と、知られていない競合相手」との戦いになり、圧倒的に勝利できる。

　しかも、自民党総裁選挙は、公示日直後に投票用紙が送られる。公示後の「政策論争」は関係ないのです。

　自民党の党員・党友の方々にしても、日常的に政治的な議論をしているわけではない。そのための「場」は、次々に破壊されていっている。

　となると、マスコミを通じて「知っている政治家」に、その後の政治論争は気にせずに票を投じてしまう。事実上の、直接民主主義になりかねない。

　三橋が直接民主主義を否定する理由は、二つあります。

１．我々有権者は、それほど頭がよくなく、しかも政治について関心を持たず、知識もない
２．結果的に、マスコミに頻繁に登場する政治家を、「知っている」というだけの理由で、支持してしまう

　古代ギリシャから、この種の直接民主制の弊害は明らかでした。

　だからこそ、イギリスの名誉革命以降、人類は「間接民主制」という制度を発展させたのです。

　間接民主制の国は、議会で議員たちが、それぞれの「利益団体」の利益を追求し、喧々諤々の議論になるため、なかなか物事が決まりません。

　それで、良かったのです。何しろ、特定の誰か（例：レント・シーカー、竹中平蔵、デービッド・アトキンソンなど）の利益を最大化する政策もまた、なかなか決まらないためです。かつての日本は「決められない政治」と批判されていましたが、今にしては「誉め言葉」のように思えます。

　９０年代後半の政治改革以降、小選挙区制導入、政党助成金制度、そして内閣人事局設置と、日本は次第に「決められる政治」になってきました。結果、レント・シーカー、政商が望む政策が決められるようになった。

　成長戦略会議を初めとする「首相の諮問会議」に入り込んだ民間人が、自分の利益を最高する政策を首相に吹き込み、そのまま閣議決定。「特定の誰かの利益」のための政策が「首相指示」として国会に降ろされ、小選挙区制（の公認権）や政党助成金により縛られた（自民党の）国会議員たちは、そのまま通してしまう。

　最後の砦たる官僚も、人事権を握られているため、どうにも反抗のしようがない。

　これが、現在の日本の政治です。特定の誰かの利益最大化を目的とする政策が次々に決まる。議会は役に立たない。これを、「発展途上国型政治」あるいは「収奪型政治制度」と呼ぶのです。

　総裁選において、河野氏は自民党の部会での議論について「ぎゃーぎゃーやっている」との表現で批判しました。つまりは、議会や部会での議論が「邪魔」という話です。

　新自由主義者であり、小さな政府主義者でもある河野氏が、自民党での「議論」を否定したくなる気持ちは、良く分かります。

　とはいえ、自民党の部会での「ぎゃーぎゃー」が無くなった場合、単に「自分の利益を最大化したい特定の誰か」が望む政策が、速やかに推進されるようになるだけの話です。

　グローバリズムとしては、総理大臣が「間接民主制」で決まるという「迂遠さ」もまた、我慢がならないのでしょう。だからこそ、首相公選制などと言い出す。

　今回の総裁選挙を通じ、直接民主制の危険性が露呈しました。自民党は総裁選挙における党員・党友投票を廃止するべきでしょう。何しろ、「政治家を知らない」有権者は、「マスコミに頻繁に登場するから知っている」候補者に票を投じるだけです。

　同時に、岸田内閣には、成長戦略会議に代表される首相の諮問機関も、全て廃止して欲しい。同じ機能を持たせた「国会議員の会議」を作れば済む話です。

　今回の自民党総裁選挙は、直接民主制の危険性や、「議論」「議会」の重要性を改めて知らしめてくれたという点においても、価値があったと思うのです。

https://ameblo.jp/takaakimitsuhashi/
http://www.asyura2.com/20/reki4/msg/1705.html

[近代史5] 整形で顔が極端に変わってしまった衝撃写真をゆっくり解説！ 中川隆
4. 中川隆[-16156] koaQ7Jey 2021年10月03日 11:14:53 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[6]
【ゆっくり解説】整形手術で命を落とした有名人4選をゆっくり解説
2021/10/02



http://www.asyura2.com/20/reki5/msg/1116.html#c4

[近代史5] （糖尿病）絶対放置してはいけない初期症状５選
【糖尿病】絶対放置してはいけない初期症状５選
2021/04/11

http://www.asyura2.com/20/reki5/msg/1146.html

[近代史6] ウィリアム・シューマン（William Howard Schuman, 1910 – 1992）
ウィリアム・シューマン（William Howard Schuman, 1910 – 1992）

交響曲

交響曲第3番 （1941年）
3.3点
温かみよりも鋭角的な切れ味を楽しむ曲。とはいえ、現代音楽的な音の不協和音のきつさとか、即物主義の気持ち悪さは少なく、あくまで包み込むような温もりを徹底的に排除して作った感じなのが良い。難解な音楽であると感じるが理解不能ではない落とし所も好きだ。なかなか洗練されていて都会的でカッコいい曲であり、新しい音楽を聴いた衝撃を得られる。しかし、衝撃だけで終わってしまい良い音楽を聴いたというような感想も残らないとも思った。30分とコンパクトで良いが、刺激ばかりで深い追求が足りない感じである。作者の中では他の交響曲と比較して本格的な構成でバランスが良く濃密であり、おそらく代表作だろう。

交響曲第4番（1942年）

弦楽のための交響曲 （交響曲第5番）（1943年）
3.3点
弦楽のための交響曲。ナイフで石を切り刻んで形を作っていくかのような鋭利な音使いが印象的な1楽章。2楽章はしなやかそうでありながらも、切れ味を感じさせる電子楽器的ともいえるデジタルな音の動きを重ねていく。中間のカオス感を作っていく感じと、そのあとの不思議な異次元空間に存在するかのような感じは面白い。3楽章のピチカートを活用した動きの感じは、かなり斬新な音の世界と感じて楽しめた。都会的な斬新さを弦楽の曲だけに純粋に楽しみやすい。

交響曲第6番（1948年）

交響曲第7番（1960年）
3.3点
3楽章までは暗いエレジーのような曲調で驚く。4楽章が面白い。プロコフィエフのピアノソナタ7番3楽章を思い起こすような変則リズムの組み合わせ。あれよりはマッタリであるが。2つのモールス信号の打鍵が組み合わされたようにも聞こえる。ある意味でポップな雰囲気に浸って楽しい気分のまま最後まで聞ける。

交響曲第8番（1962年）

交響曲第9番『アルデアティーネの洞窟』（1968年）
3.0点
戦争をテーマにした副題がついているだけに、抽象的で空気感や映像性に乏しい作曲者の曲の中では、ある程度テーマの明確さを感じて聴きやすい。とはいえ音の動きはらしいものがあり、基本的に抽象性は高い。銃撃を模しているような場面から、犠牲者を鎮魂する音楽への大きなストーリーは分かりやすい。細かいストーリーが分かりにくくて淡々と場面が進んでいるように感じるのが難点。しかし、作者の強い思いと衝動がわかる曲。

交響曲第10番『アメリカのミューズ』（1976年）

管弦楽曲・吹奏楽曲
アメリカ祝典序曲（American Festival Overture, 1939年）

協奏曲
ピアノ協奏曲（1943年）

ヴァイオリン協奏曲（1947年／1959年改訂）

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%82%A2%E3%83%A1%E3%83%AA%E3%82%AB

ウィリアム・ハワード・シューマン（William Howard Schuman, 1910年8月4日 – 1992年2月15日）は、アメリカ合衆国の作曲家。音楽機関の長を長く務めた。

略歴
ニューヨーク市のブロンクス出身。アメリカ大統領のウィリアム・ハワード・タフトにちなんで名づけられた。少年時代からヴァイオリンやバンジョーを弾き始めるが、当初は野球に情熱が注がれた。ハイスクール時代にダンス・バンドを結成し、自らはベース奏者として結婚式などで演奏した。

1928年にニューヨーク大学商学部に入学すると同時に、広告業界で働き始める。この頃は、親しい友人のE.B.マークス・ジュニアらの作詞家とともに、ポピュラー音楽の作曲に手を染めている。

1930年4月4日に実姉オードリーとともにカーネギー・ホールにおいて、アルトゥーロ・トスカニーニ指揮によるニューヨーク・フィルハーモニックの演奏会を聴いて深い感銘を受けるとともに、職業作曲家への転身を決意する。大学を中退し、個人教師について作曲を学び始める。指導者の一人にロイ・ハリスがおり、その引き合わせでセルゲイ・クーセヴィツキーの知遇を得る。クーセヴィツキーは後にウィリアム・シューマンの庇護者となった。

1935年から1945年まで、サラ・ローレンス大学で作曲を指導。1943年に、ウォルト・ホイットマンの詩集『草の葉』に基づくカンタータ『自由の歌』（A Free Song ）によって、ピューリッツァー音楽賞の最初の受賞者に選ばれる。1946年にジュリアード音楽学校校長に就任してジュリアード弦楽四重奏団を創設する。1961年にリンカーン・センターに音楽監督として転出。

作品
8つの交響曲を筆頭に作曲家としてかなりの量の作品を残している。これは作曲者自身によって、「第3番から第10番までの8曲しかない。最初の2曲は撤収された」と述べられている。

ヴァイオリン協奏曲（1947年/改訂1959年）は、シューマンのすべての管弦楽曲の中で、最も力強い作品の一つと称賛された。

その他の作品に、ウィリアム・ビリングス（英語版）の旋律に基づく「ニューイングランド三部作」（1956年）や、「アメリカ祝典序曲」（1939年）、マーサ・グラハムのためのバレエ音楽「ジュディス」（1949年）などのほか、2曲のオペラがある。

チャールズ・アイヴズのオルガン曲「アメリカの主題による変奏曲」を1963年に管弦楽用に編曲したものは、原曲以上に有名になった。吹奏楽曲「ジョージ・ワシントン・ブリッジ」（1950年）も人気が高い。

歌劇
マイティ・ケイシー（1953年） - 「野球オペラ」として知られる

交響曲
交響曲第3番 （1941年）
交響曲第4番（1942年）
弦楽のための交響曲 （交響曲第5番）（1943年）
交響曲第6番（1948年）
交響曲第7番（1960年）
交響曲第8番（1962年）
交響曲第9番『アルデアティーネの洞窟』（1968年）
交響曲第10番『アメリカのミューズ』（1976年）

管弦楽曲・吹奏楽曲
アメリカ祝典序曲（American Festival Overture, 1939年）
バレエ音楽『ジュディス』（Judith, 1949年）
ニューイングランド三部作（New England Triptych, 1956年） - 各曲を自身が吹奏楽編曲している
喜びあれ、アメリカ（Be Glad then America ）
イエス涙を流したもう時（When Jesus Wept ）
チェスター（Chester ）
ジョージ・ワシントン・ブリッジ（George Washington Bridge, 1950年）

協奏曲
ピアノ協奏曲（1943年）
ヴァイオリン協奏曲（1947年／1959年改訂）
オルフェウスの歌（チェロと管弦楽）（A Song of Orpheus, 1962年）

室内楽曲
弦楽四重奏曲第2番（1937年）
弦楽四重奏曲第3番（1939年）
弦楽四重奏曲第4番（1950年）
弦楽四重奏曲第5番（1987年）
アマリリス（弦楽三重奏のための変奏曲）（1964年）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%AA%E3%82%A2%E3%83%A0%E3%83%BB%E3%82%B7%E3%83%A5%E3%83%BC%E3%83%9E%E3%83%B3
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/747.html

[近代史6] ウィリアム・シューマン 交響曲第3番
ウィリアム・シューマン 交響曲第3番

William Schuman Symphony 3 / Leonard Bernstein (1970/2018)

New York Philharmonic

Part I: Passacaglia and Fugue
Part II: Chorale and Toccata

▲△▽▼

交響曲第3番は、ウィリアム・シューマンが1941年に作曲した交響曲。

初演は1941年にクーセヴィツキーにより行われ、同年ニューヨーク批評家連盟賞を受賞した。内容自体は師であるロイ・ハリスとバロック音楽に影響されているが、後者については作風そのものの回帰ではなくアイディアのみに留まっている。また、コープランドは内容が難解なために一般聴衆からは受け入れられないことを指摘している[1]。

楽器編成
フルート2、ピッコロ、クラリネット3、バスクラリネット、ファゴット2、ホルン4、トランペット4、トロンボーン4、チューバ、、ティンパニ、小太鼓、大太鼓、トライアングル、シンバル、シロフォン、ピアノ、弦五部[2]

楽曲構成
第1部 Passacaglia and Fugue
ヴィオラによる短いパッサカリア主題が提示された後、7小節毎に他の楽器が反復しながらカノンを形成し、5つの変奏を経てホルンと弦により提示されるフーガに移行する。なおここでもパッサカリア同様カノンを形成するが、その後は複雑な対位法を伴うフガートが現れる[1]。

第2部 Chorale and Toccata
作曲曰く「魂を表現したもの」と語っており、まず緩徐楽章に相当するコラール主題が木管に現れた後、小太鼓と木管がトッカータ主題を提示しながらフーガを形成し、堂々と幕を下ろす[1]。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2%E7%AC%AC3%E7%95%AA_(%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%AA%E3%82%A2%E3%83%A0%E3%83%BB%E3%82%B7%E3%83%A5%E3%83%BC%E3%83%9E%E3%83%B3)

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[近代史6] アーロン・コープランド（Aaron Copland, 1900 - 1990）
アーロン・コープランド（Aaron Copland, 1900 - 1990）

交響曲・管弦楽作品

交響曲第1番（1928年）

交響曲第2番『短い交響曲』（1934年）

交響曲第3番（1946年）
3点
グローフェと似たアメリカらしいおおらかな開放感、圧倒的な壮大な国土と大自然を感じさせる曲想が交響曲の形でそれなりに構築的に造形されている力作。

エル・サロン・メヒコ（1936年）
3.5点

静かな都会（クワイエット・シティ）（1941年、劇音楽1939年）
4点

アパラチアの春
3.5点
叙景音楽。コープランドでこの表題となれば期待するとおりの音楽であり、出来の良さである。

市民のためのファンファーレ(庶民のためのファンファーレ）（1942年）

協奏曲
ピアノ協奏曲（1926年）

クラリネット協奏曲（1950年）　ベニー・グッドマンの依頼による。

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アーロン・コープランド（Aaron Copland, 1900年11月14日 - 1990年12月2日）は、20世紀アメリカを代表する作曲家のひとり。アメリカの古謡を取り入れた、親しみやすく明快な曲調で「アメリカ音楽」を作り上げた作曲家として知られる。指揮や著述、音楽評論にも実績を残した。

略歴
ニューヨーク州ブルックリンにおいて、ユダヤ系ロシア移民の息子として生まれた。14歳で本格的にピアノを習い始め、作曲家を志したのは15歳のときという。16歳からルービン・ゴールドマーク（オーストリアの作曲家カール・ゴルトマルクの甥）に作曲を師事する。

1921年、21歳のときにパリに留学、個人的にナディア・ブーランジェの弟子となる。パリ留学中にはジャズの要素を取り入れた曲を多く書いていたが、次第に一般大衆と現代音楽の隔たりを意識するようになる。

1924年に帰国すると、「アメリカ的」音楽を模索、アメリカ民謡を取材・研究し、これを取り入れた簡明な作風を打ち立てる。出世作『エル・サロン・メヒコ』（1936年）を経て発表された、『ビリー・ザ・キッド』（1938年）、『ロデオ』（1942年）、『アパラチアの春』（1944年）などのバレエ音楽が、コープランドのスタイルとして確立された作品といえる。

その後、再び純音楽的作品に戻り、十二音技法を用いるなど曲折の後、晩年は非常な寡作となった。このようなコープランドの音楽スタイルの変遷は、そのままアメリカの音楽文化の形成過程を象徴しているとも指摘されている。

主要作品

舞台音楽
歌劇『入札地』（1954年）
バレエ音楽『ビリー・ザ・キッド』（1938年）
バレエ音楽『ロデオ』（1942年）
バレエ音楽『アパラチアの春』（1944年）

映画音楽
廿日鼠と人間（1939年）
我等の町（1940年）
赤い仔馬（1948年）
女相続人（1949年）

交響曲・管弦楽作品
オルガンと管弦楽のための交響曲（1924年）
舞踏交響曲（1922年 - 1925年、改1929年）
交響曲第1番（1928年）
交響曲第2番『短い交響曲』（1934年）
交響曲第3番（1946年）
劇場のための音楽（1925年）
交響的頌歌（1927年 - 1928年、改1955年）
エル・サロン・メヒコ（1936年）
野外序曲（戸外の序曲）（1937年、吹奏楽編曲1941年）
吹奏楽の分野では後者の訳が、それ以外では前者の訳が用いられることが多い。
静かな都会（クワイエット・シティ）（1941年、劇音楽1939年）
市民のためのファンファーレ（庶民のためのファンファーレ）（1942年）
リンカーンの肖像（1943年）
管弦楽にリンカーン大統領の演説をナレーションとして配した作品。

協奏曲
ピアノ協奏曲（1926年）
クラリネット協奏曲（1950年）
ベニー・グッドマンの依頼による。

室内楽作品
六重奏曲（1937年）
ヴァイオリン・ソナタ（1943年）
ピアノ四重奏曲（1950年）

ピアノ曲
3つのソネット（1918年）
ピアノソナタ（1941年）
4つのピアノ・ブルース（1948年ごろ）
ピアノ幻想曲（1957年）

声楽曲
エミリー・ディキンソンの12の詩（1948-50年）
アメリカの古い歌 第1集（1950年）
アメリカの古い歌 第2集（1952年）

受賞歴
アカデミー賞
受賞
1950年 アカデミードラマ・コメディ音楽賞：『女相続人』
ノミネート
1940年 アカデミー音楽賞、アカデミー作曲賞：『廿日鼠と人間』
1941年 アカデミー音楽賞、アカデミー作曲賞：『我等の町』
1944年 アカデミードラマ音楽賞：『電撃作戦』

著書
『音楽とイマジネーション』（塚谷晃弘訳／昭森社／1962）
『作曲家から聴衆へ――音楽入門』（塚谷晃弘訳／音楽之友社／1965）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%AD%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%82%B3%E3%83%BC%E3%83%97%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%83%89

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[近代史6] アーロン・コープランド 静かな都会（クワイエット・シティ）
アーロン・コープランド 静かな都会（クワイエット・シティ）

Copland: Quiet City

Philip Smith · Thomas Stacy
New York Philharmonic Orchestra
Leonard Bernstein

℗ 1986 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

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[近代史6] ジョージ・ガーシュウィン（George Gershwin、1898 - 1937）
ジョージ・ガーシュウィン（George Gershwin、1898 - 1937）

管弦楽曲・協奏曲

ラプソディ・イン・ブルー

アイ・ガット・リズム変奏曲

パリのアメリカ人

ラプソディ第2番

キューバ序曲

交響組曲「キャットフィッシュ・ロウ」（『ポーギーとべス』の音楽を演奏会用組曲に編曲した作品）

ピアノ協奏曲ヘ調

ピアノ曲
3つの前奏曲

ソング・ブック

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ジョージ・ガーシュウィン（George Gershwin、1898年9月26日 - 1937年7月11日）は、アメリカの作曲家。本名、ジェイコブ・ガーショヴィッツ（Jacob Gershowitz）。ポピュラー音楽・クラシック音楽の両面で活躍しアメリカ音楽を作り上げた作曲家として知られる[1]。

337曲は作詞家である兄のアイラ・ガーシュウィンとの共同制作である[1]。

略歴
ユダヤ系ロシアの移民の息子として、ニューヨークのブルックリンに生まれた（もとの姓はゲルショヴィツ Gershowitz）[2]。

初めてクラシック音楽に触れたのは小学生のときに聴いたドヴォルザークの「ユーモレスク」だという。父親は、ジョージが12歳の時、兄のアイラ・ガーシュウィンに音楽を学ばせようとピアノを買ってやったが、文学者肌のアイラはピアノを弾かず、代わってジョージがピアノに親しむことになり、13歳の時にピアノ、和声を習った[3][4]。

出世作となったのは、作詞家アーヴィング・シーザーとの共作になる1919年の歌曲「スワニー」で、人気歌手アル・ジョルソンに気に入られて彼が繰り返し歌ったことからヒットし、人気ソングライターとなる[5]。

1920年代以降は、作詞家となった兄アイラ・ガーシュウィンと組んで、レビューやミュージカル向けに多くのポピュラー・ソングを送り出した。ガーシュウィン兄弟によって作られ、後年までスタンダード・ナンバーとして歌われている歌曲は『私の彼氏（The Man I Love）』『バット・ノット・フォー・ミー』『アイ・ガット・リズム』などをはじめ、おびただしい数に上る[6]。

クラシックにも取り組み、1924年には『ラプソディ・イン・ブルー』（Rhapsody in Blue）を発表。当時ガーシュウィンにとって管弦楽法は未知領域だったためファーディ・グローフェの協力を得て、ジャズとクラシックを融合させたこの作品は「シンフォニック・ジャズ」の代表的な成功例として世界的に評価された[7]。

その後独学でオーケストレーションを学び、いくつかの管弦楽作品を残した。そのひとつ『パリのアメリカ人』（An American in Paris、1928年）もよく知られている。因みに、オーケストレーションを学びたいがためにイーゴリ・ストラヴィンスキーの元に訪れたら、クラシック作曲家としては異例の高収入で知られていたことから、逆に「如何すれば其処まで収入を上げられるのかこちらが教えてほしい」と言われたというエピソードが流布している（ストラヴィンスキーは晩年のインタビューでこれを事実無根だと否定しているが、「でも、そういうことがあったら、楽しかっただろうなあ」とも語っている[8]）。また、モーリス・ラヴェルにも教えを請うたが、ラヴェルからは「あなたは既に一流のガーシュウィンなのだから、二流のラヴェルになる必要はないでしょう」と言われたという。さらにラヴェルはナディア・ブーランジェへの紹介状を書いたが、彼女は「ガーシュウィンには生まれながらの音楽的才能があり、その邪魔をしたくない」と弟子とすることを断ったという[9]。

兄・アイラと作家デュボース・ヘイワードとの協力によって書かれ、黒人コミュニティの風俗をリアルに描いたフォーク・オペラ『ポーギーとベス』（Porgy and Bess）は1935年にオール黒人キャストという意欲的な企画で初演されたが、初演時は反響は得られなかった。のちに評価が高まり、現在ではアメリカ音楽の古典となっている。劇中で歌われる『サマータイム』（Summertime）はポピュラーソングのスタンダードナンバーとして広く親しまれている[1]。

1937年7月9日に脳腫瘍のため昏睡状態となり、10日に手術を行ったが、11日に急逝した[10]。38歳没。1920年代初頭から腹痛発作と頑固な便秘にしばしば悩まされ、自ら「作曲家の胃袋（composer's stomach）」と呼んでいた。また、1936年の暮れごろからすでに彼はうつ状態になったり、いらいらしたりしていたが、超過密スケジュールをこなす有名人特有の「ハリウッド病」が出てきただけと思われていた。1937年2月には指揮のリハーサル中に指揮台の上で突然よろけたが、ちょっとバランスをはずしただけと言っていた。その晩、突然ゴムの焼けるような異様な臭いが感じられ、その直後、約10秒間ほど意識消失があった。この異臭に引き続き起こった意識障害発作は、きわめて典型的な鈎回（uncal gyrus）発作、すなわち側頭葉前端内側部に発作焦点を有するてんかん発作と思われるが、この時この発作の意味するところに気付かなかった。4月に床屋の椅子の上で、再び同じ発作があった。これ以降同様の発作が繰り返し起こるようになり、その頻度が増してくると同時に明け方になると起こる強い頭痛も加わってきた。またこの頭痛に、めまいと吐き気が伴うようになってきた。このため6月には受診している。毎日のように意識障害発作を生じており、発作直前にはいつも異臭を感じるようになっていた。これらが彼の最後の病に関係しているものかどうかについては、はっきりしたことはわからない。7月に入院した際にカール・ランド博士とハワード・ナフツィガー博士は脳室撮影を行った。頭蓋に開けた小孔から脳室内に空気を注入してX線撮影を行い、脳室を造影するこの検査法は、ダンディー博士（Walter Edward Dandy）によって始められた検査法であり、X線CTスキャンが実用化されるまでの数十年間にわたって脳腫瘍の検査に不可欠な検査であった。できあがったフィルムには右側側脳室が圧迫されており、右側頭葉の腫瘍と思われる。開頭手術の結果、右側頭葉は嚢胞を伴う大きな腫瘍がみつかり、5時間に及ぶ手術にできる限りの手を尽くした。大きな腫瘍は摘出されたが、術後もガーシュウィンの意識は戻らず、7月11日の朝に死去した。手術された脳腫標本によると、多形膠芽腫とされている[11]。

舞台作品の数は50曲にのぼり、その中でオペラは2曲、ミュージカルが50曲、映画音楽は4曲しか残されていない。管弦楽曲は7曲を作曲している。室内楽曲は2曲のみ。ピアノ曲は10曲。歌曲は500曲も残されている。

また、ジョージは多調や十二音技法にも関心を持っており、「2つの調による即興曲」では多調を試みている。アルバン・ベルクとアルノルト・シェーンベルクとは親交を持ち、アメリカへ渡ったシェーンベルクとはテニスを楽しんだり、肖像画を描いて送ったエピソードが知られている。

主要作品

舞台作品

オペラ
135番街 135th Street（1923）
全1幕のアフロ・アメリカン風オペラ。1925年初演。グローフェによる再管弦楽版のタイトルは「ブルー・マンデー・ブルース（Blue Monday Blues）」
ポーギーとベス Porgy and Bess（1934-35）
全3幕9場のオペラ。有名なアリア『サマータイム』を含む。

ミュージカル
8時半 Half Past Eight（1918）
1918年のヒッチー＝クー Hitchy-Koo of 1918（1918）
危険なメイド A Dangerous Maid（1921）
お願いだから For Goodness Sake（1922）
虹 The Rainbow（1923）
プリムローズ（さくら草） Primrose（1924）
レディー・ビー・グッド Lady be Good（1924）
邦題は「淑女よ善良なれ」。同年12月1日初演
ティップ・トー Tip-toes（1925）
トレジャー・ガール Treasure Girl（1928）
ロザリー Rosalie（1928）
ショー・ガール Show Girl（1929）
ストライク・アップ・ザ・バンド Strike up the Band（1930）
ガール・クレイジー Girl Crazy（1930）
オブ・ジー・アイ・シング Of Thee I Sing（1931）
レットエム・イート・ケーク Let 'em eat cake（1933）
ショー・イズ・オン The Show is On（1936）

映画音楽
デリシャス Delicious（1931）
デイヴィッド・バトラー監督の映画のための
踊らん哉（1937）
マーク・サンドリッチ監督の映画のための。原題は「Shall We Dance」
踊る騎士 A Damsel In Distress（1937）
ジョージ・スティーヴンス監督の映画のための
ゴールドウィン・フォリーズ The Goldwyn Follies（1937）
ジョージ・マシャール監督の映画のための

管弦楽曲・協奏曲
ラプソディ・イン・ブルー Rhapsody in Blue（1924）
ピアノ協奏曲 ヘ調（1925）
指揮者ウォルター・ダムロッシュからの委嘱による唯一のピアノ協奏曲
パリのアメリカ人 An American in Paris（1928）
ラプソディ第2番 Rhapsody No.2（1931）
映画『デリシャス』の音楽として作曲
キューバ序曲 Cuban overture（1932）
アイ・ガット・リズム変奏曲 Variations on a original theme "I got rhythm"（1934）
ミュージカル『ガール・クレイジー』の劇中曲より。主題と6つの変奏からなる
交響組曲『キャットフィッシュ・ロウ』 Catfish Row（1936）
オペラ『ポーギーとベス』の音楽を演奏会用組曲に編曲した作品。全5曲。タイトルは「なまず横丁」を意味する。ロバート・ラッセル・ベネット編曲による「交響的絵画」も有名。

室内楽曲
子守歌（1919）
弦楽四重奏のための作品。弦楽合奏でも演奏される。1968年に出版

ピアノ曲
タンゴ（1914）
リアルトのさざ波 - ラグ Rialto Ripples Rag（1917）
ウィル・ドナルドソン（Will Donaldson）との共作
3つの前奏曲（1926）
サミュエル・ドゥシュキンやヤッシャ・ハイフェッツによるヴァイオリンとピアノ用の編曲版以外に、多様な楽器のために編曲されている
ソング・ブック（1932）
既存のミュージカルの楽曲から18曲選出したもの。『スワニー』も含まれる
プロムナード（1937）
映画『踊らん哉』から「犬と歩けば」より編曲したもの
2つの調のための即興曲（1929）
多調を試みた作品

歌曲
大半はミュージカルの楽曲から独立したものである

シンス・アイ・ファウンド・ユー Since I found you（1913）
ホエン・ユー・ウォント・エム、ユー・キャント・ゲット・エム When you want'em, you can't get 'em（1916）
ザ・リアル・アメリカン・フォーク・ソング The real American folk song（1918）
ミュージカル『レディース・ファースト』より
香港 Hong Kong（1918）
ミュージカル『8時半』より
ドーナッツ Doughnuts（1919）
ミュージカル『モリス・ジェストの深夜の騒ぎ』より
スワニー Swanee（1919）
『キャピトル・レヴュー』より
ヤンキー Yan-Kee（1920）
ミュージカル『モリス・ジェストの深夜の騒ぎ』より
バックホーム Back home（1920）
ミュージカル『Dere Mable』より
サムワン Someone（1922）
『巴里のアメリカ人』より
サムワン・トゥ・ウォッチ・オーヴァー・ミー Someone To Watch Over Me（1926）
邦題は「やさしい伴侶を」。ミュージカル『Oh, Kay!』より
アイル・ビルド・ア・ステアウェイ・トゥ・パラダイス I'll Build A Stairway To Paradise（1928）
ミュージカル『For Goodness Sake』より
アイ・ガット・リズム I got rhythm（1930）
作詞は兄のアイラ。
ジャスト・アナザー・ルンバ Just another rhumba（1938）

ガーシュウィン作品を扱ったミュージカル映画

『踊る騎士』（A Damsel in Distress、1937年 アメリカ、RKO製作）
フレッド・アステア主演のミュージカル映画。ハリウッドに招かれたジョージが楽曲を書き下ろした。アステアが歌ったメインタイトルの「霧深き日」は後にスタンダードナンバーとなった。
『華麗なるミュージカル』（The Goldwyn Follies、1938年 アメリカ、サミュエル・ゴールドウィン製作）
ジョージの遺作となった作品。3色テクニカラーを採用し、オペラ歌手から腹話術師まで多彩な芸人を揃えたフォリーズで、この年最高のヒット作となった。「わが愛はここに」を書き上げた後にジョージが亡くなったため、未完の「スプリング・アゲイン」はヴァーノン・デュークが書き足している。日本未公開。
『アメリカ交響楽』（Rhapsody in Blue、1945年 アメリカ）
ジョージの伝記映画として著名な作品で、1940年代にしばしば作られた音楽家伝記物の中でも最も成功した例。全編に渡ってガーシュウィン・ナンバーが流れる。ジョージ役はロバート・アルダ。日本では1946年に劇場公開され、第二次世界大戦後初めて劇場公開されたアメリカ映画でもある。この作品中には、ジョージと近しかった人々が多数実名で出演している（ジョージの親友だったピアニストのオスカー・レヴァントは、この映画がきっかけで映画界入りした）。この作品は現在パブリックドメインとして扱われているため、日本国内でも容易に入手可能である。
『巴里のアメリカ人』（An American In Paris、1951年 アメリカ、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー製作）
ジョージの作品を題材としたミュージカル映画。ジーン・ケリーが主演し、MGMミュージカルの中でも特に華やかな作品として知られる。アカデミー作品賞を受賞している。この作品は現在パブリックドメインとして扱われているため、日本国内でも容易に入手可能である。
『ポーギーとベス』（Porgy and Bess、1959年 アメリカ、MGM製作）
フォーク・オペラの古典として有名なジョージ作品をサミュエル・ゴールドウィンがプロデュースして映画化したもので、この作品の知名度を高めた。主人公・ポーギーにはシドニー・ポワチエが扮したが、敵役の伊達男スポーティング・ライフを演じたサミー・デイヴィスJr.は当たり役として有名。舞台からの改変が多かったためのジョージの関係者の意向でほとんどのプリントが回収され、一般で視聴するのは非常に困難。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B8%E3%83%A7%E3%83%BC%E3%82%B8%E3%83%BB%E3%82%AC%E3%83%BC%E3%82%B7%E3%83%A5%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%B3
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[近代史6] ジョージ・ガーシュウィン 『ラプソディ・イン・ブルー』
ジョージ・ガーシュウィン 『ラプソディ・イン・ブルー』

Gershwin: Rhapsody In Blue (Live)

Leonard Bernstein
Los Angeles Philharmonic

℗ 1983 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

(Bernstein, Piano & Conduct) Gershwin - Rhapsody in Blue / New York Phil / 1976 /

Piano and Conduct : Bernstein
New York Philharmonic.
Recorded at the Royal Albert Hall, London in 1976.

Gershwin: Rhapsody in Blue, Bernstein & ColumbiaSO (1959) ガーシュウィン ラプソディー・イン・ブルー バーンスタイン

Leonard Bernstein (1918-1990), Piano & Conductor
Columbia Symphony Orchestra

Rec. 23 June 1959, in New York [Columbia]

ジョージ・ガーシュウィン (編曲：ファーディ・グローフェ)
ラプソディー・イン・ブルー

ピアノ・指揮：レナード・バーンスタイン
コロンビア交響楽団

録音：1959年6月23日 セント・ジョージ・ホテル (ニューヨーク) [コロンビア]

▲△▽▼

『ラプソディ・イン・ブルー』（Rhapsody in Blue）は、アメリカの作曲家ジョージ・ガーシュウィンが作曲、ファーディ・グローフェが編曲したピアノ独奏と管弦楽のための音楽作品である。

『ラプソディ・イン・ブルー』というタイトルは「ジャズの語法によるラプソディ」といった程度の意味がある。ラプソディ（狂詩曲）には、「民族音楽風で叙事詩的な、特に形式がなく自由奔放なファンタジー風の楽曲」という意味があるので、このタイトルから、ガーシュウィンはジャズをアメリカにおけるある種の「民族音楽」と捉えていたことが窺える。実際この曲は、アメリカ的な芸術音楽の代表格とみなされている。

「この曲は青い」という言葉が題名の由来。元は『アメリカン・ラプソディ』という題名だったが、兄のアイラ・ガーシュウィンが現在の題名を提案して変更した。

アメリカ合衆国の著作権法では1978年以前の出版物の著作権は発表から95年と定められており、『ラプソディー・イン・ブルー』は2020年にパブリック・ドメインに入った[1]。

目次
1 作曲の経緯・初演
2 日本人による演奏
3 曲の構成
4 各稿とその編成[3]
4.1 1924年オリジナル・ジャズ・バンド稿
4.2 1924年2台ピアノ稿
4.3 1926年オーケストラ稿
4.4 1927年ピアノ・ソロ稿
4.5 1938年オーケストラ稿
4.6 1942年オーケストラ稿
5 使用例
5.1 日本における例
5.1.1 CM曲
6 脚注
7 外部リンク
作曲の経緯・初演
ポール・ホワイトマンの提案を受け、1924年、ニューヨークのエオリアンホールで開かれた「新しい音楽の試み」と題されたコンサートに向けて作曲し、そこで初演された（同年2月12日）。

この曲が作られることになった発端は、1924年1月3日、他の仕事で多忙だったガーシュウィンが兄のアイラとビリヤード場に息抜きに行った際、新聞で「ホワイトマンがガーシュウィンに曲を発注した」という記事を見つけたことだった。翌日、抗議のためガーシュウィンはホワイトマンに電話をかけるも、実はこの記事はホワイトマンがガーシュウィンを呼びつけるために作った偽記事だったらしく、「新聞記事になってしまったから作ってくれ」とホワイトマンに押し切られた。

カデンツァの部分は、仕事でボストンに向かう際に乗った列車の走行音から着想を得たとされる。

ガーシュウィンは、この曲を約2週間で一気に書き上げた。ただ、当時のガーシュウィンはまだオーケストレーションに精通しているとはいえなかった上に、作曲の期間が限定されているという事情も加わり、代わってファーディ・グローフェがオーケストレーションを行なった。グローフェは当時、ホワイトマン楽団のピアニストであるとともに専属の編曲者を務めていた。ガーシュウィンが2台のピアノを想定しながら作曲し、それを即座にグローフェがオーケストラ用に編曲していき、結局はガーシュウィン自身が弾くピアノと小編成のジャズバンド向けの版が完成された。その後もいくつかの版が作られたが、1926年にグローフェが再編曲したオーケストラ版と、ガーシュウィンの死後の1942年にフランク・キャンベル＝ワトソンがグローフェ編曲版に加筆修正を加えた版がよく知られている。その後は主に1942年版が演奏されている。

ピアノ独奏が入るため、一種のピアノ協奏曲風な雰囲気もある。ヨーロッパのクラシック音楽とアメリカのジャズを融合させたシンフォニックジャズとして高く評価された。

初演が行なわれた「新しい音楽の試み(現代音楽の実験)」には、ヤッシャ・ハイフェッツ、フリッツ・クライスラー、セルゲイ・ラフマニノフ、レオポルド・ストコフスキー、ゴドフスキー、イーゴリ・ストラヴィンスキーらが立ち会ったという[2]。

日本人による演奏
日本においては、1955年9月11日に日比谷公会堂にて、近衛秀麿の指揮、アメリカ人ピアニストのセイモア・バーンスタインにより初演された。その後、小曽根真などジャズピアニストがニューヨーク・フィルハーモニックなどのオーケストラと、アジアを中心に各地で公演したことでさらに広く知られる。

曲の構成
最初はクラリネットの、低音からのグリッサンドで始まる。当初はグリッサンドでなく、17音の上昇音階で記されていたが、ホワイトマン・バンドのクラリネット奏者がふざけてグリッサンドで演奏したところ、ガーシュウィンが気に入り書き改められたと伝えられる。曲風はジャズの要素を多く含んでいる。

各稿とその編成[3]
1924年オリジナル・ジャズ・バンド稿
前述の通り、ガーシュウィンが2台のピアノ用に作曲したものを、グローフェがジャズ・バンド用にオーケストレーションしている。この版はグローフェがホワイトマン楽団での演奏専用に編曲したものであるため、木管楽器に頻繁な持ち替えが規定されるなど、特異なアレンジがなされている。そのため公式の出版はなされず、グローフェの手書きの楽譜のみが残されている。

この稿は1976年に、マイケル・ティルソン・トーマスがガーシュウィンの遺したピアノロール（後述）からオーケストラ・パートを削除しソロ・パート部分のみにしたものをソロに用い、コロンビア・ジャズ・バンドを指揮してレコーディングを行い、その後世界的に知られるようになった。

木管楽器（奏者3）：サクソフォーン、クラリネット、オーボエ、ファゴットを持ち替え
金管楽器：ホルン2、トランペット2、トロンボーン2、チューバ1
打楽器・その他：チェレスタ、ピアノ（独奏とは別）、独奏ピアノ
弦楽器：ヴァイオリン（奏者8）、バンジョー
[疑問点 – ノート]

1924年2台ピアノ稿
オリジナル・ジャズ・バンド稿の初演の成功の後、ガーシュウィン自身が2台のピアノのために完成させた稿。なお、ガーシュウィンはピアノロールを用いてソロパートとオーケストラパートを2重記録（1台のピアノを連弾）したものを遺している。

1926年オーケストラ稿
この曲の成功を受けて、グローフェがオーケストラ用に再編曲した稿。

木管楽器：フルート2、オーボエ2、クラリネット2、バスクラリネット1、ファゴット2、サクソフォーン3（アルト2、テナー1）
金管楽器：ホルン3、トランペット3、トロンボーン3、チューバ1
打楽器・その他：ティンパニ、ベル、銅鑼、スネアドラム、シンバル、トライアングル、独奏ピアノ
弦楽器：第1ヴァイオリン、第2ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス、バンジョー、ギター
1927年ピアノ・ソロ稿
1924年の2台ピアノ版に続き、ガーシュウィン自身が完成させた稿。

1937年7月にガーシュウィンは死去しているため、この稿が作曲者の関与した最後のものである。

1938年オーケストラ稿
グローフェの再々編曲。ピアノ・ソロ部分までもオーケストレーションし、ピアノがなくても演奏可能としたところに特徴がある。

なお、グローフェは同様にピアノなしで演奏可能にした吹奏楽のための編曲も残している（1937年）。

1942年オーケストラ稿
1926年のグローフェ稿を基本としつつ、フランク・キャンベル＝ワトソン（ガーシュウィン作品の出版社の編集者）が改訂した稿。現在、オーケストラでの演奏にあたってはこの稿が使用されることが多い。

木管楽器：フルート2、オーボエ2、クラリネット2、バスクラリネット1、ファゴット2、サクソフォーン3（アルト2、テナー1）
金管楽器：ホルン3、トランペット3、トロンボーン3、チューバ1
打楽器・その他：ティンパニ、ベル、銅鑼、小太鼓、シンバル、トライアングル、独奏ピアノ
弦楽器：第1ヴァイオリン、第2ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス、バンジョー

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%A9%E3%83%97%E3%82%BD%E3%83%87%E3%82%A3%E3%83%BB%E3%82%A4%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%83%96%E3%83%AB%E3%83%BC

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/752.html

[近代史6] 武満 徹（たけみつ とおる、1930 - 1996）
武満 徹（たけみつ とおる、1930 - 1996）

日本人作曲家の中ではダントツに有名。現代音楽だが、聴きやすいため普通のクラシックファンでも良さはすぐに分かると思う。海外の現代音楽よりも日本人の感性によく合っていて、音からイメージされるものが明確というのもあり、すぐに入り込めると思う。

管弦楽曲

弦楽のためのレクイエム 1957 弦楽

黒い絵画 レオノーレ・フィニによせて 1958 Orch

樹の曲 1961 Orch

環礁 1962 S,Orch

弦楽器のためのコロナII 1962 弦楽

地平線のドーリア 1964 Orch

グリーン 1967 Orch

冬 1971 Orch

マージナリア 1976 Orch

鳥は星形の庭に降りる 1977 Orch

ア・ウェイ・ア・ローンII 1981 弦楽

夢の時 1981 Orch

雨ぞふる 1982 Orch

星・島(スター・アイル) 1982 Orch

夢窓 1985 Orch

トゥイル・バイ・トワイライト ―モートン・フェルドマンの追憶に― 1988 Orch

トゥリー・ライン 1988 Orch

ヴィジョンズ(I神秘 II閉じた眼) 1990 Orch

マイ・ウェイ・オブ・ライフ ―マイケル・ヴァイナーの追憶に― 1990 Br,cho,Orch

ハウ・スロー・ザ・ウィンド 1991 Orch

系図 ―若い人たちのための音楽詩― 1992 ナレーター,Orch

群島S. 1993 Orch

精霊の庭 1994 Orch

協奏的作品
シーン 1959 vc,弦楽

弧(アーク) 1963-76 pf,Orch

テクスチュアズ 1964 pf,Orch

ノヴェンバー・ステップス 1967 琵琶,尺八,Orch

アステリズム 1968 pf,Orch

クロッシング 1969 cho,gt,hp,vib,pf,Orch

ユーカリプスI 1970 fl,ob,hp,弦楽

カシオペア 1971 perc,Orch

ジェモー 1971-86 ob,tbe,Orch

秋 1973 琵琶,尺八,Orch

ジティマルヤ 1974 mar,Orch

カトレーン 1975 cl,vn,vc,pf,Orch

遠い呼び声の彼方へ! 1980 vn,Orch

海へII 1981 fl,hp,弦楽

夢の縁へ 1983 gt,Orch

虹へ向かって、パルマ 1984 ob-d'amore,gt,Orch

オリオンとプレアデス(犂と昴) 1984 vc,Orch

リヴァラン 1984 pf,Orch

ウォーター・ドリーミング 1987 fl,Orch

ノスタルジア ―アンドレイ・タルコフスキーの追憶に― 1987 vn,弦楽

ア・ストリング・アラウンド・オータム 1989 va,Orch

フロム・ミー・フローズ・ホワット・ユー・コール・タイム 1990 perc,Orch

ファンタズマ/カントス 1991 cl,Orch

夢の引用 ―Say sea,take me!― 1991 2pf,Orch

セレモニアル ―An Autumn Ode― 1992 笙,Orch

ファンタズマ/カントスII 1994 tbe,Orch

スペクトラル・カンティクル 1995 vn,gt,Orch

邦楽曲
蝕(エクリプス) 琵琶,尺八 1966

室内楽曲
弦楽四重奏のための作品
ランドスケープ 1960 SQ

ア・ウェイ・ア・ローン 1980 SQ

その他
オリオン(犂) 1984 vc,pf

そして、それが風であることを知った 1992 fl,hp,va

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC

武満 徹（たけみつ とおる、1930年〈昭和5年〉10月8日 - 1996年〈平成8年〉2月20日）は、日本の作曲家、音楽プロデューサー。

ほとんど独学で音楽を学んだが、若手芸術家集団「実験工房」に所属し、映画やテレビなどで幅広く前衛的な音楽活動を展開。和楽器を取り入れた「ノヴェンバー・ステップス」によって、日本を代表する現代音楽家となった。

人物・来歴

デビューまで
1930年10月8日に東京市本郷区駒込曙町（現：文京区本駒込一丁目）で生まれる。父は鹿児島県川内市（現：薩摩川内市）隈之城町出身で帝国海上保険勤務、祖父の武満義雄は政友会の鹿児島県幹事長を務め、第7回衆議院議員総選挙から第12回衆議院議員総選挙まで衆議院議員を連続6期15年務めた[1]。

生後1ヶ月で、父の勤務先である満洲の大連に渡る。1937年、小学校入学のために単身帰国し、東京市本郷区の富士前尋常小学校に入学[2]、7年間にわたって叔父の家に寄留する。叔母は生田流箏曲の師匠であり、初期の習作的な作品「二つの小品」（1949年、未完）には箏の奏法の影響が見られる[3][4]。この頃に従兄弟からレコードで聴かされたベートーヴェンやメンデルスゾーンなどのクラシック音楽には興味を示さなかったが[5]、その一方で1948年に行われた「新作曲派協会」第2回作品発表会に足を運び、後に作曲を師事する清瀬保二の「ヴァイオリンソナタ第1番」のような、当時としては新しい音楽に感動していたとされる[6]。

1943年、旧制の私立京華中学校に入学。額から頭にかけての格好が飛行船に似ていたため、当時の渾名は「ツェッペリン」であった[7]。軍事教練では教官の手塚金之助少尉からしごきを受け、野外演習で入浴中に「あの金坊の野郎、ただじゃおかねえからな」と叫んだところ、真ん前に手塚がいたため「この野郎」と殴られたこともある[7]。在学中の1945年に埼玉県の陸軍食糧基地に勤労動員される。軍の宿舎において、同室の下士官が隠れて聞いていた[8]リュシエンヌ・ボワイエが歌うシャンソン「聴かせてよ、愛のことばを」(Parlez-moi d'amour)[9]を耳にして衝撃を受ける。現代音楽の研究者である楢崎洋子は、後年の「鳥は星型の庭に降りる」、「遠い呼び声の彼方へ!」など、いくつかの作品モチーフに、このシャンソンの旋律線との類似点があることを指摘している[10]。戦争中は予科練を受験[7]。戦争末期には「日本は敗けるそうだ」と語った級友を殴り飛ばした軍国少年であった[11]。

終戦後に進駐軍のラジオ放送を通して、フランクやドビュッシーなど、近代フランスの作曲家の作品に親しむ一方で、横浜のアメリカ軍キャンプで働きジャズに接した。やがて音楽家になる決意を固め、清瀬保二に作曲を師事するが、ほとんど独学であった。京華中学校卒業後、1949年に東京音楽学校（この年の5月から東京芸術大学）作曲科を受験。科目演奏には最も簡単なショパンの「プレリュード」を選び、妹の下駄を突っかけて試験会場に出向いたが、控室で網走から来た熊田という天才少年（後に自殺）と意気投合し、「作曲をするのに学校だの教育だの無関係だろう」との結論に達し[12]、2日目の試験を欠席し、上野の松坂シネマで『二重生活』を観て過ごした[13]。この時期の作品としては清瀬保二に献呈された「ロマンス」（1949年、作曲者死後の1998年に初演）のほか、遺品から発見された「二つのメロディ」（1948年、第1曲のみ完成）などのピアノ曲が存在する[14]。

デビュー以前はピアノを買う金がなく、本郷から日暮里にかけて街を歩いていてピアノの音が聞こえると、そこへ出向いてピアノを弾かせてもらっていたという[15]。武満は「1軒もことわられなかったから、よほど運がよかったのだ」と言っているが、ときどき同行した友人の福島和夫によると、最初は確かに貸してくれたが、何度も続くと必ず「もう来ないで下さい」と断られたという[15]。のち、芥川也寸志を介してそれを知った黛敏郎は、武満と面識はなかったにもかかわらず、妻のピアノをプレゼントした[15]。

デビュー、前衛作曲家への道
1950年に、作曲の師である清瀬保二らが開催した「新作曲派協会」第7回作品発表会において、ピアノ曲「2つのレント」を発表して作曲家デビューするが、当時の音楽評論家の山根銀二に「音楽以前である」と新聞紙上で酷評された[16]。傷ついた武満は映画館の暗闇の中で泣いていたという[17]。この頃、詩人の瀧口修造と知り合い、「2つのレント」の次作となるヴァイオリンとピアノのための作品「妖精の距離」（1951年）のタイトルを彼の同名の詩からとった。同年、瀧口の下に多方面の芸術家が参集して結成された芸術集団「実験工房」の結成メンバーとして、作曲家の湯浅譲二らとともに参加、バレエ「生きる悦び」で音楽（鈴木博義と共作）と指揮を担当したほか、ピアノ曲「遮られない休息I」（1952年）などの作品を発表した。この最初期の作風はメシアンとベルクに強い影響を受けている。「実験工房」内での同人活動として、上述の湯浅譲二や鈴木博義、佐藤慶次郎、福島和夫、ピアニストの園田高弘らと共に、メシアンの研究と電子音楽（広義の意。主にテープ音楽）を手がけた。また武満はテープ音楽（ミュジーク・コンクレート）として、「ヴォーカリズムA.I」（1956年）、「木・空・鳥」（同年）などを製作し、これらを通して音楽を楽音のみならず具体音からなる要素として捉える意識を身につけていった。

「実験工房」に参加した頃より、映画、舞台、ラジオ、テレビなど幅広いジャンルにおいて創作活動を開始。映画『北斎』の音楽（1952年、映画自体が制作中止となる）、日活映画『狂った果実』の音楽（1956年、佐藤勝との共作）、橘バレエ団のためのバレエ音楽『銀河鉄道の旅』（1953年）、劇団文学座のための劇音楽『夏と煙』（1954年）、劇団四季のための『野性の女』（1955年）、森永チョコレートのコマーシャル（1954年）などを手がけた。これらの作品のいくつかには、ミュジーク・コンクレートの手法が生かされているほか、実験的な楽器の組み合わせが試みられている。また作風においても、前衛的な手法から、ポップなもの、後に『うた』としてシリーズ化される「さようなら」（1954年）、「うたうだけ」（1958年）のような分かりやすいものまで幅が広がっている。また、1953年には北海道美幌町に疎開していた音楽評論家の藁科雅美[18]が病状悪化の早坂文雄を介して委嘱した「美幌町町歌」を作曲している。

この間、私生活においては「2つのレント」を発表した際にチケットをプレゼントした若山浅香（劇団四季女優）と1954年に結婚した。病に苦しんでいた武満夫妻に團伊玖磨は鎌倉市の自宅を提供して横須賀市に移住した。

1957年、早坂文雄（1955年没）に献呈された[19]「弦楽のためのレクイエム」を発表。日本の作曲家はこの作品を黙殺したが、この作品のテープを、1959年に来日していたストラヴィンスキーが偶然NHKで聴き、絶賛し、後の世界的評価の契機となる[20]。

1958年に行われた「20世紀音楽研究所」（吉田秀和所長、柴田南雄、入野義朗、諸井誠らのグループ）の作曲コンクールにおいて8つの弦楽器のための「ソン・カリグラフィI」（1958年）が入賞したことがきっかけとなり、1959年に同研究所に参加。2本のフルートのための「マスク」（1959年）、オーケストラのための「リング」（1961年）などを発表する。大阪御堂会館で行われた「リング」の初演で指揮を務めた小澤征爾とは、以後生涯にわたって親しく付き合うことになる[21]。この時期の作品では、ほかに日本フィルハーモニー交響楽団からの委嘱作品「樹の曲」（1961年、「日フィルシリーズ」第6回委嘱作品）、NHK交響楽団からの委嘱作品「テクスチュアズ」（1964年、東京オリンピック芸術展示公演）などがある。この「テクスチュアズ」で日本人作曲家として初めてユネスコ国際作曲家会議でグランプリを受賞。武満の名声は一気に跳ね上がった。

世界のタケミツ
1960年代には小林正樹監督の『切腹』（1962年、第17回毎日映画コンクール音楽賞受賞）、羽仁進監督の『不良少年』（1961年、第16回毎日映画コンクール音楽賞受賞）、勅使河原宏監督の『砂の女』（1964年、第19回毎日映画コンクール音楽賞受賞）、『他人の顔』（1966年、第21回毎日映画コンクール音楽賞受賞）などの映画音楽を手がけ、いずれも高い評価を得ている。武満自身は、若い頃から映画を深く愛し、年間に数百本の映画を新たに見ることもあった。スペインの映画監督ヴィクトル・エリセの映画『エル・スール』を父親の視点から絶賛しているほか、ロシア（ソ連）の映画監督アンドレイ・タルコフスキーに深く傾倒し、タルコフスキーが1987年に他界すると、その死を悼んで弦楽合奏曲「ノスタルジア」を作曲している。

1962年にNHK教育テレビ『日本の文様』のために作曲した音楽は、ミュジーク・コンクレートの手法で変調された筑前琵琶と箏の音を使用しており、武満にとっては伝統的な邦楽器を使用した初の作品となった。その後、前述の映画『切腹』では筑前琵琶と薩摩琵琶が西洋の弦楽器とともに使用され、1964年の映画『暗殺』（監督：篠田正浩）、『怪談』（監督：小林正樹）では琵琶と尺八が、1965年の映画『四谷怪談』（監督：豊田四郎）では竜笛、同年のテレビドラマ『源氏物語』（毎日放送）では十七絃箏とともに鉦鼓、鞨鼓など、雅楽の楽器も使用された[22]。1966年のNHK大河ドラマ『源義経』の音楽においては邦楽器はオーケストラと組み合わされている。これらの映画や映像のための音楽での試行実験を踏まえ、純音楽においても邦楽器による作品を手がけるようになった。その最初の作品である「エクリプス」（1966年）は琵琶と尺八という、伝統的な邦楽ではありえない楽器の組み合わせによる二重奏曲である。この「エクリプス」はアメリカで活動中の小澤征爾を通じてニューヨーク・フィル音楽監督レナード・バーンスタインに伝えられ、このことから、同団の125周年記念の作品が委嘱されることとなった。こうしてできあがった曲が、琵琶と尺八とオーケストラによる「ノヴェンバー・ステップス」（1967年）である。この作品を契機として武満作品はアメリカ、カナダを中心に海外で多く取り上げられるようになった[23]。

1970年には、日本万国博覧会で鉄鋼館の音楽監督を務め、このための作品として「クロッシング」、「四季」（初の打楽器アンサンブルのための作品）、テープ音楽「Years of Ear」を作曲、翌1971年には札幌オリンピックのためにIOCからの委嘱によってオーケストラ曲「冬」を作曲した。1973年からは「今日の音楽」のプロデュースを手がけ、世界の演奏家を招いて新しい音楽を積極的に紹介した。1975年にエフエム東京の委嘱によって作曲された「カトレーン」は同年に文化庁芸術祭大賞、翌年に第24回尾高賞を受賞するなど、日本で高い評価を得た[24]。また「ノヴェンバー・ステップス」以後は、世界からの注目も高まり、1968年と69年には「キャンベラ・スプリング・フェスティバル」のテーマ作曲家、1975年にはイェール大学客員教授、1976年と77年にトロントで開催された「ニューミュージック・コンサーツ」ではゲスト作曲家として招かれた。

1980年代以降から死まで
1980年に作曲されたヴァイオリンとオーケストラのための「遠い呼び声の彼方へ!」は、前衛的な音響が影を潜め、和声的な響きと「歌」を志向する晩年の作風への転換を印象続ける作品となった[25]。この時期にショット社へ移籍し、作品の演奏の機会は以前よりも急激に増えることになる。以前、自身の作曲が日本で正当に評価されていなかったことを嘆き、「今日の音楽・作曲賞」では武満たった一人が審査を務め、武満自身の手で国際作曲賞を授与することに決めた。この作曲賞から多くの日本の若手や世界各国の若手が巣立った。

1980年代はすでに前衛は流行らなくなっており、武満も今日の音楽では積極的に海外の潮流を紹介したが、武満本人の興味はそれとはもう関わりが薄くなっていた。作品はますます調性的になり、オーケストラとの相性が良いのでひっきりなしにオーケストラ曲の委嘱に応えていた。全編が調性音楽である「系図」には、かつての不協和音は完全に影を潜めた。この時期になると世界各国からの反応も、良いものばかりではなくなり始めた。ショット社はドイツにあるにもかかわらず、ドイツの新聞で「シェーンベルク以前の音楽」「バスタブの中の河」（リヴァーランのドイツ初演評）などと酷評を受けるようになる。

晩年、それまで手をつけていなかったオペラに取り組もうと意欲を見せるが、作品は完成の日の目を見ることはなかった。タイトルは「マドルガーダ」（邦題は「夜明け前」）となる予定であった。台本はすでに完成されており、2005年、野平一郎によって作曲された[26]。1995年、膀胱、および首のリンパ腺にがんが発見され、また、間質性肺炎を患っていた武満は数ヶ月に渡る長期の入院生活を送ることになる[27]。小康を得ての一時退院中、完成された最後の作品となる「森のなかで」、「エア」を作曲。死後、冒頭6小節分オーケストラスコアとして書き始められた、フルート、ハープ、オーケストラのための「ミロの彫刻のように」の未完の譜面が仕事場で見つかる（第一曲〈la lune(月)〉第二曲〈le soleil(太陽)〉と二部編成にする予定であった）。1996年2月20日、虎の門病院にて死去した。65歳没[28][29]。墓所は、東京都文京区小日向にある曹洞宗日輪寺の境内墓地。

葬儀の際には、黛敏郎が『MI・YO・TA』のメロディを何度も繰り返し歌った。この曲は、武満がかつて黛の下で映画音楽のアシスタントをしていたとき書いたものであった。しかし、映画音楽に使われることはなく、メロディは黛の記憶にしまわれていた。その後、谷川俊太郎が詞をつけ、出来上がったのが『MI・YO・TA』である[30]。

政治的姿勢
政治にも関心が深く、1960年代の安保闘争の折には「若い日本の会」や草月会館で開かれた「民主主義を守る音楽家の集い」などに加わり、武満自身もデモ活動に参加していた（ただし体調が悪くなっていたのですぐ帰っていたらしい[31]）。1970年代には、スト権ストを支持したことがある。また、湾岸戦争（1991年）の際には、報道番組における音楽の使われ方に対して警鐘を鳴らし、報道番組は、音楽を使うべきではないと論じた。一方で、音楽による政治参画については否定的であったとされ、1970年代には自身も参加した音楽グループ「トランソニック」の季刊誌『トランソニック』で見解を示した[32]。

実用音楽
武満は多くの映画音楽を手がけているが、それらの仕事の中で普段は使い慣れない楽器や音響技術などを実験・試行する場としている。武満自身、無類の映画好きであることもよく知られ、映画に限らず演劇、テレビ番組の音楽も手がけた。

琵琶と尺八の組み合わせで彼は純音楽として代表作『ノヴェンバー・ステップス』をはじめ『エクリプス（蝕）』、『秋』、三面の琵琶のための『旅』などを書いているが、最初に琵琶を用いた作品は映画『切腹』およびテレビ（NHK大河ドラマ）『源義経』であり、尺八は映画『暗殺』でプリペアド・ピアノやテープの変調技術とともに用いた。さらに映画『怪談』（監督：小林正樹）では、琵琶、尺八のほかに胡弓（日本のもの）、三味線、プリペアド・ピアノも、それぞれテープ変調とともに用いている。この『怪談』の音楽は、ヤニス・クセナキスがテープ音楽として絶賛した。これらの作品の録音において、琵琶の鶴田錦史、尺八の横山勝也との共同作業を繰り返した経験が、後の『ノヴェンバー・ステップス』その他に繋がった。

2台のハープを微分音で調律してそのずれを活かすという書法は、純音楽としては『ブライス』などに見られ、またハープ独奏としては『スタンザII』が挙げられるが、このための実験としては、映画『沈黙』『美しさと哀しみと』『はなれ瞽女おりん』（すべて監督：篠田正浩）などが挙げられる。『はなれ瞽女おりん』は後に演奏会用組曲『2つのシネ・パストラル』としてもまとめている。

他にテレビの音楽としてはNHKの歴史ドキュメンタリー番組「未来への遺産」においてオンド・マルトノを用いていることも特筆される。純音楽ではこの楽器は用いなかった。

黒澤明とは、『どですかでん』で初めてその音楽を担当して以来の関係であったが、1985年の映画『乱』で黒澤と対立し「これ以後あなたの作品に関わるつもりはない」と言った。武満は黒澤にマーラー風の音楽を求められたことに不満を述べている[33]。

短編ドキュメンタリー映画『ホゼー・トレス』でのジャズの語法をはじめ、1960-70年代当時の日本の歌謡曲の語法など、武満自らが趣味として多く接した娯楽音楽の分野へのアプローチを試みたのも、これら映画音楽やテレビの音楽である。

その他の娯楽音楽として、晩年、それまでに作曲した合唱曲、映画音楽の主題や挿入歌などをポピュラー音楽として再編し石川セリが歌ったポピュラーソングのCDアルバムを発表した。これについては武満の死後、武満の葬儀の席上で黛敏郎が思い出として披露した、未発表の短い映画音楽用の旋律[34]を基に、もう一枚のリメイク・ヴァージョンのアルバムが出ている。森山良子、小室等、沢知恵らもこれらの歌をレパートリーとしている。

影響
晩年監修を務め、武満の死後完成した東京オペラシティのコンサートホールはタケミツ・メモリアルの名が冠せられた。東京オペラシティのオープニングコンサートの中で、作曲家でピアニストの高橋悠治は武満のために「閉じた眼II」を弾いた[35]。また、「武満徹作曲賞」の演奏会も毎度、このホールにて行われている。

武満の劇音楽の仕事は多忙を極めたこともあり、アシスタントを雇っていたことが知られているが、これは同時にまだデビュー間もない新人の発掘・育成にも繋がっていった。アシスタント経験者には池辺晋一郎や八村義夫、川井学、毛利蔵人、菅野由弘がいる。高橋悠治もデビュー初期に武満の仕事を手伝っており、『おとし穴』（監督：勅使河原宏）などでは演奏にも参加している。また、クラシック出身者以外にもマジカル・パワー・マコや鈴木昭男といった独自の楽器音響を追求する後輩たちとも交流を持ち、劇音楽の仕事を通してコラボレーションを行っている。

武満の著書には彼自身の自筆譜が多く掲載されていることで知られていたが、そのほとんどはフルスコアではなく、コンデンススコアである。コンデンススコアでまず作曲し、思いついた奏法や楽器名をその上に記し、アシスタントがフルスコアに直すことで多くのオーケストラ曲は完成されていた。多忙ではなくなった時期からは、自らフルスコアを書いている。

保守的なことで知られるウィーン・フィルによってもその作品は演奏され、その死は、多くの演奏家から惜しまれた。ショット社の公表では、没後武満の作品の演奏回数は1年で1000回を越えた。（出典：日本の作曲20世紀）映画音楽で有名なジョン・ウィリアムズも、武満を高く評価しており、『ジュラシック・パーク』では尺八を取り入れた。

武満徹の作品一覧
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%AD%A6%E6%BA%80%E5%BE%B9%E3%81%AE%E4%BD%9C%E5%93%81%E4%B8%80%E8%A6%A7

著作（文章）
武満自身、音楽作品以外に文章でも多数の著書を発表、また新聞や雑誌でも音楽評論を盛んに執筆した。

著作集
『武満徹著作集』（全5巻）新潮社、2000年
編纂委員は友人の谷川俊太郎と船山隆。
さまざまな媒体に発表した文章の大半を、『音、沈黙と測りあえるほどに』などの単著を軸に収録されている。しかし厳密には、武満徹の残した文章のすべてではない。

単著（日本語）
『武満徹←1930……∞』私家版、1964年
『音、沈黙と測りあえるほどに』新潮社、1971年（著作集第1巻）
『骨月−あるいは a honey moon』私家版、限定200部、1973年12月（『草月 ikebana sogetsu』83号、1972年8月に発表。『遠い呼び声の彼方へ』に所収）、小説
『樹の鏡、草原の鏡』新潮社、1975年（著作集第1巻）
『音楽の余白から』新潮社、1980年（著作集第2巻）
『夢の引用 映画随想』岩波書店、1984年（著作集第5巻）
『音楽を呼びさますもの』新潮社、1985年（著作集第2巻）
『夢と数』リブロポート、1987年（著作集第5巻）、自らの音楽語法について直接述べた著作
『遠い呼び声の彼方へ』新潮社、1992年（著作集第3巻）
『時間の園丁』新潮社、1996年（著作集第3巻）、1996年に点字資料版が日本点字図書館で刊行

単著（再編本、英語版）
『サイレント・ガーデン』新潮社、1999年（闘病日記、病床で描いた絵入り料理レシピ）
『私たちの耳は聞こえているか』「人生のエッセイ9」日本図書センター、2000年（既刊書に収録された回想エッセイを再編した著作）
『武満徹｜Visions in Time』エスクァイアマガジン・ジャパン、2006年
『武満徹エッセイ選 言葉の海へ』小沼純一編、ちくま学芸文庫、2008年
Confronting Silence: Selected Writings. trans. and ed. by Yoshiko Kakudo and Glenn Glasow. Berkeley, Calif: Fallen Leaf Press, 1995.
『映像から音を削る 武満徹映画エッセイ集』清流出版、2011年

共著
『ひとつの音に世界を聴く――武満徹対談集』晶文社、1975年、新装版1996年
『武満徹対談集――創造の周辺』芸術現代社（上・下）、1976年→新版（芸術現代選書・全1巻）、1997年
『音・ことば・人間』川田順造との往復書簡、岩波書店、1980年→岩波同時代ライブラリー（改訂版）、1992年→（著作集第4巻）
『音楽』小澤征爾との対話、新潮社、1981年→新潮文庫、1984年
『音楽の庭――武満徹対談集』新潮社、1981年
『シネマの快楽』蓮實重彦との対話、リブロポート、1986年→河出文庫、2001年
『すべての因襲から逃れるために――武満徹対談集』音楽之友社、1987年
『オペラをつくる』大江健三郎との対話、岩波新書、1990年→（著作集第4巻）
『歌の翼、言葉の杖――武満徹対談集』TBSブリタニカ、1993年→（著作集第5巻）
『シネ・ミュージック講座/映画音楽の100年を聴く』秋山邦晴と、フィルムアート社、1998年
『武満徹対談選 仕事の夢・夢の仕事』小沼純一編、ちくま学芸文庫、2008年
『武満徹 自らを語る』聞き手安芸光男、青土社、2010年

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%AD%A6%E6%BA%80%E5%BE%B9
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/753.html

[近代史6] 武満 徹（たけみつ とおる、1930 - 1996） 中川隆
1. 中川隆[-16155] koaQ7Jey 2021年10月03日 16:26:56 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[8]
最美の音楽は何か？ _ 武満 徹『弦楽のためのレクイエム 』
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/215.html

武満徹と映画、音と音楽
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/717.html 　
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/753.html#c1

[近代史6] 矢代 秋雄（やしろ あきお、1929 - 1976）
矢代 秋雄（やしろ あきお、1929 - 1976）

寡作の天才であり、日本を代表する作品を多く作った作曲家とされている。確かに切れ味が鋭く、精神性が高く、時間をかけて磨き上げられた感じがする。そして、日本人にありがちな、音楽的なある種の平板さや予想の範囲内という感じがこの人にはあまりない。自分は以前は寡作の作曲家の悪い面を持っていると思っていたが、今は日本を代表する素晴らしい作曲家と考えている。

弦楽四重奏曲（1955年）

交響曲（1958年）
3.3点
4楽章作品であるだけでなく、主張の感じられる音の使い方であることが、交響曲らしさをみせている。しかしながら、基本的に音が薄く、楽器を分厚く重ねていなくてオーケストラの能力をフル活用していない点ではあまり一般的な交響曲のイメージと合わない。場面は刻々と移っていき、その推移を愉しめるが、構築的とかストーリー展開の印象ではない。3楽章の和風な打楽器の使い方の醸し出す虚無感とか空白の利用による日本的な美の表現にはしびれた。安易に勢いに頼らないで、調性音楽でありながら武満徹のような音空間を構築し、音感センスで表現する彼ならではの作品。だが、交響曲としては少しパワーが無さすぎで期待値に届いておらず、物足りない。一応最終楽章ではショスタコーヴィチのようなテンションを見せるけれども。

チェロ協奏曲（1960年）

ピアノ・ソナタ（1961年）

ピアノ協奏曲（1967年）
3.5点
日本人の作曲した曲においていつも気になる、ある種の平板さがこの曲にはない。ピアノパートは超絶技巧が要求されているとともに非常に音感が優れており、あるべき場所に音がある納得感がある。アイデア豊富で、立体的である。音の厚みではなく、センスで音の世界を作っている。通俗的ではないし、音の主義主張がはっきりしているわけではないが、聞きやすさはある。これは世界にも通用するレベルの協奏曲だと思う。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC

矢代 秋雄（やしろ あきお、1929年9月10日 - 1976年4月9日）は、日本の作曲家。

若い頃より英才として将来を期待され、東京音楽学校作曲科、東京藝術大学研究科を卒業した後、パリ国立高等音楽院に留学。和声法で一等賞を得る等、優秀な成績を修めて卒業。晩年は、作曲家として活動する一方、東京藝術大学音楽学部作曲科の主任教授として、後進の指導にあたった。門下より、野田暉行、池辺晋一郎、西村朗、荻久保和明、糀場富美子など現在の日本を代表する作曲家を輩出している。

生涯

少年時代
矢代秋雄は、1929年9月10日、東京の大森で西洋美術、美術史を専門とする評論家、矢代幸雄の長男として生まれた。母文は田中規矩士にピアノを学んだことがある。また、母方の祖父は横浜第一中学校（現：神奈川県立希望ヶ丘高等学校）の校長を務めた教師であり、西洋音楽への理解があった。家には母の嫁入道具であるヤマハ製のピアノがあり、父のたくさんのクラシックのレコードがあった。

秋雄は、7歳で原尋常小学校に入学したが、それ以前より、自発的にピアノの演奏や作曲を始めていたという。好んで聴いたレコードは、ベートーヴェンをはじめとして、ショパン、ブラームス、少し年齢が進んでワーグナー、チャイコフスキーだった。誰に強要されるのでもなく、非常に早い時期より作曲家を志していた、と後年の著書で述べている。10歳頃には、独学ながら管弦楽や室内楽の作品を書き始めていた。

父の幸雄は、作曲や指揮などの音楽の専門家に紹介した。作曲家の諸井三郎、ドイツ人指揮者のフェルマーなど。フェルマーからは指揮の勉強を勧められたが、結局、秋雄は、諸井に就いて14歳までの約3年間、ドイツ式の和声法と楽式について学ぶこととなる。諸井は、その作品の他に「機能和声法」の名著があり、ドイツ音楽の理論家としても名高い。 13歳で暁星中学校に入学。フランス語の授業があり、後年の留学への端緒の一つとなった。この頃、父の幸雄は、秋雄の将来について諸井に相談をしている。幸雄は、秋雄がもしこのまま音楽を続けさせるのならば、やはり東京音楽学校へ入学させるしかないと考えていたのである。それを受けて諸井は、当時上野の東京音楽学校で教鞭を執っていた橋本國彦を紹介。翌年の14歳より、秋雄は橋本に作曲理論を師事することとなった。

ドイツの音楽語法を教えた諸井に対して、橋本はドビュッシーやラヴェルに代表されるフランスを軸とした、ワーグナー以後のより近代的な音楽に目を向けさせた。この頃に創作した楽曲は、ドビュッシーを模倣する作品ばかりだったという。

東京音楽学校時代
太平洋戦争末期の1945年4月、秋雄は16歳で東京音楽学校作曲科に入学した。同学年には日本の前衛音楽の旗手、黛敏郎がいた。しかし激しい戦禍の中、授業はほとんど行われなかった。半年後、日本は敗戦を迎えた。戦時中に国威発揚の音楽に携わった橋本は戦争責任を問われ、細川碧などと共に東京音楽学校の教壇から追われてしまう。秋雄は後任の池内友次郎、伊福部昭に就いて、新たに作曲理論の勉強を開始することとなる。

池内はパリ高等音楽院でポール・フォーシェ、アンリ・ビュッセルに学び、当時の日本ではフランス流の作曲技法の第一人者であった。音楽の範として伊福部に強く共鳴する黛に対して、矢代は池内からその多くを吸収した。特に池内は「音楽を整然と美しく仕上げる」ことを矢代に教え込んだ。これは、諸井から学んだ書式とともに、矢代の作風を決定付ける要素の一つである。この時期の作品の多くは矢代自身によって後に破棄されているが、以下のものは残っている。

ピアノのためのソナチネ - 藤井澄子に献呈。1945年3月10日（第1稿作曲）、5月12日（第2稿作曲）（15歳）。
24のプレリュード - 1945年5月（15歳）作曲。
ピアノのためのノクチュルヌ - 井上二葉に献呈。1947年（18歳）作曲。
ピアノ協奏曲 - 園田高弘に献呈。
ピアノ三重奏曲 - 1949年（20歳）作曲。卒業作品。橋本國彦に献呈。
ピアノ協奏曲は、現在しばしば演奏されるものとは異なる。この作品は、1948年に金子登指揮、東京音楽学校管弦楽部により初演された。卒業作品の「ピアノ三重奏曲」では、1949年2月の演奏会では自身でピアノ・パートを担当した。そしてこの作品はかつての師、橋本國彦に献呈された。在学中、矢代は黛とともに、極めて優秀な成績で「我が校始まって以来の俊秀」として将来を嘱望された。2人でお互いに作品を批評し合い、また芸術論を戦わせたという。

1949年3月、矢代は東京音楽学校本科を卒業、4月には東京音楽学校研究科へ進学した。研究科に在学時の作品は以下のものがある。

ヴァイオリンとピアノのためのセレナーデ - 1949年（20歳）作曲。
ピアノ四手のための古典組曲 - 1949年（20歳）作曲。ヴェルレーヌの「エピグラフ」に依るという。
交響的小品 - 1950年（21歳）作曲。
「交響的小品」は、東京藝術大学管弦楽団により初演された。1951年3月、矢代は東京藝術大学研究科を卒業した。

フランス留学時代および帰国後
1951年8月、22歳で矢代は、第2回フランス政府給費留学生として、黛らと共にパリ国立高等音楽院に入学した。和声法をジャック・ドゥ・ラ・プレール、アンリ・シャランに、対位法とフーガをノエル・ギャロンに、作曲と管弦楽法をトニー・オーバンに、ピアノ伴奏法をナディア・ブーランジェにそれぞれ師事した。オリヴィエ・メシアンの作曲と管弦楽法の授業も時折聴講したという。当時の音楽院では、ドイツの古典の他にサン＝サーンス、フランクなどの作品が範とされた。矢代は「フランクこそは自分の出発点」と後年の著書で述べているように、ちょうど彼の創作志向に合った学風だったといえる。対して、黛は「もう学ぶものはない」として1年で帰国している。また、この時期には同じくパリ音楽院に留学してきた三善晃と親交を深めている。卒業作品として「弦楽四重奏曲」を作曲（妹の訃報に接し、それを念頭に創作された）。1956年（27歳）8月に帰国。

帰国から約4か月後の12月14日、フランスで書かれた「弦楽四重奏曲」日本初演。また、この作品で毎日音楽賞の一等賞を受賞。1958年、日本フィルハーモニー交響楽団の委嘱により「交響曲」を作曲。1960年（30歳）、NHK交響楽団の委嘱により「チェロ協奏曲」を作曲。1965年（35歳）、「対位法」を出版。1968年（38歳）「ピアノ協奏曲」が第16回尾高賞・文部省芸術祭奨励賞を受賞。同年、東京藝術大学助教授に就任。1974年、東京藝術大学教授となる。そのほかにも、いくつかの高校の校歌も作曲しており、最後の校歌としては、三重県立名張桔梗丘高等学校の校歌を作っている。

ヴァイオリン協奏曲を作曲中の1976年、心不全により急逝。墓所は、神奈川県横浜市東神奈川にある浄土宗成仏寺の墓地にある。

死後
若くして亡くなったため、現存している（または出版されている）作品は少ない。現在知られているピアノ協奏曲とは別の、園田高弘のためのピアノ協奏曲も生前には出版されなかった。

あまりにも早すぎた死により、没後すぐに個人全集が企画・出版されるなど、異例の待遇で評価された。

團伊玖磨はその著書「重ねて・パイプのけむり」（朝日新聞社・昭和55年（1980年）1月30日第1刷発行）の「雲の行列」（同書58〜63ページ）で、矢代秋雄との出会い（矢代が小学生、團が中学生の時）や、その後の交流、そして矢代秋雄の死の報に接した際の光景を綴っている。團は矢代の死を翌日第1回日中文化交流協会音楽家代表団の一員（団長）として滞在中の北京で偶然知り、死因が作曲を続けながら芸大主任教授を務めていたことによる疲労であったこと、また、同じく代表団で同席していた武満徹が松村禎三に対し、「松村君、芸大なぞは辞めなさい。作曲だけをしよう」と鋭く言ったこと等を記している。矢代が死去した当時の日本の作曲家の衝撃を語る記録である。武満徹は矢代から芸大講師に就任を打診されたこともあるが、終生音楽学校での教鞭を執ることがなかった。

人物

係累
ギリシャ美術史研究者の平山東子は長女。

その他
森下小太郎によると、矢代は麻生 保（あそう やすし）の筆名でSM雑誌『奇譚クラブ』に投稿していたという[1][2]。沼正三によると、麻生保はマゾ派の熱心な投稿者で、筆名もマゾッホのもじりであるという[3]。

代表作

ピアノのためのソナチネ（1945年）
ヴァイオリン・ソナタ（1946年）
ピアノのためのノクチュルヌ（1947年）
ピアノ三重奏曲（1948年）
ヴィオラとピアノのためのソナタ（1949年）
ヴァイオリンとピアノのためのセレナーデ（1949年）
ピアノ連弾のための古典組曲（1951年）
弦楽四重奏曲（1955年）
交響曲（1958年）
2本のフルートとピアノのためのソナタ（1958年）
チェロ協奏曲（1960年）
ピアノ・ソナタ（1961年）
ピアノ協奏曲（1967年）
札幌オリンピックのための『式典序曲』（『白銀の祭典』とも、1972年）
ヴァイオリン協奏曲（未完。冒頭の37小節のみ）

著作
音楽留学生（吉田秀和編、音楽之友社、1957年）-「留学とは」を収録。
和声学とその応用（ヤマハ音楽振興会、1970年）- 竹内剛との共著
ハーモニーのしくみ（音楽之友社、1971年）- 菅野真子との共著
音楽論集 オルフェオの死（深夜叢書社、1977年／音楽之友社「音楽選書」、1996年）
バッハ平均律の研究1（ムジカノーヴァ、1982年）- 小林仁との共著。全2巻で、第2巻は伊達純と小林仁の手による。
矢代秋雄和声集成（全3巻）（全音楽譜出版社、1982-83年）
対談集 音楽の世界（音楽之友社編、1997年）
エッセイ集 音楽における郷愁（音楽之友社、1998年）

翻訳
ノエル＝ギャロン、マルセル・ビッチュ『対位法』（音楽之友社、1965年、新版1989年）
日仏演劇協会編『今日のフランス演劇 第4』（白水社、1967年）- 安藤信也との共訳によるポール・クローデル『火刑台上のジャーヌ・ダルク』を収録。

校訂・増補
テオドール・デュボワ『和声学 理論篇』（平尾貴四男訳 音楽之友社、1978年）
テオドール・デュボワ『和声学 実施編』（平尾貴四男訳 音楽之友社、1978年）
セルゲイ・ラフマニノフ『ピアノ協奏曲第2番』二台ピアノ版（全音楽譜出版社[1]）
ラフマニノフの版権を所有しているブージー&ホークスとの契約により出版され、日本人でも演奏が可能なように運指や奏法の提案がなされている。しかし、自社版の出版を優先したブージー&ホークスが契約を解除し、本書はラフマニノフの著作権が切れる2004年まで絶版となっていた。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%9F%A2%E4%BB%A3%E7%A7%8B%E9%9B%84

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/754.html

[近代史6] 矢代 秋雄 ピアノ協奏曲
矢代 秋雄 ピアノ協奏曲

Akio Yashiro [矢代秋雄]: Piano Concerto (1967) / Izumi Tateno, Kotaro Sato & Tokyo Metropolitan Sym.

00:00 1st mov. Allegro animato
13:02 2nd mov. Adagio misterioso
20:42 3rd mov. Allegro - Andante - Vivace, molto capriccioso

Izumi Tateno, piano
Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra
Kotaro Sato, conducting

Recorded: January 25, 1991 Live at Tokyo Bunka Kaikan (Tokyo Culture Hall)

Akio Yashiro [矢代 秋雄]: Piano Concerto (Hiromi Okada, Yuasa, Ulster Orchestra)

Allegro animato • 12:24
Adagio misterioso • 19:52
Allegro - Andante - Vivace molto capriccioso

矢代秋雄／ピアノ協奏曲／中村紘子（Pf）

Big beautiful life
初演は中村紘子だったけれど、いつも中村紘子だったので、それが不満だった。この音楽は、もっともっと、意味深い音楽に聴こえる。矢代秋雄と言う作曲家を、低めているように感じていた。藤原由紀乃が海外で弾いた時良い曲だと感じた。岡田博美のCDが出た時、曲の凄さが分かる気がした。中村が弾くと、弾いて見せたと、矢代の前に中村が立つ気がする。岡田とは技術の底が異なり過ぎる。

▲△▽▼

ピアノ協奏曲は、日本の作曲家矢代秋雄による2作目のピアノ協奏曲である。第22回（昭和42年度）芸術祭放送部門で芸術奨励賞、第16回尾高賞を受賞した。

経緯
NHKが、文部省（当時）芸術祭のために作曲者に委嘱した[1]。第1楽章は1964年から1966年夏にかけて、第2、第3楽章は1966年から1967年5月にかけて作曲された。1947年にピアノ協奏曲の未公開作品があったにもかかわらず、これに第二番とは銘打たれなかった。

初演
1967年7月10日と11日に、NHK放送センターにおいて放送のためのレコーディングが行われ、同年11月5日に放送初演された。この時の演奏は、若杉弘指揮NHK交響楽団、ピアノ独奏中村紘子であった。公開初演は約3週間後の11月29日に東京文化会館で行われたNHK交響楽団臨時演奏会にて、独奏者には放送初演と同じく中村紘子、森正指揮により行われた。

楽器編成
フルート2、ピッコロ1、オーボエ2、クラリネット2（2奏者はバスクラリネット持ち替え）、ファゴット2
ホルン4、トランペット2、トロンボーン3、チューバ1
ティンパニ
ヴィブラフォン
打楽器2名（シンバル、タムタム、鈴、ウッドブロック、チューブラーベル）
独奏ピアノ
弦五部、
演奏時間
約27分。

楽曲構成

第1楽章 アレグロ・アニマート　
自由なソナタ形式。冒頭ピアノソロによって提示される変拍子を含んだ第1主題とフルートによって奏でられる息の長い第2主題による。 所々にリストが愛用したというコロラトゥーラ風のカデンツァが挿入される。通例のソナタ形式と比べると提示部が長く、再現部は展開部の中にあって、展開部の一部のように聞こえる[2]。

第2楽章 アダージョ・ミステリオーソ
全曲を通してC音がオスティナートとして奏でられる。作曲者自身によれば「幼いころ見た夢の記憶」。

第3楽章 アレグロ -　アンダンテ -ヴィヴァーチェ・モルト・カプリッチョーソ
自由なロンド形式。途中第1楽章の回想をはさみながら、目まぐるしく楽想が展開される。

作曲中「ピアニストは2本の手を持っているのではなく10本の指を持っているのだ」という先達の言葉を意識したとの矢代の言葉通り、全曲を通してピアノパートには高度な名人芸が要求される。

比較的日本では演奏の機会が多く、岡田博美[3]などによっても演奏されている。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%94%E3%82%A2%E3%83%8E%E5%8D%94%E5%A5%8F%E6%9B%B2_(%E7%9F%A2%E4%BB%A3%E7%A7%8B%E9%9B%84)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/755.html

[近代史6] 黛 敏郎（まゆずみ としろう、1929 - 1997）
黛 敏郎（まゆずみ としろう、1929 - 1997）

2曲の交響曲は、現代音楽を利用した強靭な創造性が心を打つ傑作。聴いている間、天才的な作品という賛辞が頭を離れなかった。

涅槃交響曲（1958）
3.3点
仏教をテーマにし、読経のような男性ボーカルを使った見事な音空間を造詣している。鐘の音を分析したそうで、どのように生かされているのか興味深く聴いた。この造形力はかなりのもので、天才的と言っていいと思う。

曼荼羅交響曲（1960）
3.5点
涅槃交響曲の半分の長さの姉妹編であるが、自分にはずっと深化した強烈な世界を造形することに成功した驚くべき傑作に聞こえた。超常的なエネルギーが渦巻く彼方の世界を圧倒的な量感で描いている。現代音楽でありメロディーは無いが、これなら問題なし。なお余談だが、スクリャービンがあと20年生きたらこんな音楽を書いていたかもしれないと感じた。法悦の詩に似ている。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC

黛 敏郎（まゆずみ としろう、1929年2月20日 - 1997年4月10日）は、日本の作曲家。戦後のクラシック音楽、現代音楽界を代表する音楽家の一人。東京藝術大学作曲科講師として後進の育成にもあたった。

来歴

1954年
神奈川県横浜市生まれ。旧制横浜一中（現：神奈川県立希望ヶ丘高等学校）から1945年東京音楽学校（現東京藝術大学）に入学して、橋本國彦、池内友次郎、伊福部昭に師事した。在学中はブルーコーツ等のジャズバンドでピアニストとして活動した他、既に映画音楽も多く手がけている。1949年卒業、《ルンバ・ラプソディ》を作曲。《ディヴェルティメント》が卒業作品として演奏された。研究科進学。1951年研究科卒業。同年最初の国産カラーフイルムによる総天然色映画『カルメン故郷に帰る』で、ブギ調での同名の主題歌作曲を担当する。同年、映画「帰郷」で毎日映画コンクール音楽賞を受賞。

同年8月、フランス政府受け入れの留学生として、音楽学校同級生の矢代秋雄、別宮貞雄と共にパリ国立高等音楽院に入学して、トニー・オーバンのクラスで学ぶが、教育内容への反発から、1年で退学し帰国した。1951年には《スフェノグラム》が国際現代音楽協会 (ISCM) 音楽祭に入選。1953年、芥川也寸志、團伊玖磨と共に「3人の会」を結成する。以後作曲家として活動を始める。

デビュー当初はドビュッシーやガーシュイン、ミヨー、ラヴェル、ストラヴィンスキーまたガムランなどの南方音楽やモダン・ジャズからの影響を受けていた。フランス留学後はミュジーク・コンクレート、電子音楽、ヴァレーズの音楽様式、ケージの偶然性の音楽やプリペアド・ピアノなど、最新の前衛音楽様式を次々と日本に紹介する存在となった。それらの西洋前衛音楽へのアプローチは、構造的な理論より音響への興味を優先させたものであった。なかでも電子音楽、ミュージック・コンクレートを、いち早く日本の音楽界に導入した。

映画音楽の一部では別名中川洋一（作詞者として）、六条隆（挿入歌の作曲者として）を使用している。

元女優の桂木洋子は妻。演出家の黛りんたろうは長男。長男の嫁は平淑恵。弟に朝日新聞学芸部編集委員だった黛哲郎がいる。

1954年、1月28日、ラジオドラマ《戦争と平和（広島）》（武田泰淳台本）ラジオ東京 (TBS) にて放送。

同年11月21日、放送劇《ボクシング》（三島由紀夫台本）文化放送にて放送。同作品で芸術祭奨励賞。

1955年、11月27日、同年創設されたばかりのNHK電子音楽スタジオで日本最初の電子音楽による習作、《素数比の系列による正弦波の音楽》、《素数比の系列による変調波の音楽》、《矩形波と鋸歯状波のインヴェンション》を製作発表。

1956年、4月、クラヴィオリンやミュージカル・ソウを大胆に使用した映画『赤線地帯』（監督溝口健二）について、映画評論家津村秀夫に『週刊朝日』誌上で「音楽の失敗がひびく」と酷評され反論し、論争になる（赤線地帯論争）。

4月23日から18日間、カンヌ映画祭に参加。4月24日に『青銅の基督』（音楽黛敏郎）が上映された。

6月3-10日、ストックホルムへ。第30回ISCMに入選した《エクトプラスム》演奏に立会う。セッションズから賞賛される。

1957年、3月20日、音楽評論家・吉田秀和を所長に二十世紀音楽研究所を結成。

1958年、石原慎太郎、江藤淳、大江健三郎、谷川俊太郎、寺山修司、永六輔、福田善之ら若手文化人らと「若い日本の会」を結成し、60年安保改定反対運動に参加した[1]。

1958年2月、『気違い部落』（1957年）、『幕末太陽伝』（1957年）によって第12回毎日映画コンクール音楽賞受賞。

1958年4月2日、黛の代表作となった『涅槃交響曲』を「3人の会」にて初演した。鐘の音をNHK電子音楽スタジオで音響スペクトル解析した上、三分割して配置されたオーケストラと、男声合唱（声明を模し部分もあり）で再現した。自らが「カンパノロジー・エフェクト」と呼んだこのアイデアは、奇しくも現在フランスの現代音楽シーンの主流を占めるスペクトル楽派の一人ミュライユの管弦楽曲『ゴンドワナ』を約20年先取りするものであった。

その後、黛はこのカンパノロジー・エフェクトをテープ音楽などでいくつか試みたが、その関心は次第に音響的なアプローチではなく、それら音響の源泉となった「東洋・日本的な」素材・歴史・伝統・思想へ拡がっていった。

現代音楽などクラシック関係以外の音楽では『赤線地帯』『豚と軍艦』『天地創造』『黒部の太陽』など、多くの映画音楽を手がけた他、日本テレビの『NNNニュース』のテーマ曲などを作曲している。また、同じく日本テレビのスポーツ番組のテーマ曲である『スポーツ行進曲』（別名『NTVスポーツのテーマ』）[2]は、日本でも珍しいオーケストラ用行進曲の名作である。その他にも関東UHF局の『朝日フラッシュニュース』のオープニングテーマソングである『朝日ニューストップタイトルのための音楽』や仏教諸宗派のためにカンタータなどの作曲を手掛けるなど、現代の音楽の作曲家としても活動した。

1964年、同年放送開始のクラシック音楽番組『題名のない音楽会』の司会を務めた。

1965年、3月、映画『東京オリンピック』（音楽監督：黛敏郎）。映画『天地創造』の音楽作曲のためにローマ滞在。3月に依頼の電話が入り、何度か打ち合わせにローマへ。4月、5月中旬から8月。9月に10日ほど帰国。10月7日から黛作曲部分の録音が開始、11月末まで作曲と録音が続いた。

5月15日、『君も出世ができる』で第12回アジア映画祭音楽部門賞受賞。5月28日、《打楽器協奏曲》をローマにて完成。同曲は7月11日アメリカで初演。

1967年2月16日、《BUGAKU》が第15回尾高賞受賞。

4月10日、映画『天地創造』でアカデミー作曲賞（第39回）にノミネート[3]。それに先立つ2月15日には、ゴールデングローブ賞 作曲賞（第24回）にノミネート[4]。

1968年、『題名のない音楽会』と『NNNワイドニュース』の司会に対して、第5回ギャラクシー賞を受賞[5]。

1970年、日本万国博覧会のテーマ館サブプロデューサーを含め、パビリオンの音楽、お祭り広場の音楽、開会、閉会式の音楽他を担当した。

1970年代前後[6]に、楽壇では珍しく保守派文化人となり、1970年代後半に結成され論憲・改憲を提唱する「日本を守る国民会議」議長を務めた。だが、このような保守的政治運動のために左派色が強い楽壇からは事実上排斥され、後期の作品は生活のために書いた上記の宗教音楽や実用音楽などが主となり、2曲の歌劇（『金閣寺』と『古事記』）などを除き、純音楽の創作は極端に少なくなった。

1977年夏に、保守派の活動を通じ親交があった中川一郎（当時自民党国民運動本部長）の要請を受けて、新たに創設された党友組織自由社会を守る国民会議（自由国民会議）の初代代表に就任し終身務めた。

1992年夏に「国民会議」議長として、宮澤内閣官房長官であった加藤紘一らが中心に進めた天皇（明仁）・皇后（美智子）の訪中反対国民運動の先頭に立ち、中川や自身の共通の親友石原慎太郎や、中川の長男中川昭一、平沼赳夫（中川の秘書でもあった）らと共闘した。

1982年、4月22日、オラトリオ「日蓮聖人」初演。

10月18日、サントリー作曲家の個展「黛敏郎」で《涅槃交響曲》と演奏会形式でのオペラ《金閣寺》日本初演[7]。

1983年、5月4日、阿含宗委嘱による《大佛讃歌》初演。

1986年、4月16日、バレエ《The KABUKI》初演。同作品はパリ･オペラ座、ミラノ･スカラ座、ウィーン国立歌劇場、ベルリン国立歌劇場、ボリショイ劇場、マリインスキー劇場等海外の劇場でも喝采を受け、世界中で150回以上の上演回数、22万人が鑑賞している。

1991年、3月8日、舞台形式によるオペラ《金閣寺》日本初演[8]。

1993年、7月16日、オペラ《古事記》完成。7月31日、バレエ《M》初演。

1996年、2月20日、武満徹の葬儀の際には、『MI・YO・TA』のメロディを何度も繰り返し歌った。この曲は、武満がかつて黛の下で映画音楽のアシスタントをしていたとき書いたものであった。しかし、映画音楽に使われることはなく、メロディは黛の記憶にしまわれていた。その後、谷川俊太郎が詞をつけ、出来上がったのが『MI・YO・TA』である[9]。

1997年4月10日、肺を原発巣とする転移性肝腫瘍による肝不全のため入院中の神奈川県川崎市内の総合新川橋病院で死去、68歳没。墓所は、神奈川県にある曹洞宗大本山總持寺の境内墓地。戒名は「威徳院優嶽叡敏居士」。5月末に「日本を守る国民会議」と「日本を守る会」が合同して結成された日本会議の初代会長に就任予定だった。

1997年11月27日、29日 大阪音楽大学の「ザ・カレッジ・オペラハウス」でオペラ『金閣寺』上演[10]。黛敏郎の追悼公演となった。

1998年7月2日、「黛敏郎追悼演奏会」で『シンフォニック・ムード』『トーン・プレロマス55』『呪（しゅ）』『涅槃交響曲』を演奏。岩城宏之指揮、東京混声合唱団、東京交響楽団。

1998年8月31日、未完絶筆作品『パッサカリア』初演（完成部分まで、演奏時間4分、続けて2度上演）。岩城宏之指揮、オーケストラ・アンサンブル金沢第67回定期公演。

代表作

管弦楽
ルンバ・ラプソディ（1948年）- 恩師の伊福部昭（2006年死去）の晩年にあたる2004年に、伊福部の自宅から黛の楽譜が発見され、蘇演された。
シンフォニック・ムード（1950年）- 原題は交響的気分「スフィンクス」
饗宴（1954年）
フォノロジー・サンフォニック（1957年）
カンパノロジー（1957年）
涅槃交響曲（1958年・第7回尾高賞受賞作品）
曼荼羅交響曲（1960年）
交響詩「輪廻」（1962年）
音楽の誕生（1964年）
木琴小協奏曲（1965年）
交響詩「立山」（1971年）
G線上のアリア（1978年）
21世紀へのラプソディ（1991年）
パッサカリア（1997年/絶筆・未完）

オペラ
金閣寺（1976年）- 三島由紀夫の小説「金閣寺」による
KOJIKI（1996年）
MINOKO（1964年・未完）- 三島由紀夫の書き下ろし台本による（日生劇場のこけら落としのために小澤征爾指揮で初演予定だった）

バレエ音楽
思い出を売る男（1953年）加藤道夫の戯曲「思い出を売る男」によるシャンソンバレエ。
BUGAKU（1962年・第15回尾高賞受賞作品）
ザ・カブキ（1986年・オーケストレーションは鈴木行一、南聡ら門下がアシスタントをした[11]。主題は忠臣蔵に基づく）
M（1993年）

吹奏楽・管楽合奏
トーンプレロマス55（Tonepleromas 55, 1955年）
彫刻の音楽（Music with Sculpture, 1961年）
テクスチュア（Texture, for wind orchestra, 1962年）
花火（Fireworks, 1963年）
打楽器とウィンドオーケストラの為の協奏曲（Concerto for Percussion and Wind Orchestra, 1965年）
行進曲「黎明」（1981年）- 防衛大学校のために作曲された行進曲。
行進曲「祖国」（1981年）- 陸上自衛隊中央音楽隊の創隊30周年のために書き下ろされた楽曲。
栄誉礼冠譜〜祖国〜（1986年）- 政府関係者、自衛隊の高官、訪日した外国要人への儀礼用に作曲

室内楽・器楽
ヴァイオリンとピアノのためのソナタ（1946年）
10楽器のためのディベルティメント（1948年）
スフェノグラム（1950年）
プリペアド・ピアノと弦楽のための小品（1957年）
阿吽 3つ和楽器のための（1957年）
BUNRAKU チェロ独奏のための（1960年）
弦楽四重奏のためのプレリュード（1961年）
昭和天平楽（1970年） - 現代雅楽の項を参照
ROKUDAN ハープのための（1989年）

ピアノ曲
12の前奏曲（1945-46年）
オールデウーヴル（1947年）ドラム伴奏を伴う
バレエ「かぐや姫」のスケッチ（1950）石の花瓶の踊り、金の枝の踊り、鳳凰の踊り
映画「天地創造」（1965年）

声楽
天台声明による始段唄・散華（1959年）
カンタータ「祝婚歌」（1959年）[12]
カンタータ「悔過」（1963年）
カンタータ「般若心経」（1976年）[13]
カンタータ「憲法はなぜ改正されなければならないか」（1981年）
オラトリオ「日蓮聖人」（1981年）
大佛讃歌（1983年）
オラトリオ「京都1200年 伝統と創生」（1994年）

テープ音楽
ミュージックコンクレートのための作品X・Y・Z（1953年）
3つの電子音楽作品（1955年）
素数比の系列よる正弦波の音楽
素数比の系列による変調波の音楽
矩形波と鋸歯状波のインヴェンション
まんだら（1955年）
葵の上（1957年）（湯浅譲二の同名のテープ音楽とは別の作品）
オリンピック・カンパノロジー（1964年）東京オリンピック開会式で上演。

映画音楽
カルメン故郷に帰る（松竹大船、木下惠介監督、1950年）- 木下忠司と共に担当。
帰郷（松竹、中村登監督、1951年）
我が家は楽し（松竹大船、中村登監督、1951年）
純白の夜（松竹、大庭秀雄監督、1951年）
足にさわった女（東宝、市川崑監督、1952年）
カルメン純情す（松竹大船、木下惠介監督、1952年）
夏子の冒険（松竹大船、中村登監督、1953年）
プーサン（東宝、市川崑監督、1953年）- 出演もしている。
青色革命（東宝、市川崑監督、1953年）
天晴れ一番手柄 青春銭形平次（東宝、市川崑監督、1953年）
真実一路（松竹、川島雄三監督、1954年）
噂の女（大映、溝口健二監督）、1954年）
潮騒（東宝、谷口千吉監督、1954年）
女の一生（松竹大船、中村登監督、1955年）
青銅の基督（松竹、渋谷実監督、1955年）
赤線地帯（大映、溝口健二監督）、1956年）
顔（松竹、大曽根辰夫監督、1957年）
幕末太陽傳（日活、川島雄三監督、1957年）
美徳のよろめき（日活、中平康監督、1957年）
気違い部落（松竹大船、渋谷実監督、1957年）
張込み（松竹、野村芳太郎監督、1958年）
日日の背信（松竹、中村登監督、1958年）
盗まれた欲情（日活、今村昌平監督、1958年）
西銀座前（日活、今村昌平監督、1958年）
炎上（大映、市川崑監督、1958年）
裸の大将（東宝、堀川弘通監督、1958年）
続 夫婦百景（日活、井上梅次監督、1958年）
悪女の季節（松竹大船、渋谷実監督、1958年）
不道徳教育講座（日活、西河克己監督、1959年）
野獣死すべし（東宝、須川栄三監督、1959年）
にあんちゃん（日活、今村昌平監督、1959年）
お早よう（松竹大船、小津安二郎監督、1959年）
女が階段を上る時（東宝、成瀬巳喜男監督、1960年）
いとはにほへと（松竹大船、中村登監督、1960年）
豚と軍艦（日活、今村昌平監督、1961年）
好人好日（松竹、渋谷実監督、1961年）
あいつと私（日活、中平康監督、1961年）
小早川家の秋（東宝、小津安二郎監督、1961年）
黒蜥蜴（大映、井上梅次監督、1962年）
キューポラのある街（日活、浦山桐郎監督、1962年）
憎いあンちくしょう（日活、蔵原惟繕監督、1962年）
泥だらけの純情（日活、中平康監督、1963年）
にっぽん実話時代（東宝、福田純監督、1963年）
みれん（東宝、千葉泰樹監督、1963年）
武士道残酷物語（東映京都、今井正監督、1963年）
残菊物語（松竹、大庭秀雄監督、1963年）
にっぽん昆虫記（日活、今村昌平監督、1963年）
猟人日記（日活、中平康監督、1964年）
君も出世ができる（東宝、須川栄三監督、1964年）
赤い殺意（日活、今村昌平監督、1964年）
悪の紋章（宝塚映画、堀川弘通監督、1964年）
月曜日のユカ（日活、中平康監督、1964年）
仇討（東映、今井正監督、1964年）
執炎（日活、蔵原惟繕監督、1964年）
大根と人参（松竹、渋谷実監督、1965年）
城取り（日活、舛田利雄監督、1965年）
東京オリンピック（東京オリンピック映画協会、市川崑監督、1965年）
天地創造（アメリカ・イタリア、ジョン・ヒューストン監督、1966年）
「エロ事師たち」より 人類学入門（日活、今村昌平監督、1966年）
愛と死の記録（日活、蔵原惟繕監督、1966年）
愛の渇き（日活、蔵原惟繕監督、1967年）
禁じられた情事の森（アメリカ映画 ワーナー・ブラザース＝セヴン・アーツ、ジョン・ヒューストン監督、1967年）
非行少年 陽の出の叫び（日活、藤田繁矢監督、1968年）
黒部の太陽（日活、熊井啓監督、1968年）
神々の深き欲望（日活、今村昌平監督、1968年）
栄光への5000キロ（松竹、蔵原惟繕監督、1969年）
私が棄てた女（日活、浦山桐郎監督、1969年）
富士山頂（東宝、村野鐵太郎監督、1970年）
日本の首領（東映、中島貞夫監督、1977年）
徳川一族の崩壊（東映、山下耕作監督、1980年）
序の舞（東映、中島貞夫監督、1984年）
大病人（1993年）本編BGMは本多俊之だが、劇中で「カンタータ般若心経」が全曲演奏されている
メフィストの誘い（1995年）本編BGMとして「弦楽四重奏のための前奏曲」が使われている（ストラヴィンスキーやグバイドゥーリナなどとともに使用）。

テーマ音楽
「スポーツ行進曲」- 日本テレビ・スポーツのテーマ（1953年）
朝日新聞ニューストップタイトルのための音楽（1953年）- 日本テレビでの「朝日TVニュース」開始に併せてそのオープニングテーマソングとして使われたもの
EXPO'70 太陽の塔内・生命の樹テーマ曲「生命の讃歌」（1970年）
「NNNニュースのテーマ」日本テレビ系列ニュース番組のために書かれた、全編3分ほどもある小曲[14]（1973年）
阿含の星まつり・序曲
東海道新幹線車内のオルゴールチャイム（1968 - 72年に使用）[15]
「新宿小田急百貨店の時報音楽」（1968年）[16]

校歌・団体歌
北海道苫小牧南高等学校（1978年）
新潟産業大学
福島県富岡高等学校内分校
大阪府立金岡高等学校（1974年頃）
滋賀県立彦根南高等学校（滋賀県立彦根翔西館高等学校に統合。現在は黛敏郎の校歌は使用されていない模様）
東大阪市立上四条小学校
東大阪市立玉美小学校
埼玉県立志木高等学校
新島学園中学校・高等学校
千葉県八千代市立村上東中学校（1976年頃）
千葉県東金市 市民歌 行進曲（1984年）
聖徳学園想園歌「青春の風は胸に鳴る」
横浜隼人高等学校
横浜市立東中田小学校
横浜明倫高等学校明倫賛歌
静岡県牧之原市立相良小学校
名古屋市立上社中学校[1]
福井工業大学附属福井中学校
滋賀県立伊吹高等学校
徳島文理大学
福岡県嘉穂郡嘉穂町立宮野小学校
持田製薬世界企業へ躍進の歌
われらのヤオハン
北沢バルブ 社歌「空に海に」（1979年）
集英社社歌
新川橋病院の歌
臨済宗南禅寺宗歌

著作
『私の茶道入門 これぞ芸術の極み』（光文社カッパ・ホームズ、1976年）
『題名のない音楽会』（角川書店、1977年／角川文庫、1981年）
『日本のこころ』（筥崎宮、1979年）。ブックレット
『題名のない独白』（サンケイ出版、1984年）。「正論」での連載コラム

共著など
『現代音楽に関する3人の意見』（團伊玖磨、芥川也寸志と共著、中央公論社、1959年）
『“君が代”はなぜ歌われない 黛敏郎の対談』（浪曼、1974年）。編集担当は宮崎正弘
岡倉天心 『茶の本 現代語で読む』（訳・解説、三笠書房、1983年）。オンデマンド版2003年
『日本国新憲法制定宣言』（徳間書店、1994年）

出演番組
題名のない音楽会（1964年8月 - 1997年3月）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E9%BB%9B%E6%95%8F%E9%83%8E
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/756.html

[近代史6] 黛 敏郎 曼荼羅交響曲
黛 敏郎 曼荼羅交響曲

黛敏郎 − 涅槃交響曲　曼荼羅交響曲　　外山雄三　山田一雄　ＮＨＫ交響楽団

指揮：外山雄三（涅槃交響曲）　山田一雄（曼荼羅交響曲）
ＮＨＫ交響楽団

日本プロ合唱団連合（合唱指揮：田中信昭）←涅槃交響曲
1978年2月4日（涅槃交響曲）　1976年10月13日（曼荼羅交響曲）
ＮＨＫホール
ライブ録音

涅槃交響曲
１　カンパノロジー�T　0:00
２　首楞厳神咒（しゅうれんねんじんしゅう）
　　カンパノロジー�U　8:51
３　摩訶梵（まかぼん）
　　カンパノロジー�V　21:56
４　終曲[一心敬礼]　29:00

曼荼羅交響曲
１　金剛界曼荼羅　34:13
２　胎蔵界曼荼羅　42:12

Toshirō Mayuzumi: Mandala Symphony (1960)
I.Tempo non équilibré
II. Extrêmement lent
The NHK Symphony Orchestra diretta da Hiroyuki Iwaki.

https://www.youtube.com/watch?v=x-aO1YZ1tgo

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/757.html

[近代史6] 黛 敏郎 曼荼羅交響曲 中川隆
1. 中川隆[-16154] koaQ7Jey 2021年10月03日 17:17:43 : La1MHT2NOM : S3Z1enY4dHRtUXc=[9]

曼荼羅交響曲（まんだらこうきょうきょく）は、黛敏郎が作曲した交響曲。涅槃交響曲の兄弟作品に当たる。初演は1960年3月27日、第4回三人の会の発表会にて、岩城宏之が指揮したNHK交響楽団により行われている。

音による曼荼羅の再現を目指した黛は、涅槃交響曲で採用した「カンパノロジー・エフェクト」を発展拡大させ、日本各地の鐘の音を分析した結果得られたという2つの「陽旋法」を素材として用いている[1]。また、経典などの具体的な素材は用いずにオーケストラのみで抽象的な表現を目指した。なお、後のスペクトル楽派とは異なり、全て12音で曲は書かれている。

楽器編成
フルート2（ピッコロ1）、オーボエ、イングリッシュ・ホルン、クラリネット2（E♭管クラリネット1）、バスクラリネット、ファゴット、ホルン2、トランペット2、トロンボーン2、チューバ、ティンパニ、シロフォン、グロッケンシュピール、ヴィブラフォーン、トライアングル、サスペンデッド・シンバル、中国の小さなドラ、キン、タムタム、チェレスタ、チューブラーベル、ハープ、ピアノ、弦5部（左右均等に分割する）

演奏時間
約15分。

構成

第1楽章 - 金剛界曼荼羅
「不安定なテンポで」と指定され、流動的なリズムからなる第1・3部と、『春の祭典』さながらに拍子が変わりながらシンコペーションが刻まれる中間部よりなる[2]。全体としては個々の楽器の音が際立つように書かれている。「カンパノロジー・エフェクト」の響きにより終結する。

第2楽章 - 胎蔵界曼荼羅
「非常にゆっくりと」と指定され、「カンパノロジー・エフェクト」の響きが一貫して用いられている。「きわめて幅広く」と指定された中間部ではチェレスタ以外の楽器によるユニゾンの主題が奏でられる[2]。第1楽章同様、「カンパノロジー・エフェクト」の音により終結する。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%9B%BC%E8%8D%BC%E7%BE%85%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/757.html#c1

[近代史6] 團 伊玖磨（だん いくま、1924 - 2001)
團 伊玖磨（だん いくま、1924 - 2001)

交響曲１番
2.5点
２３分の単一楽章。聴きやすくて、様々な音の印象の移り変わりをそれなりに楽しめる。しかし、多くの作曲家の影響が見え隠れするし、大胆に自分ならではのオリジナリティの世界に踏み込みきれていない感じを受けるので、聴後感が物足りない。

交響曲２番
2.5点
３楽章構成の力作であり、交響曲らしさを目指して努力していることが伝わってくる。様々な所に作意や意志を感じる。音楽としてはスケール感もあり聴きやすい。しかし、いかにも２０世紀のマイナー交響曲といいたくなってしまう、オケの表現能力に頼っただけの精神的な密度の薄さが気になる。自然界を表現したとすれば、いささか矮小だ。１番より進歩しているが、努力された跡が分かるという程度と思う。

交響曲３番
2.8点
前衛を取り入れた音作りにより、作曲者が自分の芸術に確信を持っているのがわかる。聴き映えの良さが上がっている。二楽章形式のためもあり、鋭くある断片を切り取ったような印象がある。芸術的な深みを指向している点では交響曲として受け止められる。しかし、素材の数が少なすぎて繰り返しばかりであり、聴いているうちに飽きてきてしまう。突いている所は良いのだが、広がりが足りない。

交響曲４番
2.8点
３番と作曲時期が近いため音楽は似ている。４楽章あるため、３番よりも総合性を持っている。音の聴き映えはよい。しかしながら、作り上げた音の世界が主張や精神性を持つに至らず、音のまま終わってしまう。終わった後にもう一度聴きたい何かを生み出せていないと思う。楽章の長さが短いためなおさらそう感じる。

交響曲５番
3.3点
非常に進歩しており、巨匠らしい音楽的な説得力と精神性を持った充実した交響曲となっている。聴いていて魅力に引き込まれる場面がかなりある。前衛的ではあるが、無理なく聴ける分かりやすさとバランスがあることが良い。日本を代表する作曲家のひとりと呼ぶに相応しい作品。

交響曲６番
3.0点
長尺を生かした時間の使い方で書かれている。前衛性が後退し、密度がやや薄いためもあり、歳をとったことを感じてしまう。内容的には「達筆」という言葉を連想する。音のぶつかり合いや雅楽的な要素を柔軟に活用しつつ、機能和声の音楽の範囲で書かれている。刹那的な流れは縦横無尽で優れているが、全体的な構築感が薄くて物足りない。歌は短い時間であり、あくまで一時的な効果に留まっている。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC

團 伊玖磨（だん いくま、1924年〈大正13年〉4月7日 - 2001年〈平成13年〉5月17日）は、日本の作曲家、エッセイスト[1]。作曲家としてはオペラ、交響曲、歌曲などのいわゆるクラシック音楽のほか、童謡、映画音楽、放送音楽と幅広いジャンルの作曲を手がけた。「團伊玖麿」、「團伊玖摩」は誤表記。

人物・来歴

生い立ち
1924年（大正13年）、実業家、学者、政治家であった男爵・團伊能の子として、東京・四谷の慶應義塾大学病院で生まれ、原宿（現：渋谷区神宮前）で育つ。

7歳となった1931年（昭和6年）、青山師範学校附属小学校に入学し、ピアノを学び始めた。翌年3月、祖父・團琢磨が暗殺された（血盟団事件）ことで、幼心に物質的な栄達への疑問を抱くようになり、後に芸術を志す動機の一つとなった。当時、團という一字姓のため、しばしば「朝鮮人」「シナ人」と罵られたという（700年前の祖先の團将監は宋人だったと伝わる）[2] [3]。

1937年（昭和12年）、13歳で青山学院中学部に入学。また、同年には東京市麻布区材木町（現：港区六本木）に転居した。

1942年（昭和17年）、東京音楽学校（現：東京芸術大学音楽学部）作曲部に入学。学校では下総皖一に和声学と対位法、橋本國彦に近代和声学と管弦楽法、細川碧に楽式論を学んだ。また、学外では山田耕筰に指導を受けた。

20歳になった1944年（昭和19年）、音楽学校に在籍のまま陸軍戸山学校軍楽隊に入隊した。軍楽隊ではバスドラムを担当し、芥川也寸志とともに編曲も担当した。

翌年には復員して東京音楽学校を卒業し、諸井三郎に対位法、楽曲分析を学んだ。歌曲集『六つの子供の歌』、管弦楽付き独唱曲二つの抒情詩『村の歌』『小諸なる古城のほとり』を作曲した。

作曲家およびエッセイストとして

1946年（昭和21年） - 近衛秀麿に管弦楽法、指揮法を学ぶ。この年、『二つの抒情詩』（管弦楽付き独唱曲）で日本音楽連盟委嘱コンクールに入選。歌曲集『五つの断章』（北原白秋詩）を作曲。
1947年（昭和22年） - 歌曲『花の街』（江間章子詩）を作曲。
1948年（昭和23年） - NHK専属作曲家となる。
1949年（昭和24年） - 木下順二作品の民話劇『夕鶴』の演劇付帯音楽を作曲。
1950年（昭和25年） - 『交響曲第1番イ調』を作曲。NHK創立25年記念管弦楽曲募集コンクールにて特選入賞。歌曲集『美濃びとに』（北原白秋詩）を作曲。
1952年（昭和27年） - オペラ『夕鶴』大阪で初演[4]。北海道美幌農業高等学校校歌を作曲。
1953年（昭和28年） - 芥川也寸志、黛敏郎と「三人の会」を結成。
1954年（昭和29年） - 東宝映画専属音楽監督。
1955年（昭和30年） - オペラ『聴耳頭巾』大阪で初演[5]。
1958年（昭和33年） - オペラ『楊貴妃』（大佛次郎台本）初演（藤原歌劇団創立25周年記念東京公演）[6]。また慶應義塾創立百周年記念式典のために混声合唱と管弦楽のための「慶應義塾式典曲」（作詞：堀口大學）を作曲、NHK交響楽団を指揮初演（1968年再演）。
1959年（昭和34年） - 皇太子明仁親王と正田美智子の成婚を記念して『祝典行進曲』を作曲。
1964年（昭和39年） - 東京オリンピック開会式にて『オリンピック序曲』、『祝典行進曲』、閉会式にて『祝典行進曲』を演奏。エッセイ『パイプのけむり』の連載を雑誌「アサヒグラフ」にて始める。
1965年（昭和40年） - 『交響曲第5番』を作曲。
1966年（昭和41年） - 日本芸術院賞を受賞[7]。
1968年（昭和43年） - 『パイプのけむり』、『続パイプのけむり』で第19回読売文学賞（随筆・紀行）を受賞。『混声合唱組曲「筑後川」』を作曲。10月23日の告示により、鳥取県民歌制定委員会作詞、團伊玖磨作曲の鳥取県民歌「わきあがる力」が制定される。
1972年（昭和47年） - オペラ『ひかりごけ』（武田泰淳原作）初演（第15回大阪国際フェスティバル）[8]。
1973年（昭和48年） - 日本芸術院会員に就任する。
1975年（昭和50年） - オペラ『ちゃんちき』（水木洋子台本）東京で初演[9]。
1976年（昭和51年） - ソプラノ・ソロと管弦楽のための『長良川』（江間章子詩）を作曲。
1978年（昭和53年） - 合唱組曲『大阿蘇』（丸山豊詩）を作曲。
1982年（昭和57年） - 横須賀市制75周年記念事業の一環として、合唱と管弦楽のための組曲『横須賀』（栗原一登詩）を委嘱され作曲。
1983年（昭和58年） - ピアノ組曲『3つのノヴェレッテ』、合唱組曲『唐津』、独唱・混声合唱・オーボエ・ピアノのための組曲『木曽路』、子供の歌アルバム『道の子の歌』、ヴァイオリンとピアノのための『幻想曲第2番』等を作曲。
1985年（昭和60年） - 『交響曲第6番「HIROSHIMA」』を広島平和コンサートで初演。
1994年（平成6年） - オペラ『素戔嗚』初演（神奈川芸術フェスティバル）[10]。
1997年（平成9年）9月3日 - 急性心筋梗塞を起こし、約1か月間入院する[11]。オペラ『建・TAKERU』初演（東京・新国立劇場杮落し公演）[12]。
1999年（平成11年） - 文化功労者に列せられる。
2000年（平成12年）4月6日 - 妻の和子が急性心筋梗塞で急死[13]。「DAN YEAR 2000」開催。
2001年（平成13年）5月17日 - 日本中国文化交流協会主催の親善旅行で中国旅行中に心不全を起こし、江蘇省蘇州市の病院で死去した。77歳没。戒名は「鳳響院殿常楽伊玖磨大居士」。

逸話

伊玖磨が12歳の時、作曲を志す息子の将来を案じた父伊能が伊玖磨を伴い山田耕筰を訪れ、耕筰に作曲の道が険しいことを説いてもらって断念させようとした。ところが、耕筰は、「やり給え、そして、やるからには、最も正統的な勉強を積んで、最も本格的にやり給え」と激励した[14]。このことで、伊玖磨は作曲の道で生きていく決意を固めた。また、生涯耕筰を師と仰ぐことになった。
商業主義に伴う宣伝を激しく嫌っていた。特にダイレクトメールは新字体による「団伊玖磨」の宛名書きで来る場合が多く、この表記による郵便物を（ダイレクトメールに限らず）一切開封せずに捨てていた[15]。また、後年「僕の名前は團であって団ではないのだから、他人宛ての手紙は読んでは悪かろうと遠慮するからである」と捨てる理由を説明している[16]。
たびたび訪中したが、團という字に中国語で卑猥な意味があるため[要出典]、北京では「檀か段に直してください。團では困る」「あなたの名刺は、女の人には見せられません」と言われた。中国で野間宏の『真空地帯』が映画化された際にも、「音楽 段伊玖磨」と直された。
先天色覚異常を持っており、小学生の頃に写生の時間に赤い花を緑に描いて教師から激しく叱責されたことがある[17]。また東京音楽学校の入試に際して、担当の校医が美術学校の入試をも受け持っていたため、色覚異常の故に危うく落とされそうになったが、團の懇願で入学が許されたこともある。色覚異常者への差別に憤り、日本色盲協会の結成を考えたとも述べている。

大のイヌ嫌いであり、無駄に吠えるイヌには、それがたとえ友人の飼い犬でも容赦せず体罰を加えた。タロとジロを題材としたラジオドラマの音楽の仕事を断った旨を『パイプのけむり』で言及している。好きな動物はヘビで、自宅で飼育していた大蛇が息子の喉に咬みついて大怪我をさせたこともある。[要出典]
戦後まもなく、太宰治の作品を愛読していたため、友人の北山冬一郎（詩人）の紹介で太宰に会う話が持ち上がった。しかし、ダンという苗字から檀一雄を連想した太宰が「ダンという名前なら大酒飲みだろう」と言ったところ、北山が「いや、実は一滴も飲めないんです」と答えたため、太宰が「酒も飲めない奴なんかに用はない」と断った。そのため、とうとう太宰に会うことができなかった。[要出典]
エッセイ「パイプのけむり」は1964年に『アサヒグラフ』で連載を始め、2000年に同誌が休刊するまで連載を続けていた。最終回では「自分が死ぬのが先か雑誌が休刊するのが先か」どっちなのだろうと予想していたと書いている。結局、雑誌休刊の翌年に死去する。
團は生前九州を愛したのだが、それは父が福岡の民放KBCの会長を務め、妹がブリヂストンの創業者一族に嫁いだこととも関係する。実はどちらも久留米市で産声を上げた企業であり、そのことが『筑後川』作曲につながっていったとも考えられる。2007年1月20日、團死亡の地・蘇州で、七回忌記念『筑後川』コンサートが開かれ、日本から参加したアマチュア合唱団員200人が、『筑後川』を歌い上げた。
愛煙家で、パイプを好んだ。1950年代、イギリスに留学していた團は、英語の勉強のために、当時ベストセラーだった「野生のエルザ」をはじめ、いくつかの書物の翻訳をしていた。その中には、パイプの修理に立ち寄ったダンヒル本店で見つけた、アルフレッド・H・ダンヒルの“The gentle art of smoking"（日本語タイトル「ダンヒルたばこ紳士」）がある。
小説も著したことがある。「日向村物語」は映画「馬鹿が戦車でやって来る」などの「馬鹿シリーズ」の原案となり、この作品では團自身が原作者としてクレジットされる他にも劇伴音楽を担当している。
オペラ「聴耳頭巾」の自筆総譜は、一旦紛失したが、1978年2月に発見された。総譜の書かれた五線紙は、山田耕筰のネーム入りで、晩年の山田から團が譲り受けたものであった[18]。
1992年5月4日に関勉が発見した小惑星17509番は、発見者によって「Ikumadan」と命名されている。
北海道美幌町に疎開していた音楽評論家の藁科雅美（毎日放送の音楽ディレクター、訳書「バーンスタイン物語」）が鎌倉市に移住して、すぐ近所に住んでいた團に「美幌農業高校校歌」作曲を依頼した。その後、團は、東京で病に苦しんでいた武満徹（1953年「美幌町町歌」作曲）に自宅を提供して横須賀市に移住した。
1963年に八丈島に仕事場を建て[19]、しばしば作曲のために長期滞在したが、そこでの趣味は京野菜の栽培。テレビでのインタビューでは「京野菜が栽培できる南限を探っている」と応えた。
自身作曲の童謡『ぞうさん』が低俗な歌詞をもって歌わされていたことに腹を立てていた[20]。

家族・親族
祖父の團琢磨は三井合名会社理事長、男爵[21]。父の團伊能も男爵であり、東京帝国大学文学部美術史学科助教授、参議院議員、プリンス自動車工業（現：日産自動車）社長、九州朝日放送会長を歴任[21]。母の美智子は宮内省大膳頭を務めた上野季三郎の五女[22][23]。妹の朗子はブリヂストンタイヤ（現：ブリヂストン）会長石橋幹一郎に嫁いだ[21]（元内閣総理大臣の鳩山一郎・鳩山由紀夫も遠縁の親戚となった）。最初の妻桑原瑛子（ソプラノ歌手）との間に生まれた長男團名保紀は西洋美術史家で群馬大学教授[21]。二番目の妻藤枝和子（ピアニスト）との間に生まれた二男團紀彦は建築家[21]。叔父の團勝磨はウニの発生研究を大成した発生学者で、元東京都立大学 (1949-2011)総長[21]。孫の團遥香は女優・タレント[24][25]。

作品
ここでは主要作品のみにとどめる。括弧内の人物は特に断りのない限り、作詞者を示す。

歌劇
「夕鶴」（全幕/作：木下順二）
「聴耳頭巾」（3幕/作：木下順二）
「楊貴妃」（3幕5場/原作：大佛次郎）
「ひかりごけ」（2幕/原作：武田泰淳）
「ちゃんちき」（2幕4場/脚本：水木洋子） (第16回佐川吉男音楽賞を受賞)
「素戔嗚」（3幕4場/原作：古事記・日本書紀、脚本：團伊玖磨）
「建・TAKERU」（3幕/原作：古事記・日本書紀、脚本：團伊玖磨・小田健也）

交響曲
交響曲第1番 イ調
交響曲第2番 変ロ調
交響曲第3番
交響曲第4番
交響曲第5番
交響曲第6番「HIROSHIMA」（エドマンド・チャールズ・ブランデン）
交響曲第7番「邪宗門」（未完）
北原白秋の「邪宗門」をテキストに用いて作曲を開始したが、2001年に團が蘇州で急死したのに伴い未完に終わった。構想では2管編成で各楽章に声楽が入り、團が存命であれば2002年の秋に初演するはずであった。

管弦楽作品
交響詩「平和来」（後に「挽歌」と改名）
ブルレスケ風交響曲
管弦楽組曲「シルクロード」
交響組曲「アラビア紀行」
序曲「東京オリンピック」
管弦楽のための「祝典序曲」
「日本からの手紙第1番」
「日本からの手紙第2番」
「日本からの手紙第3番」
「シンフォニエッタ」（小交響曲）
ヴァイオリンと管弦楽のためのファンタジア第1番
管弦楽のための「高梁川」
管弦楽のための「夜」
ヴァイオリンと管弦楽のためのファンタジア第2番
交響幻想曲「万里長城」
管弦楽のための「飛天」
管弦楽のための「祝典曲」
管弦楽のための「飛天繚乱」

室内楽曲
弦楽合奏曲「合奏協奏曲」
ヴァイオリンとピアノのためのファンタジア第1番
フルート三重奏曲
ベルリン・シンフォニーの12人のセロのための「夜」
ピアノ組曲「3つのノヴェレッテ」
ヴァイオリンとピアノのためのファンタジア第2番
12本のフルートのための「夕鶴」幻想曲
ヴァイオリンとピアノのためのファンタジア第3番
フルートとピアノのための「ソナタ」
2つのソロ・ヴァイオリンと弦楽合奏のための「古雅なるファンタジア」
フルート・オーケストラのための「NOCTURNE ET DANCE」
4本のファゴットのための「ソナタ」
ヴァイオリンとピアノのためのソナタ
フルートとハープのための「羽衣」
篠笛とチェロのための「夜の対話」
ヴァイオリン・デュエット「Conguratulations for Mr. & Mrs. Toshiya Etoh」
ヴァイオリンとチェロのための対話
無伴奏チェロ・ソナタ
無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第1番
無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第2番
トロンボーンとハープのための「Three Letters」
ソロ・ヴァイオリンとカルテットのための2章「黒」と「黄」（遺作）

歌曲
六つの子供のうた（北原白秋）
五つの断章（北原白秋）
花の街（江間章子）
わがうた（北山冬一郎）
萩原朔太郎に依る四つの詩
美濃びとに（北原白秋）
旅上（萩原朔太郎）
はる（谷川俊太郎）
抒情歌（大木実）
三つの小唄（北原白秋）
ジャン・コクトーに依る八つの詩（堀口大學訳）
マレー乙女の歌へる（イヴァン・ゴル;堀口大學訳）

合唱曲
作曲年については、外部リンク先「團伊玖磨ノート」、「團伊玖磨全仕事」、雑誌「ハーモニー」（全日本合唱連盟）108号（1999年春号）所収「團伊玖磨 作品リスト」それぞれで異なっていることがある。その場合、原則的には「ハーモニー」のリストに従っている。

混声合唱「わすれなぐさ」（1945年 ヴィルヘルム・アレント;上田敏訳）
二隊の女声合唱と小管弦楽のための「詩篇歌」（1950年）
混声合唱曲「二つの碑銘」（1952年 原民喜、西田幾太郎）
混声合唱曲「岬の墓」（1963年 堀田善衛）
合唱組曲「風に生きる」（1957年/1964年 石浜恒夫）
混声合唱組曲「筑後川」（1968年 丸山豊）
混声合唱のための「ディヴェルティメント」（1968年 谷川俊太郎）
管弦楽と合唱のための「西海讃歌」（1969年 藤浦洸）
混声合唱「海を探しに行こう」（1969年 辻井喬）
合唱と管弦楽のための「日本新頌」（1970年 堀口大學）
混声合唱組曲「海上の道」（1973年 丸山豊）
合唱と管弦楽のための交響詩「ながさき」（1974年 江間章子）
浄土宗「音楽法要連頌」（1974年 藪田義雄）
混声合唱と打楽器とピアノのための「原體剣舞連」（1975年 宮沢賢治）
天理教交声曲「元の理」（1975年）
混声合唱「西海ラプソディー」（1977年 堀口大學）
合唱と管弦楽のための「北九州」（1977年 栗原一登、一般的に「合唱組曲『北九州』」と呼ばれることが多い）
混声合唱組曲「大阿蘇」（1978年 丸山豊）
合唱と管弦楽による交響詩「伊万里」（1978年 片岡繁雄）
混声合唱組曲「北の大地」（1979年 小野寺与吉）
慮遮邦仏（大佛）賛歌（1980年 堀口大學）
合唱と管弦楽のための「横須賀」（1982年 栗原一登）
合唱と管弦楽のための「唐津」（1982年 栗原一登）
女声合唱とハープ5台のための「奈良・壺坂寺印度渡来大観音開眼音楽」（1983年 常磐勝憲）
独唱、混声合唱、オーボエ、ピアノのための組曲「木曽路」（1983年 辻井喬）
混声合唱組曲「玄海」（1984年 丸山豊）
独唱・混声合唱・クラリネット・ピアノのための組曲「紀州路」（1984年 辻井喬）
女声合唱とピアノのための「燕の歌」（1985年 ガブリエーレ・ダヌンツィオ;上田敏訳）
天理教交声曲「ひながたの道」（1985年 中山もと）
独唱・混声合唱・フルート・ピアノのための組曲「長崎街道」（1986年 辻井喬）
合唱と管弦楽のための「東洋大学創立百年記念楽曲“讃えんかな東洋大学”」（1987年 栗原一登）
ソプラノ・ソロ、女声合唱、2台のピアノのための「巴里小曲集」（1987年 西條八十）
混声合唱組曲「筑後風土記」（1989年 栗原一登）
合唱と吹奏楽のための「東京歯科大学創立百周年記念讃歌“築かん明日を”」（1990年 栗原一登）
混声合唱組曲「川のほとりで」（1990年 江間章子）

吹奏楽
ブリヂストン・マーチ（1955年）
祝典行進曲（1959年）
行進曲「ビア・フェスティバル」（1962年）
オリンピック序曲（1964年）
キスカ・マーチ〜東宝映画「太平洋奇跡の作戦 キスカ」より（1965年）
行進曲「青年」〜東宝映画「戦場にながれる歌」より（1965年）
JASDF March <航空自衛隊行進曲>（1968年）
若楠国体行進曲［序曲付き］〜第31回国民体育大会佐賀県実行委員会制定（1974年）
行進曲「伸び行く佐賀」（1974年）
吹奏楽のための「奏鳴曲（ソナタ）」（1976年）
行進曲「べっぷ」〜別大毎日マラソン25回記念 <マラソン行進曲>（1976年）
ブラスオーケストラのための組曲「行列幻想」（1977年）
行進曲「海の若者（わこうど）」（1978年）
行進曲「京都府の歌」（1984年）
行進曲「マツダ」（1984年）
行進曲「希望」〜全日本吹奏楽連盟創立50周年記念曲（1987年）
パシフィック・フリート <太平洋艦隊>（1988年）
福岡国体行進曲（1990年）
新・祝典行進曲（1993年）
組曲「わが街に」より“前奏曲”（1994年）
機動隊行進曲「希望のあしおと」（1998年）
March Tanabata（2000年）
March “YOKOSUKA”

映画音楽・放送音楽
ラジオ体操第2（3代目）（NHK）
大仏開眼（衣笠貞之助監督）
夫婦善哉（豊田四郎監督）
雪国（豊田四郎監督）
ここに泉あり（今井正監督）
潜水艦イ-57降伏せず（松林宗恵監督）
ハワイ・ミッドウェイ大海空戦 太平洋の嵐（松林宗恵監督）
太平洋の翼（松林宗恵監督）
世界大戦争（松林宗恵監督）
台所太平記（豊田四郎監督）
太平洋奇跡の作戦 キスカ（丸山誠治監督）
馬鹿が戦車でやって来る（原作および音楽、山田洋次監督）

童謡
おつかいありさん（関根栄一）
ぞうさん（まど・みちお）
やぎさんゆうびん（まど・みちお）
カタツムリ（文部省唱歌）

校歌・学歌・その他
「團伊玖磨の楽曲一覧#校歌・自治体歌」を参照

著作

現代音楽に関する3人の意見（中央公論社 1956年）
朝の国 夜の国 世界音楽紀行（中央公論社 1957年）
エスカルゴの歌（文化服装学院出版局 1964年）
不心得12楽章 ぼくの女性へのアドバイス（文化服装学院出版局 1964年）
パイプのけむり（朝日新聞社（1965年 - 2001年、全27巻）
ダンヒルたばこ紳士 (The Gentle Art of Smoking)（翻訳書、アルフレッド・H・ダンヒル著 朝日新聞社 1967年）
かんう゜ぁせいしょん・たいむ 團伊玖磨音楽的対話集 （音楽之友社 1969年）
大佛次郎、石田博英、新珠三千代、横山隆一、黒柳徹子、池田弥三郎、藤間紫、海老原喜之助、藤山愛一郎、加山雄三、村山未知、岡本太郎、安達瞳子、朝倉攝、有吉佐和子、三笠宮崇仁親王、渡辺紳一郎、堀田善衛
九つの空（朝日新聞社 1971年）
毒ヘビは急がない（対談集 読売新聞社 1973年）
遠藤周作、桐島洋子、羽仁五郎、岸恵子、檀一雄、渥美清、水谷八重子、田辺茂一、栗原小巻、河原崎長十郎、宮沢俊一、開高健、大沢市助、森英恵、田中真紀子、横井庄一、山口瞳、奥野英樹、黒柳徹子、今日出海、淡島千景
さしたる用事はなけれども （対談集 読売新聞社 1973年）
高峰三枝子、武蔵川喜偉、宮本正、金田一春彦、丸谷金保、畑正憲、大竹省二、鰐淵晴子、武田泰淳、芥川也寸志、酒井美意子、小山内宏、浅利慶太、河野洋平、ディック・ミネ、大町北造、サトウサンペイ、井上ひさし、小笠原英法
僕のハロー・グッドバイ（朝日新聞社 1973年）
團さんの談話室 もっと自由でなくちゃ（集英社 1974年）
日本音楽の再発見（講談社現代新書 1976年）
舌の上の散歩道（朝日新聞社 1976年）
朝日小事典 オーケストラ（朝日新聞社 1977年）
好きな歌・嫌いな歌（読売新聞社 1977年）
音楽の小径（読売新聞社 1978年）
八丈多与里（朝日新聞社 1979年）
宴のおもいで（対談集 講談社 1983年）
松山善三／山脇・馬・ヘレン、堀口大學／高橋すみれ子、楊為夫／陳文シ、中里恒子／堤清二、飯田深雪／土井勝／飯田倫子、近藤啓太郎／壇ふみ、佐久間良子／大空真弓、朝倉摂／朝倉響子、武満徹／園田高弘、庄司薫／中村紘子
ひととしごととたべものと 團伊玖磨と語る17人（味の素マイファミリーBooks 1983年）
大塚末子、石毛直道、酒井佐和子、末廣恭雄、越路吹雪、中川志郎、斎藤輝子、落合靖一、早川良雄、森山サチ子、向田邦子、中村喜三雄、大山のぶ代、佐伯義勝、宮平初子、笠原信松、湯沢きよみ
音楽の旅はるか（全3巻 日本交通公社 1983年、1984年、1986年）
追跡 ムソルグスキー『展覧会の絵』（日本放送出版協会 1992年）
NHK人間大学 日本人と西洋音楽−異文化との出会い−（日本放送出版協会 1997年）
私の日本音楽史（NHKライブラリー 1999年）
講演CD「音楽と生活」（収録1989年 NHK 2000年）
青空の音を聞いた 團伊玖磨自伝（日本経済新聞社 2002年）
日向村物語
陸軍軍楽隊始末記

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%9C%98%E4%BC%8A%E7%8E%96%E7%A3%A8
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/758.html

[近代史6] 團 伊玖磨 交響曲 第5番
團 伊玖磨 交響曲 第5番

Ikuma Dan: Symphony No. 5, "Suruga" (1965)

I. Andante sostenuto - Allegro moderato 16:17
II. Scherzo (Allegro vivo) 9:06
III. Ten Variations on an Old-Fashioned Theme 15:00

Vienna Symphony Orchestra
Ikuma Dan, conducting
Recorded: June, 1988

▲△▽▼

團伊玖磨の交響曲第5番は、作曲者の番号付き交響曲のうち5番目の作品。交響曲第4番と作曲期間が重なっており、初演もほぼ同時期に行われている。

作曲の経緯
1965年1月に着手。同年9月25日、葉山にて完成。

初演
1965年10月19日。團伊玖磨指揮、読売日本交響楽団。沼津市公会堂に於いて。

楽器編成
ピッコロ、フルート2、オーボエ2、イングリッシュ・ホルン、クラリネット2、バス・クラリネット、ファゴット2、コントラファゴット、ホルン6、トランペット3、トロンボーン4、テューバ、ティンパニ、トライアングル、タンバリン、小太鼓、シンバル、大太鼓、チューブラーベル、グロッケンシュピール、ハープ、弦五部（第1ヴァイオリン、第2ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス）

構成
演奏時間は約40分。

第1楽章 アンダンテ・ソステヌート ― アレグロ・モデラート
自由なソナタ形式。ユニークな序奏は、弦楽四重奏と弦楽合奏との対話によって進められる。

第2楽章 スケルツォ（アレグロ・ヴィーヴォ）
ゲネラルパウゼが効果的に使用されている。

第3楽章 古風な主題による10の変奏曲
主題はアンダンテ・カンタービレで、16小節にわたってクラリネット（一部オーボエに受け継がれる）により奏される。第7変奏では第1楽章冒頭を思わせる弦楽四重奏により前半が奏される。第10変奏で拍子を激変させ、そのままクライマックスを築く。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2%E7%AC%AC5%E7%95%AA_(%E5%9C%98%E4%BC%8A%E7%8E%96%E7%A3%A8)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/759.html

[近代史6] 橋本 國彦（はしもと くにひこ、1904 - 1949）
橋本 國彦（はしもと くにひこ、1904 - 1949）

交響曲第1番ニ調（1940年）
2.5点
2楽章が面白い。うーんと引き込まれる。他の楽章もわかりやすさの中に凡庸を拒否しており、はしばしにセンスの良さを感じる。

交響曲第2番ヘ調（1947年）
3.3点
2楽章制。1楽章はかなり気に入った。淀みなく進行する音楽がなんとも気持ちいい。品格があり、シベリウスのような豊かな自然と戦争が終わった人類の過去の歴史と未来を思料するような大いなる気分が混ざっていて、胸がいっぱいになるものがある。旋律の一つ一つは平凡だが、交響曲として複雑に組み上げられた結果として意味のあるパーツになっている。20分の大曲だが、もっと聴いていたいくらいだ。2楽章は残念ながらあまりいい曲とは思えない。ピンとこないまま曲が終わってしまう。1楽章がリバイバルするような最後の場面だけ気に入った。

3つの和讃
2.8点
和の心と祈りを多分に含みつつ、マーラー的なしなやかな情感を持った曲。切れ味がよくないのは気になるものの、真摯さと明確な作曲意図があり好意的に聴ける。しかし、一流の音楽というには平凡であることも否めない。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC

橋本 國彦（はしもと くにひこ、Qunihico Hashimoto、1904年9月14日 - 1949年5月6日）は、日本の作曲家、ヴァイオリニスト、指揮者、音楽教育者[1]。

経歴
東京都本郷生まれ。ヴァイオリンを辻吉之助に師事。北野中学校（現：大阪府立北野高等学校）を経て、1923年（大正12年）東京音楽学校（現：東京芸術大学）入学。安藤幸とヨゼフ・ケーニヒにヴァイオリンを、チャーレス・ラウトロプに指揮法を学ぶ[2]。作曲は信時潔に指導を受けるもほとんど独学であったが、同校研究科で作曲を学ぶ。歌曲『お菓子と娘』『黴』などで作曲家としての名声を獲得。斬新な曲を作る一方ではポピュラーなCM曲や歌謡曲にも手を染めた。なお、この頃ヴァイオリンを教えた弟子に朝比奈隆がいる。

こうして日本の有望な若手作曲家となった橋本は、文部省の命により1934年（昭和9年）から1937年（昭和12年）の間、ウィーンに留学する。エゴン・ヴェレスに師事。アルバン・ベルクの歌劇『ヴォツェック』上演に接したり、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーやブルーノ・ワルターの演奏を聞く。帰国途中に寄ったロサンゼルスではアルノルト・シェーンベルクに師事するなど、積極的に新しい音楽を学んだ。帰国後は日本洋楽界きってのモダニストとして、作曲家・編曲家として活躍。教師としても優れており、1933年（昭和8年）母校の教授に就任。門下には、矢代秋雄を筆頭に芥川也寸志、團伊玖磨、黛敏郎らがいる。1940年代前半には、『学徒進軍歌』『勝ち抜く僕等少国民』などの軍国歌謡や、皇紀2600年奉祝曲の「交響曲第1番ニ調」を作曲した。また十二音技法による創作を試みたりした。

戦後は戦時下の行動の責任を取って母校を辞し、『朝はどこから』などの歌謡曲や、戦火に倒れた人々を追悼するために独唱と管弦楽のための『三つの和讃』、日本国憲法の公布を祝う『交響曲第2番』などを発表した。1949年、胃癌のため44歳で鎌倉にて逝去した。

レコード録音
日本ビクターの専属アーティストとして、自作を指揮した自作自演録音や、ヴァイオリン奏者としてのソロ・伴奏録音を大量に遺している。1943年5月13日、日本人として初めてベートーヴェンの第九（第四楽章のみ）を指揮して商業録音した。尾崎喜八による日本語訳詞で、同年11月新譜として10月に《歓喜の頌》と銘打って発売され、年末のラジオ放送でも使用された。指揮者以外のメンバーは、香山淑子（ソプラノ）、四家文子（アルト）、木下保（テノール）、藤井典明（バス）、国立音楽学校合唱団、玉川学園合唱団、東京交響楽団（現：東京フィルハーモニー交響楽団）である。

他に、日本コロムビアに東京音楽学校のオケ・合唱団を指揮した自作のカンタータ『皇太子殿下御誕生奉祝歌』と、皇紀2600年奉祝曲としてハンガリーのヴェレッシュ・シャーンドルが日本に捧げた交響曲第1番（オケは紀元二千六百年奉祝交響楽団）を指揮して録音している。

代表作

管弦楽曲
交響曲第1番ニ調（1940年）
交響曲第2番ヘ調（1947年）
バレエ音楽『香の踊』（1925年）
スケルツォ（1926年）
バレエ音楽『ヒドランゲヤ・オタクサ』（1927年）
バレエ音楽『幻術師ヤーヤ』（1927年）
感傷的諧謔（1928年）
バレエ音楽『吉田御殿』（1931年）
バレエ音楽『天女と漁夫』（1932年）
満洲大行進曲（1942年）

吹奏楽曲
行進曲『若人よ！』（1937年）
行進曲『興亜』（1943年以前）

室内楽曲
ヴァイオリンとチェロのための『四分音による習作』（1930年）

ピアノ曲
『おばあさん』（1925年）
『行進曲ヘ調』（1927年）
『タンスマニズム』（1933年）
『三枚繪』（『雨の道』『踊り子の稽古帰り』『夜曲』の3曲）（1934年）
『をどり』（1934年）
NHKラジオ体操第3（1946年、2代目）

合唱曲
カンタータ『皇太子殿下御生誕奉祝歌』（1934年）
音楽詩曲『光華門』(1939年、詩：中勘助）
交声曲『英霊讃歌』（1943年、詩：乗杉嘉壽）

歌曲
『垣の壊れ』（1925年、詩：北原白秋）
『なやましき晩夏の日に』（1925年、詩：北原白秋）
『巴里の雪』（1925年、詩：西條八十）
『薊の花』（1928年、詩：北原白秋）
『お菓子と娘』（1928年、詩：西條八十）
『城ヶ島の雨』（1928年、詩：北原白秋）
『斑猫（はんみょう）』（1928年、詩：深尾須磨子）
『黴（かび）』（1928年、詩：深尾須磨子）
『笛吹き女』（1928年、詩：深尾須磨子）
『あぶくなら』（1929年、詩：浜田広介）
『親芋子芋』（1929年、詩：浜田広介）
『お六娘』（1929年、詩：林柳波）
『旅役者』（1929年、詩：北原白秋）
『百姓唄』（1929年、詩：北原白秋）
『富士山見たら』（1929年、詩：久保田宵二）
『舞』（1929年、詩：深尾須磨子）
『田植唄』（1930年、詩：林柳波）
『幌馬車』（1931年、詩：西條八十）
『スキーの歌』（1932年、詩：林柳波、新訂尋常小学唱歌）
『ぼろぼろな駝鳥』（1933年、詩：高村光太郎）
『羽衣』（1941年、詩：林柳波）
『四季の組曲』（1945年、詩：深尾須磨子）
『三つの和讃』（1948年）

歌謡曲など
『ラヂオ小唄』（1930年、詩：西條八十）
『日活オンパレードの歌』（1931年、詩：柴山晴美）
『廟行鎮決死隊の歌』（1932年、詩：佐伯孝夫）
『大大阪地下鉄行進曲』（1933年、詩：平塚米次郎）
『チェリオ!』（1934年、詩：佐伯孝夫）
『母の歌』（1937年、詩：板谷節子）
『大日本の歌』（1938年、詩：芳賀秀次郎）
『國民協和の歌』（1941年、詩：大政翼賛会）
『大東亜戦争海軍の歌』（1942年、詩：河西新太郎）
『学徒進軍歌』（1944年、詩：西條八十）
『戦ふ花』（1944年、詩：深尾須磨子）
『勝ち抜く僕等少国民』（1945年、詩：上村数馬）
『朝はどこから』（1946年、詩：森まさる、NHKラジオ歌謡）
『アカシヤの花』（1948年、詩：松阪直美、NHKラジオ歌謡、遺作）

弟子

芥川也寸志
朝比奈隆
岩井直溥
大中恩
奥村一
河辺浩市
清水脩
高橋悠治
團伊玖磨
畑中良輔
黛敏郎
矢代秋雄
吉田隆子

その他
日本人作曲家としてはめずらしく広辞苑にも記載されている。
高倉健の1965年の大ヒット曲『網走番外地』は、橋本がペンネームの足利龍之助で作曲した1931年公開の日活映画『レビューの踊子』の主題歌が原曲とされる[3]。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%A9%8B%E6%9C%AC%E5%9C%8B%E5%BD%A6
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/760.html

[近代史6] 橋本國彦 交響曲第2番
橋本 國彦 交響曲第2番

Kunihiko Hashimoto: Symphony No 2 in F "Celebration Symphony" (1947)

Conductor: Takuo Yuasa
Orchestra: Tokyo Geidai Philharmonia

I. Allegro Moderato (0:00)
II. Finale (15:08)

▲△▽▼

交響曲第2番は、1947年に橋本國彦が新憲法施行記念祝賀会のために作曲した2楽章から成る交響曲。別名「祝典交響曲（ヘ長調）」[1]。

作曲の経緯
1946年、母校東京音楽学校（現在の東京芸術大学音楽学部）教授の職を辞した橋本が、同年発足した憲法普及会の委嘱を受けて書いた。普及会は日本国憲法施行を記念する音楽の作成を委嘱するに当たって「終戦後低迷を続けている音楽界に対し初めて本格的な管弦楽曲創作の動機を提供するという文化的意義と共に、日本現代音楽の水準を世界に示すという国際的な役割をも果たすことになる」[2]との認識に立っていた。普及会は橋本のほか、小宮豊隆（東京音楽学校校長）、信時潔（同校作曲科講師）、長谷川良夫（同教授、橋本の後任）と協議し、交響曲を橋本が、カンタータ（「偉おおいなる朝」）を長谷川が、国民歌（「われらの日本」）を信時が作ることとした。

自筆譜によると1947年3月4日から4月16日にかけての短期間に、鎌倉極楽寺の自邸で作曲された。草稿が少なくとも3種あり、戦中にさかのぼる構想をこの機会にまとめたものとみられる。草稿からはスケッチの後にピアノ譜を作り、オーケストレーションを行うという手順をとったことが分かるという[3]。

初演と録音
本作品は、1947年5月3日15時から東京・帝国劇場で開かれた「新憲法施行記念祝賀会」における最初の演目として、橋本自らが指揮し東宝交響楽団（現在の東京交響楽団）により初演された。この模様はラジオで全国に中継放送されたほか、NBCがアメリカ向け放送の番組に選んだ。本作品はその後数回演奏された後、長く忘れられることとなった。

2001年ごろ名古屋フィルハーモニー交響楽団（名フィル）のコントラバス奏者・岡崎隆が東京の日本近代音楽館で自筆譜のマイクロフィルムを見つけ、名フィルに来る指揮者たちに本作品を紹介した[4][5]。その中に湯浅卓雄がおり、湯浅の指揮による藝大フィルハーモニアの演奏でCDが発売されることとなった。2011年2月東京芸術大学奏楽堂で録音され、同年11月に発売された（Naxos Japan『日本作曲家選輯 橋本國彦：交響曲第2番／三つの和讃／感傷的諧謔』8.572869J）。世界初CD化を謳い、2011年度文化庁芸術祭に参加した。

楽曲
橋本は新憲法施行祝賀会プログラムで「この曲は平和の喜びの歌と舞踏と行進を、ソナタ形式と變奏形式とによって表現されてゐる。樂曲は各樂章に一貫した同一主題が使用されて居り行進の最後の頂點に於て、動機による平和の鐘が打鳴らされ、歡喜の中に結ばれる」[1]と解説している。

楽器編成
ピッコロ1、フルート3、オーボエ2、イングリッシュ・ホルン1、クラリネット3、バス・クラリネット1、ファゴット2、コントラファゴット1、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、テューバ1、ティンパニ1、打楽器（シンバル、小太鼓、大太鼓、トライアングル、チューブラベル）、ハープ、弦楽5部（6–5–4–4–3プルト）

楽曲構成
二つの楽章から成る。演奏時間は34分ほど。

第1楽章
アレグロ・モデラート ヘ長調 3/4拍子。全551小節。
ソナタ形式
第2楽章
アッラ・マルチア ヘ長調 4/4拍子。全374小節。
変奏形式

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2%E7%AC%AC2%E7%95%AA_(%E6%A9%8B%E6%9C%AC%E5%9C%8B%E5%BD%A6)

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[近代史6] 冥王星の発見から91年。科学者の想像をかき立てた幻の｢第9惑星｣が準惑星に転じるまで
冥王星の発見から91年。科学者の想像をかき立てた幻の｢第9惑星｣が準惑星に転じるまで
2021.10.03
https://www.gizmodo.jp/2021/10/how-pluto-became-a-dwarf-planet.html

author Isaac Schultz - Gizmodo US［原文］（ 山田ちとら ）

幻の第9惑星に魅せられて。

かつて、太陽系の惑星は6つしかないと考えられていました。土星みたいな巨大ガス惑星は、夜空にひときわ明るく輝くので肉眼でも見られます。でも土星軌道より外側にそんな明るい星は見当たらないどころか、地球からあまりにも遠く離れているので、科学の力に頼るほか発見の手段はありませんでした。

9番目の惑星
人類が望遠鏡で見つけた最初の惑星は天王星でした。1781年、イギリスの天文家・ハーシェルが自作の反射望遠鏡を使って発見し、太陽系の領域をぐっと押し広げました。さらに興味深いことに、天王星の観測された位置が軌道計算から予想される位置とズレていたため、天王星の軌道に影響を及ぼしている未知の惑星の存在が期待されるようになりました。

この期待どおりに海王星が発見されたのは1846年のこと。そして、海王星よりさらに遠くに冥王星が発見されたのは1930年のことでした。

惑星から準惑星へ
若干24歳だったアメリカの天文学者・トンボーが発見した冥王星は、太陽系の9番目の惑星と認定されました。しかし、後に質量が地球のたった0.2%しかないことがわかり、さらには同じぐらいの質量を持った太陽系外縁天体がどんどん見つかるにつれ、惑星としての立ち位置が危ぶまれていきます。そしてついには2006年国際天文学連合で｢準惑星（dwarf planet）｣に降格され、第9惑星の座を奪われることとなりました。

でも、惑星かどうかなんて知ったこっちゃないってぐらいに、冥王星は人々の好奇心と想像力をかき立ててきました。

ハッブルが捉えたおぼろげな姿

なにしろ地球から冥王星までの距離は最短でもざっと42億キロメートル。そんなに遠くから月より小さな天体の姿を捉えるのは容易ではありません。

こちらは1998年にハッブル宇宙望遠鏡の微光天体カメラが捉えた冥王星の姿（左上）ですが、モザイクがかけられたみたいにボヤけて見えます。中央のつるんとした球体は画像処理を施したイメージ図で、それぞれ冥王星の半球を捉えています。

衛星の存在が明らかに

こちらは同じくハッブル宇宙望遠鏡が2005年に捉えた画像です。右下に輝いているのは衛星の中で一番大きいカロンで、直径は冥王星の半分ほど。冥王星が発見されてから40年も経った1978年に発見されました。

そして、衛星カロンから少し離れて小さく輝いているのが衛星ニクスと衛星ヒドラです。この画像と前後して発見されたばかりだったニクスとヒドラは、 NASAによれば冥王星より5,000倍ほど暗く、冥王星までの距離もカロンに比べて3倍以上。どうりでなかなか見つからなかったわけです。なお、この時点ではまだ衛星スティクスと衛星ケルベロスは発見されていませんでした。

太陽系に残された最後のフロンティア
冥王星は、一体どんな姿をしてるんだろう？

遠すぎておぼろげにしか見えない天体の様子を、人々は科学的データを頼りにあれこれ想像してきました。

こちらの2009年のイメージ画には、隕石が衝突した痕と思われれるクレーターが無数に描かれているほか、大気の様子も表現されています。冥王星に大気の存在が確認されたのは1998年のこと。非常に薄いながらも太陽に近づくにつれて凍っていたガスが昇華し、膨らむことがわかっています。

地平線近くに見えているのは衛星カロン。地球の月と同じように、公転と自転の周期が一致しているのでいつも同じ面を冥王星に向けています。冷たい光を反射しているのは、メタンの氷塊です。冥王星の表面は主に氷と岩石からできていて、温度はマイナス220℃。気圧は地球の1000万分の1しかありません。

荒涼とした世界

こちらは2015年に描かれたもの。空にうっすらと浮かんでいるのが衛星カロンで、そのはるかかなたに太陽が覗いています。

それまでのハッブル宇宙望遠鏡の観測から、冥王星の表面には窒素、一酸化炭素とメタンの氷があることがわかっていました。また、3,000メートル級の山々が連なっているとも考えられていました。

こちらも同じく2015年に描かれたイメージ画。隕石の衝突によって表面に無数の凸凹ができています。左上に見えているのが衛星カロンです。

冥王星の探査
奇しくも、この年にNASAの探査機ニュー・ホライズンズが冥王星に到達し、至近距離からの観測に成功しました。これまでは想像の世界でしか表現できなかった冥王星の地形や色彩が、一気にディテールを帯びて私たちの目に迫ってきたのです。

こちらがリアル冥王星の姿。ニュー・ホライズンズがフライバイ時に撮影した画像です。

霜が降りたように細かく粒だって見えるのは、｢ペニテンテ｣と呼ばれる巨大な氷の塔。高層ビル並みの高さを誇り、最長で500メートルもあるそうです。数百万年前に冥王星の表面で凍ったメタンが高度が高いところから少しずつ気化していった結果、今のようなかたちに風化したと考えられるのだとか。冥王星の表面は変化に富んでいることから、地質活動があるとも考えられているそうです。

こちらは冥王星の表面からおよそ3万4000キロメートルの高度から北極圏を捉えた画像で、見やすいように着色されています。ところどころに深い谷が刻まれているのは、地質活動の名残りでしょうか。

直径70キロメートル、深さ4キロメートルにも及ぶクレーターが無数に散らばっていますが、これらは隕石の衝突によるものとも、地下の氷が溶けたことによる地表の陥没とも解釈できるとNASAは説明しています。

冥王星のもっとも有名なイメージといえば、これ。ニュー・ホライズンズ探査機がおよそ7万7000キロメートルの距離から撮影したもので、ハート型の模様が特徴的です。

この写真を地球に送ってから、ニュー・ホライズンズは冥王星にさらに接近し、大気の成分や表面の様子などを観測しました。そしてスイングバイ終了後は、さらに太陽から離れたエッジワース・カイパーベルト天体を目指して今も旅を続けています。

ニュー・ホライズンズが接近時に捉えた冥王星の姿が、こちらです。

また、ニュー・ホライズンズは衛星カロンの姿も克明に捉えていました。こちらの画像は2015年7月に撮影されたものです。

地球と月と、冥王星とカロン。大きさは違えど、このふたつのペアの関係性は類似しています。月が地球の盾となっているのと同様に、衛星カロンも冥王星を守っているのでしょうか。ふたつはかつて同じ天体だったのでしょうか。

カロンに刻まれた深い谷やクレーターは、激動の過去を物語っているようにも見えます。

冥王星の過去、そして今

冥王星が発見されて今年で91年。その間、人類の観測技術がこと足りなかったせいで、長らく詳しいことはわからずじまいでした。

NASAの探査機が初めて接近し、観測に成功したことで、冥王星がどんな天体であるのかが詳細に解明されつつあります。そしてトンボーが発見した当時から映像で改めて振り返ってみると、冥王星がただのボヤけた球体だった頃からはずいぶんと理解が進んできていることを実感できます。

発見から91年経った今も、軌道の半分すら周りきれていないぐらい大きな大きな弧を描いて太陽をめぐっている冥王星。惑星であれ、準惑星であれ、太陽系の中で最も手の届きにくい、もっとも謎めいた天体であることは確かです。

https://www.gizmodo.jp/2021/10/how-pluto-became-a-dwarf-planet.html
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/762.html

[近代史6] ヘンリク・ミコワイ・グレツキ（1933年12月6日 - 2010年11月12日）
ヘンリク・ミコワイ・グレツキ（1933年12月6日 - 2010年11月12日）

ヘンリク・ミコワイ・グレツキ（ポーランド語: Henryk Mikołaj Górecki, 1933年12月6日 - 2010年11月12日）は、ポーランドの現代音楽の作曲家。

略歴
ポーランド南部チェルニツァ（ポーランド語版）（当時はドイツ領）生まれ。カトヴィツェに移る20歳になるまで、彼は勤勉な勉強家ではなかった。その後、パリで研鑚を積む間に、当時ポーランド政府の弾圧により聴くことの出来なかったアントン・ヴェーベルンやオリヴィエ・メシアン、カールハインツ・シュトックハウゼンの作品と出会う。やがてグレツキはカトヴィツェで音楽教授となるが、1970年代後期にヨハネ・パウロ2世のカトヴィツェ市訪問をポーランド政府が許可しなかったため、それに抗議して教授職を辞任する。

作風

第1期
デビュー時の彼の作品はピエール・ブーレーズを始めとするミュジックセリエルの作曲家らと同じく前衛的な様式に基づくものであり、ルイジ・ノーノが「INCONTRI」と題した作品を発表すると「SCONTRI」という題名の曲で切って返すほどの挑発的な存在であった。第一次ポーランド楽派の最優等生として評価され、ミヒャエル・ギーレンや甲斐説宗に絶賛された。「Genesis III」で見られる音によるアナキーズムへの挑戦、交響曲第1番のグロテスクなモノディー、「Scontri」の鉱物的なクラスターの響きは、正に当時の前衛そのものであった。

セリーを用いた作曲に於いても、断定的な沈黙が多く見られる。「単音と沈黙」の対比から徐々に「瞬間的な音響と沈黙」へと傾斜し、作風が変化した第2期や第3期でもこの傾向は顕著である。1960年代前半からノイズ音響を解禁し、単なる半音階クラスターや複雑な和声よりも大きな効果を引き出している。なおかつリズム的なソルフェージュは前衛世代よりも容易に行える為、多くの模倣者がグレツキの後に続いた。その後、突如として宗教性を打ち出して第2期へ歩んでゆく。

第2期
この時期以降は調性的側面への傾倒や巨大なモノフォニーなどを追求し、結果的に理解されやすい作風となったとも言える。まず初めに1963年作の弦楽合奏のための「古風な様式による三つの小品」が来る。この曲はドリア旋法で演奏が容易なのでしばしば初心者の弦楽オーケストラによって演奏されるが、交響曲第三番の下地になったのは言うまでもない。「交響曲第2番」以降のグレツキの音楽は、16世紀以前のカノン技法から現代にいたる音楽様式を参照しているものの、ペンタトニックの試験的仕様の後に、単純な三和音やオクターブを用いる傾向がある。彼の音楽はholy minimalismと称され、しばしばミニマリズム(minimalism)と比較される。同じく度々比較されるアルヴォ・ペルトの様に、グレツキの作品に宗教的信仰を反映するものが多いのは、カトリック教徒ゆえの信仰心からきている。

交響曲第2番「コペルニクス」や「MUZYCA IV」では平易なメロディーラインに巨大な音響を付随させるといった策で、前衛以後の潮流に乗ろうとするが、すでにいくつかの瞬間で単純な和音の反復や宗教性を徐々に帯び始めている。1970年代後半には、ついに全音階主義に立ち返った。

第2期を締めくくった交響曲第3番「悲歌のシンフォニー」は全作品中とりわけ有名である。この作品は1976年に作曲され、翌年ドイツのSWRで初演された。この交響曲はオーケストラとソプラノ独唱のために書かれ、3楽章形式を採用している。第1楽章では15世紀に書かれた哀歌、第2楽章ではザコパネに在るゲシュタポ収容所の独房の壁で発見された言葉、そして第3楽章では民謡からそれぞれ歌詞が使われている。延長されたカノンが延々と弦楽器群によって歌われる第1楽章（全演奏時間の約半分を占める）を持つこの作品は、全体にわたりスローテンポに徹し、同時に極めて沈思的である。1993年にノンサッチ社から発売されたデイヴィッド・ジンマン指揮、ロンドン・シンフォニエッタ、ドーン・アップショウ（ソプラノ）による録音はベストセラーとなった。これはベストセラーになることを当初全く予期しておらず、単なるグレツキのロンドン・デビュー以上のものではなかったと伝えられている。実際はとある放送の番組内でテーマ音楽としてこの曲の第2楽章を取り上げ繰り返し放送したことが、イギリスの人口に膾炙した原因である。間もなく、翌1994年にナクソスからもアントニ・ヴィト指揮によるCDが発売された。その後もこの作品のCD録音は増え続けている。この音楽は1980年代初期に有名になる前に旧作「古風な様式による三つの小品」と共に嶋津武仁がすでに日本に持ち込み、ボグスワフ・シェッフェルの1976年の著作の「作曲への誘い」の日本語訳と平行して、スコアが手に入らなかったので音だけでアナリーゼが試みられた。

第3期
1990年代はこの作品のヒットによってholy minimalismの潮流に乗る作曲家が次々と紹介され、グレツキはその生みの親のように認識されるようになった。グレツキはこの作品のおかげで世界中で講演を行った。クロノス・クァルテットとのコラボレーションで知られる「弦楽四重奏曲第2番」あたりからは、死を暗示する沈黙の使用が目立ってくるが、この沈黙もブロック構造の中に取り込まれているので、特に厭世的には聞こえない。この時期から彼は体調不良を訴えることが増え、創作数が激減する。その後も特に目立った作風の変更はなく、同路線での作曲活動を細々と続けた。

死
2010年11月12日、カトヴィツェの病院にて死去[1]。76歳没。

エピソード
1978年にはミコワイ・グレツキと名づけた息子が生まれ、現在はミコワイも作曲家として世界中で活躍中である。

グレツキ門下の最優等生であったアンジェイ・クシャノフスキを1993年に亡くした後は、創作ペースが極めて落ち込むようになった。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%98%E3%83%B3%E3%83%AA%E3%82%AF%E3%83%BB%E3%82%B0%E3%83%AC%E3%83%84%E3%82%AD
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/763.html

[近代史6] ヘンリク・ミコワイ・グレツキ 交響曲第３番「悲歌のシンフォニー」
ヘンリク・ミコワイ・グレツキ 交響曲第３番「悲歌のシンフォニー」

Henryk Górecki Symphony no. 3 - Dawn Upshaw (soprano); David Zinman & London Sinfonietta

the London Sinfonietta
Dawn Upshaw, soprano
David Zinman

Movement One: Lento-Sostenuto tranquillo ma cantabile - 0:00
Movement Two: Lento e largo-Tranquillissimo - 26:42
Movement Three: Lento-Cantabile-semplice -

▲△▽▼

交響曲第3番『悲歌の交響曲』（ポーランド語：Symfonia pieśni żałosnych）作品36は、ヘンリク・グレツキの代表作のひとつであり、20世紀後半において最も成功した交響曲のひとつでもある。

背景
共産主義政権下では、現代芸術は当局からしばしば「形式主義」と批判され、好意的とはいえない政治的環境の下に置かれていたが、1956年に現代音楽祭「ワルシャワの秋」が始まったことで戦後ポーランドの作曲家たちは、前例のないほどの創作の自由を享受することができた[1]。グレツキは前衛的作曲家たちの間で、初期の実験的な不協和音やセリエル音楽的作品で広く知られるようになっていた。1960年のワルシャワの秋で好評を博した「Scontri」や、1961年のパリ青年ビエンナーレで第1位を受賞した交響曲第1番のような現代的作品を通して、グレツキは国際的な音楽シーンに登場した[2]。1960年代を通して、グレツキは、ピエール・ブーレーズやカールハインツ・シュトックハウゼンら、実験的作曲家やセリエル音楽の作曲家たちとの交流を続けた。

1970年代に入ると、グレツキは、初期の作品に見られたセリエル音楽や極端な不協和音などの要素から、徐々に離れ始め、交響曲第3番では、その少し前に発表された合唱曲「euntes ibant et flebant」（作品32、1972年）や「Amen」（作品35、1975年）と同様に、以前用いていた技法を完全に放棄している。グレツキの交響曲第3番における変奏の欠落と、繰り返しへの依存は、後年の作品に見られる和声的ミニマリズムと一層単純化されたテクスチュアへとグレツキが進んでいった過程における、ひとつの段階を示すものであった[3]。テクスチュアの単純化は彼の初期からの特徴であったが、これに三和音とオクターブを加えたのである。

この時期のグレツキの作品がもっている宗教的性格から、批評家も音楽学者も、しばしばグレツキを、根源的に単純化された音楽のテクスチュア、調性、旋律を追求し始めた、また、宗教的意味を帯びた作品を作るようになった、他の現代作曲家と結びつけようとした。同様の考えをもっていた、アルヴォ・ペルトやジョン・タヴナーのような作曲家たちは、しばしばグレツキと一緒に、ホーリー・ミニマリズム（英語版）という用語でまとめられたが、そのように括られた作曲家たちは、何らかの共通の影響があったとは誰も認めなかった。

作曲、初演

作曲時期：1976年

初演：1977年4月4日、フランスのロワイヤンで開催されたロワイヤン国際現代芸術祭（フランス語版）において、エルネスト・ブール指揮、南西ドイツ放送交響楽団、ステファニア・ヴォイトヴィチ（ソプラノ）により初演された[4]。
初演後しばらくの間は、まだこの交響曲は謎に包まれた作品であったが、80年代頃から日本の作曲科の授業でアナリーゼ用に研究され始められた。
演奏時間：54分。
出版はチェスター社とPWMが行っている。もともとはPWMのみの販売のはずなのに、チェスターはこの作品の人気のために契約に走ったと物議をかもした。
編成
この交響曲は、管弦楽とソプラノ独唱のための交響曲である。 フルート 4 （うち2本はピッコロ持ち替え）、クラリネット 4、ファゴット 2、コントラファゴット 2、ホルン 4、トロンボーン 4、ハープ、ピアノ、ソプラノ独唱、弦五部

曲の構成
3つの楽章から構成される。全楽章を通じて非常にテンポはゆっくりである。形式的には、古典的な「交響曲」の形式からは大きく逸脱している。

第1楽章 Lento
第1楽章の歌詞は15世紀のラメントに取材されている。中央を頂点とする3部旋法性で作られたカノン形式。

第2楽章 Lento e largo - Molto lento
第2楽章の歌詞は、ゲシュタポ収容所の壁に書かれた言葉に取材されている。

第3楽章 Lento - Lento e largo - Molto lento - Largo ben tenuto
第3楽章の歌詞は民謡からとられている。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2%E7%AC%AC3%E7%95%AA_(%E3%82%B0%E3%83%AC%E3%83%84%E3%82%AD)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/764.html

[近代史6] ヘンリク・ミコワイ・グレツキ 交響曲第３番「悲歌のシンフォニー」 中川隆
2. 中川隆[-16153] koaQ7Jey 2021年10月04日 04:31:44 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[2]

グレツキ　交響曲第３番　「悲歌のシンフォニー」
Górecki： Symphony No.3 "Symphony of Sorrowful Songs"

デイヴィッド・ジンマン指揮　ロンドン・シンフォニエッタ　１９９１年
David Zinman
London Sinfonietta

ソプラノ：ドーン・アップショウ　Dawn Upshaw
切なくて泣きそう

録音状態は良い。１９９２年頃、ロンドンのラジオ曲で繰り返して流されたことから、大ヒットになったＣＤである。

グレツキの交響曲第３番は、「悲歌のシンフォニー」とも「悲しみの歌の交響曲」とも呼ばれている。
１９３３年に生まれた作曲家　グレツキさんの代表作で、「ゲンダイオンガク」というカテゴリーにはなるのだろうけど、ワケのわからん無機質的な曲ではなく、古典的なフレーズで、とっつきやすい聞きやすい曲である。
このジンマン盤は、１９９２年頃、ロンドンのラジオ曲で繰り返して流されたことから、流行ったＣＤである。
流行ったと言うには、う〜ん。曲の背景にあるモノの悲しみが深すぎて、大きすぎて〜
ちょっと言葉に詰まってしまうし、気が引けるのだが・・・。
グレツキの生誕地はポーランド、そして、アウシュヴィッツ収容所のあった場所である。
この交響曲は、そんな大虐殺が行われた時空間を超えて、悲しみを超えて、なんとも言えない祈りが詰まっているような気がする。交響曲３つの楽章に分かれているが、まず１楽章では、１５世紀頃の哀歌を元にしたフレーズ。２楽章では、ソプラノ独唱が入ってくるが、この歌詞は、アウシュヴィッツ収容所の壁に残っていた言葉だという。

１楽章
冒頭は、かなり暗く、コントラバスだけが、ゆったりと、フレーズを繰り返す。
このコントラバスに、低弦のチェロ、ビオラって感じに、段々と膨らんでいくのだ。決まったフレーズを、カエルの歌が　聞こえてくるよ〜　の輪唱のように、ずれながら〜　旋律が、だんだんと高い音域の楽器に引き継がれていく。
実際、最初のコントラバスの音はとりづらく、チェロが入ってきて、ようやく人の声に近くなって、音の形が見えてくる。ホント、最初は音が聞き取りづらく、えっ　なにモゾモゾ言っているんだろ〜って感じである。
「らぁらどし〜　らそふぁ〜　みそふぁ〜　みふぁそ　どれし」
「れ〜れふぁみ〜　れどし〜　らどし〜」
いろんな楽器が集まってきて、段々と膨らんで来るところが、すごく、じわじわ〜っと迫ってくる。
短いフレーズが綾なす深みが、う〜ん。繰り返されることで、浮き上がり、そして沈む。
ヴァイオリンの高音域が重なってくると、なんとも美しい世界になって、これが浄化されるということなんだろうか、なんて感じたりして、、、。
旋律はシンプル　古典的なカノンで、ここまで美しく歌えるなんて、気持ちをひっぱって来るなんて〜　
途切れないフレーズに埋もれ、知らぬ間に鷲づかみされて、締め付けられる。
最後は消え入るように、「らぁらどし〜　らそふぁ〜　らそふぁ〜」
「ふぁ〜　ふぁ〜　ふぁ〜」という、静かな鐘のようなピアノの音が入って、ソプラノのソロが入ってくる。

２楽章は、「ふぁら〜そぉ〜　ふぁら〜　そぉ〜」という柔らかい音から始まる。
アップショウさんの声が一段と大きくなって〜
ゲシュタポ収容所の壁に書かれた言葉に取材されているという、お母さま、どうか泣かないでください〜と歌われているそうである。さっぱり言語はわからないのだけど、身につまされる歌声で。ぐっすっ。

３楽章は、戦争で子供を亡くした母親の歌であるとのことだ。
オケの音は、これも繰り返し繰り返し〜　フレーズには抑揚が少なく、音の動きも狭い。
こんなところで比較するもの憚れるが〜　マーラーの６番悲劇的のような、ドスン、ドヒャン、だだだっぁ〜　なんていう大袈裟な強烈な音楽ではない。
それなのに、なんで、こんなに妙にじわ〜っと来るんだろ。明るい光が入ってくるような。これが祈りでしょうかねえ・・・。厳粛さと共に泣かせられる。

ジンマン盤は、録音状態はすこぶる良いとは言えないが、息づかいが適度に深めで、音質に温かみがあって、人肌の暖かさを感じる演奏だ。
厳粛さもあり、繰り返し、揺らぎのなかで構成された音楽。大変、ゆったりとしたテンポが特徴で、繰り返し繰り返し、じわじわ〜っと迫ってきては、すーっと目の前を通り過ぎていくような楽曲で。
しんみり、じんわり〜　気がついたら、目頭が熱くなって、ぐすんっ。なのである。

この曲の背景には、全く救いが存在しないのだが、聴いていると救いが生まれてくるいう不思議な感覚に陥ってしまう。この曲を聴いていると、単なる癒しでは、収まりきれない世界が広がっている。
しかし、救いのない世界に、癒されている気分になって、どーもイカン。
救いって、どーいうことなんだろ。っと改めて感じないわけにはいかず・・・。かといって、やるせないような気分になり、無気力感にも襲われてしまう。
ワタシは、まだ、ぐるぐるマワル旋律に目眩を感じながら、はぁ〜っと、この楽曲のなかで歌われる母性に 溜息をついている。
録音状態は良いが、少し温かみのある、太めの線で奏でられている。それが、また、大きな母性的な響きとなっているかもしれない。救いや祈り、そのなかでも母性愛的な〜と感じさせられるモノは、う〜ん。
やっぱり、永遠なモノなのだ〜と思いながらＣＤを聴いている。

カジミェシュ・コルド　ワルシャワ・フィル　１９９３年
Kazimierz Kord
Warsaw Philharmonic Orchestra
ソプラノ：ヨアンア・コショウスカ　Joanna Kozlowska

昇天しちゃいました

録音状態は極めて良い。ホール感のある、透明度の高い演奏だし、低音の響きが、じわじわ〜っとうねり、漂い、見通しよく鳴り出して来る。

グレツキの第３番「悲歌のシンフォニー」は、ジンマン指揮のロンドン・シンフォニエッタ盤が有名だが、このワルシャワ・フィル盤は、録音状態が良い。
声楽の方は、ポーランド語なので〜なにせさっぱり言語が解らないのだが、これは、やっぱりオクニモノとしてワルシャワ・フィル盤の方が良いかもしれないし、演奏も、弦のカノンで、ずーっと続く１楽章の弦の重なりが、すばらしく明瞭で、均一化していて、静かに大きく揺らぐ様が見えてくるようである。
最初の恐ろしく低い弦のフレーズも、見事に聞こえる。

「らぁらどし〜　らそふぁ〜　みそふぁ〜　みふぁそ　どれし」 というフレーズを、輪唱状態で追いかけつつ、旋律がうねり出すのだが、このコルド盤は、透き通った風通しの良さを感じる。
最初は、弦のパート数も少ないのだが、最高で１０声部というから、う〜ん。頭のなかでゴチャゴチャになりそうになりがちがだが、それが絡まないのだ。
ワタシの耳はお粗末なので、全てを聞き取れる耳ではないのだが・・・。
まあ、主旋律主体というのではなく、それぞれの声部が、寄り添いながら、奏でられているという感じがして、見通しの良さと共に、適度な重さで、うねるのである。重すぎず〜　イヤミなく鳴ってくる。

コルド盤は、静かに、密やかに、目を閉じて、じーっくりと聴きたい曲だ。
チェロの音質が、しっとりと、適度な距離で流れてきて、妙にワタシの心にマッチする。
なんて言うか、この演奏は、ホント適度な距離感を感じる。
前半はチェロが、そして後半の方はヴァイオリンが、しっかりと旋律の芯として機能し、さりげなく、高い弦の音は、空で音が舞うような感じで、音が漂っている。

そして、高音域に入ってくると、空中で音が鳴っているような、ふわっ　と一瞬にして、音が高く、うえに舞ったような感じに思えるのだ。収録しているホールは、天井が高いのだろうか。ここが、一瞬、教会のような感じがする。
ワルシャワ・フィルの本拠地であるコンサートホールだろうが、思わず、ここが、カテドラルではないかという錯覚に陥った。まるで、パルテノン神殿のように、天井に穴があいているかのように〜

２楽章
ソプラノのヨアンア・コショウスカ さんの声は、録音の良さもあいまって、中庸の美というか、甘くもなく、悲しみ深すぎず、かといって、情緒もあり〜　この演奏と合っている。妙な感情移入が無いというか、それを超えているというか。
なんだか、ワタシ的には、谷間の流れ出てくる清水のような〜　湧き水が流れてくるところの、活き活きとした瑞々しい、黄緑色をした苔のような〜　岩肌を滑って流れてくる清らかな水のように感じる。
お母さま、どうか泣かないでください〜と歌われている筈なのに、どーして、こんなイメージが湧いてくるのだろうか。はあ。ワタシには、メチャ悲しすぎる。

３楽章
このコルド盤は、かなり、ゆったりと歌われる。戦争で子供を亡くした母親の歌であるとのことだが。
「そぉら　そぉら　そぉら　そぉら〜」というフレーズが、底流に流れて、この透明度が高いので、悲痛さはあまり感じないのだが、じわじわ〜っと染み入って来る。
静かに眠りにつきたいが、眠れないような感じがする。
「しら　そら　しら　そら〜　そぉら　そぉら」と繰り返され、段々と大きくなって、「しら　れど　しら　しら　れどしら　そら　れど　しら　れど〜」と、オルガンの和音のような響きに繋がって、大きく包まれていく。

う〜ん。この曲に関しては、あまり多くの言葉が要らない感じがする。
ジンマン盤は有名な盤だが、録音状態はコルド盤の方が良い。弦の線の太さ、見通しの良さはワタシ的にはコルド盤の方が好きだが、まあ、この曲ばかりは、聴く時の感性によるところが大きいかもしれない。

http://www3.kcn.ne.jp/~mamama/01-symphony/gorecki-sym3.htm
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/764.html#c2

[近代史6] 武満 徹『弦楽のためのレクイエム』
最美の音楽は何か？ _ 武満 徹『弦楽のためのレクイエム』
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/215.html
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/765.html

[番外地9] 旭川のイジメ加害者だと思われている少年・少女もこれからまともに生きれば「旧悪が露見する」事はなくなる。
旭川のイジメ加害者だと思われている少年・少女もこれからまともに生きれば「旧悪が露見する」事はなくなる。

旧悪は露見するか？
五輪開会式にかかわったクリエーターの二人が、民族差別といじめについての「過去の言動」を掘り返されて職を解かれた。こんなふうに簡単に昔のことを掘り出して炎上させることができる時代になると、誰でもがプライバシーを侵害されるリスクがある。

僕の行ってきたイジメや名誉棄損的な発言を批判したいなら、僕の過去のコメントのうちから何であれ「名誉棄損的」な発言を取り出して、批判することは理論的には可能である。ただその場合に、その人はとりあえず手に入る限りの僕のコメントを通読し、かつ過去十年分のコメントすべてを読まなければならない。

　たぶんすべてを探せば「名誉棄損的な発言と解釈できなくもない」コメントは見つかるとは思う。だが、私のコメントからそれを探しだすのは「干し草の山から針を探す」作業に近い。おそらく数週間にわたり、朝から晩まで私のコメントを読み続ける（場合によって、その挙句「何も見つからなかった」ということもあり得る）という地獄のようなタスクをこなさなければならない。

　どれほどの苦役であろう。

　だから、「ネットで検索すれば簡単に旧悪がばれる」という考えそのものに僕は同意しない。「ネットで検索すれば簡単に旧悪がばれる」人がいたとしたら、それはその人にとって「旧悪」ではなく、頻繁に更新され、上書きされてきた「新悪」だからである。今もなお「いかにもそういうことを言いそうな人間」だから、過去のテクストをサルベージしたら「すぐ」にお目当てのものが出てくるのである。

　二十年前に「言わない方がいいこと」を言ってしまい、それを消去する手立てがないという場合には、それから後「そういうことを言いそうもない人」たるべく自己陶冶するはずである。

　ジャン・バルジャンだって、別に「旧悪が露見した」わけではない。起業して成功し、人望篤い市長になっていたのである。彼の旧悪が明らかになったのは彼が無実の罪を着せられた人を救おうとしたためである。ふつう、心を入れ替えて「よい人」になろうと思って日々努力している人の身には「旧悪が露見する」ということは起こらない。もしかしたら、こいつ「ろくでもないやつ」じゃないのか・・・という疑惑を周囲に抱かせるからこそ「旧悪」を調べるようという気になるのである。

　だから「ネット時代になれば、誰でも過去の失言を咎められるリスクがある」というのは事実ではない。仮に過去に恥ずべき失言をなしたことがあったとしても、その後反省して、「そういうことを言いそうもない人」なるべく努力を重ねていれば、その人について「恥ずべき過去があるに違いない。いくら時間がかかっても構わない。徹底的に調べてやろう」という人は出てこない。

　ネットというテクノロジーを駆使するのは生身の人間である。生身の人間においてある人物の「旧悪」を探す意欲がむらむらと湧き上がることがなければ、仮に恥ずべき過去があったとしても、それはいずれ忘れられる。それでいいと思う。

旭川のイジメ加害者だと思われている少年・少女に関しても全く同じである。
イジメが事実だったのか、単に被害者の覚醒剤障害による被害妄想だったのかは今となってはもう判断できない。
そもそも被害者が自殺したのはイジメ事件の2年も後なのだから、因果関係すら疑わしい。
少なくともイジメ加害者だと思われている少年・少女がこれからまともに生きれば「旧悪が露見する」事はなくなる。

http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/862.html

[番外地9] 旭川の教育の荒廃は内地との経済格差から生まれ、旭川は遠からず中国小日本省になる 中川隆
1. 中川隆[-16152] koaQ7Jey 2021年10月04日 05:46:53 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[4]
旭川イジメ事件で加害者と言われている少年・少女やイジメを隠蔽したと言われている教育者には責任は全く無い
旭川の教育の荒廃は内地との経済格差と日本政府の北海道無人化政策から生まれた
底辺の子供ばかりの旭川の公立学校では既にドラッグ、レイプ、強制売春が蔓延している
日本政府は札幌以外の北海道全土の無人化を押し進めており、旭川人は仕事を失って食べていけなくなっている。底辺に落ちた旭川人の子供たちはその影響から逃れることができない。
経済格差が広がると、教育もまた崩壊していく。最初にそれが指摘されたのはアメリカだった。アメリカではレーガン大統領時代に入ってからレーガノミクスという今で言うところの「新自由主義」「市場原理主義」を取り入れた。

その結果、国民の間で格差が急激に広がり、金持ちの子供は私立に、貧困層の子供は公立に通うという分離が出来上がり、貧困層が集まる公立校が急激に荒んでいった。暴力が蔓延し、学級崩壊し、いじめも急激に増加した。

それを嫌って金持ち層がますます公立校を避けて私立に向かうようになり、教師も逃げ出したので、さらに公立校が荒廃していった。そして生まれたのが「暴力教室」の出現である。

学校内で、ドラッグ、レイプ、銃撃戦が行われるようになり、授業が成立しなくなった。しかし、そうだと分かっていても、貧困層は公立の学校に子供を通わせるしかない。市立では学費が払えない以上、選択肢はないのだ。

教育が所得で分離し、教育の荒廃がアメリカに大きな影を落とすようになった。経済格差が子供たちの学力の差となり、それが子供たちの人生に大きく悪影響を及ぼすようになったのだ。

経済格差と教育の劣化は比例して起きる現象だ。経済格差が大きい国であればあるほど教育の劣化は大きくなる。親の資産によって子供たちが通う学校が分離し、底辺の子供たちは学級崩壊しやすい環境になるからだ。

貧困層の子供たちは親が教育熱心ではなく、子供の面倒をきちんと見ないこともある。その結果、子供たちは荒れていく。それがそのまま学校の荒廃につながる。貧困層の子供たちが通う学校が学びの場でなくなっていく。

特に、誰でも受け入れなければならない公立校で事態は深刻化する。とすれば、貧困層が特に多い旭川もまた公立校は暴力にまみれていくことになるというのが分かるはずだ。

また、体罰も禁止された。体罰については賛否両論も強いが、それが厳格に禁止されると、秩序を乱す生徒がいても教師は最後の手段が取れない。

口で言っても言うことを聞かない子供は、どこにでも一定数はいる。そういった暴力傾向の強い子供たちを放置するのは学校を無法地帯にするのと同様だ。だから、生徒を退学させることのできない公立校が暴力教室へと変貌していく。

そういった環境での教育は質の低下が著しいので、最終的に教育は破綻する。教育を満足に受けさせるためには私立校の進学が必須になるが、私立校こそが教育費の増大に拍車をかけるものだ。

その結果、中流以下の家庭は荒廃した公立校に向かい、質の悪い教育しか受けられなくなる。それは子供たちの知的レベルの低下につながるので、ますます経済格差は固定化されるという現象と化す。

旭川はすでにその悪循環にはまっている。旭川のどん底《ボトム》の若者たちは、ほとんどが良質な教育を受けられなかった人たちであるが、コロナ禍が終わったらますますどん底《ボトム》の若者たちは増えるのだ。

しっかりとした教育が受けられなかった人、あるいは経済的な事情で低学歴のまま社会に出た若者ができるのは、その多くが非正規・肉体労働・単純労働だけである。これらの労働環境では豊かになるのは難しい。

当然、自暴自棄に落ちる若者も出てくる。一瞬の怒りで引き起こされる暴力や短絡的な事件も加速度的に増えていく。社会のどん底で暴力が渦巻くようになるのは、どこの国でも同じだ。

貧困社会の次は暴力社会がやってくることをよく認識すべきだ。教育がなければ成り上がることもできない。単純労働ではその日暮らしが精一杯だ。

必死で働いたところで、教育がない以上、もはや手遅れであることだけは分かっている。そんな環境に置かれたとき、人間がどのように変質していくかを今から研究しておくべきだろう。

間違いなくどん底《ボトム》で暴力が台頭していくのである。

これは、誰にとっても他人事ではない。教育と常識を学ぶことができず、自暴自棄に陥った人間がまわりに溢れるからである。旭川の社会がそういう子供たちを大量に生み出すことになる。

将来に希望が持てない人間は、鬱々とした不安や、絶え間ない失意や挫折感でいっぱいになる。そして、毎日そのような挫折感と折り合って生活しなければならない。そこに芽生えてくるのが自暴自棄な感情と、反社会的な破壊欲求だ。

今後は旭川の底辺層は想像以上に増えていき、それが旭川の標準的な光景になっていく。そんな中、未来がない状態で生きることになる若者たちの心理は、不満と破壊衝動でいっぱいになっても仕方がない。女は身を持ち崩して売春や風俗へと向かっていく。

▲△▽▼

1996年12月にも、女子中学生を中学校内で集団goukanし、被害者が先生に助けを三回も求めていたにもかかわらず『校内の性行為は自由』という『思想』のため、集団 rape を黙認した事件が旭川であったことを知っていますか？

初めのうちはクラスのマドンナ的存在であった女子生徒に対する、スカートめくりなどの軽度の性暴力から始まったと言われる。男子生徒10人は、女子生徒が1年生の時から胸や尻を触る等を繰り返した。女子生徒が誰にも訴えなかった為、その後行為はエスカレ−ト、中学2年生の夏に男子生徒の一人の家に連れ込まれるようになった。

男子生徒たちは公園や橋の下などで毎朝、kouin をさせた後「今日もおいしい牛乳を有難うございました。」という屈辱的な言葉を言わせていた。

中学3年の5月からは、下着の着用と自由な haiben を禁止した上、公園内のトイレにて kanchou 器具を用いてhaisetuを強要していた。

事件は1994年秋から1996年の冬にかけ2年間にわたって続きました。クラスのアイドル的存在だった真面目な女子中学生が被害者です。舞台となったのは当時の北海道旭川市立北都中学校でした。

犯行に及んだのは地元でも有名だった10人の不良グループです。彼らは学校の廊下をバイクで乗り回すような手のつけられない暴れ者達でした。

被害者女子中学生が不良グループの一人からの告白を袖にしたことがきっかけでした。それから不良グループによる性的暴行が始まりました。

女子中学生は不良グループに性的暴行のために特別教室に連れ込まれそうになった際、通りかかった女性教師に助けを求めています。それを聞いて反応しかかった女性講師は不良達に「帰れ」と一括され、その場を立ち去り何の対処もしていません。

まだ不良達の嫌がらせが初期段階の時、女子中学生は勇気をふるって担任の教師に体を触られることを訴えています。ところが担任は訴えから2〜3日後のクラス会で軽く注意する発言をしただけでした。不良達の暴行はこれを境に一気に凶暴化しており、担任の対応のまずさが浮き彫りになっています。

不良グループ達はいわゆる地元の札付きで、教師達には見て見ぬふりが当たり前という一種の空気感があり、毅然とした姿勢を示せなかったと思われます。

▲△▽▼

教員　「だってどうしようもないじゃないですか。止めろと言って止めてくれる生徒なら何回でも言いますよ。でもそうじゃない生徒だっているんです。手を上げて無理やり止めさせれば良かったんですか？」

教員　「手を上げたら体罰。懲戒。変にクビを突っ込めば職を失うんですよ？こんなご時世でどうしろって言うんですか？教員だって人間です。自分の生活を第一にして何が悪いんですか！」

教員　「下手に不良生徒から恨みを買って刺されでもしたらどうするんですか。彼らは悪魔みたいな笑い方をするんですよ。他人を殴っておいて。報復が怖くてもいいじゃないですか。なんでそこまで教員にあれこれ求めるんですか！」
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/718.html#c1

[近代史6] グスターヴ・ホルスト（Gustav Holst, 1874 - 1934)
グスターヴ・ホルスト（Gustav Holst, 1874 - 1934)

組曲『惑星』 (1914-17)
火星、戦争をもたらす者
4.5点
５拍子の叩きつけるようなワイルドなリズムや、メロディーも和声もすごくかっこいい。軍神マーズをまさに想起する。

金星、平和をもたらす者
3.5点
優しく美しい。いい曲だが、他の曲と比較しても金星というタイトルのかもし出すイメージがプラスに働いていると思う。

水星、翼のある使者
4.0点
複調の生み出す絶妙の響きと小気味よいリズムとフレーズはかなりセンスが良くて楽しい。

木星、快楽をもたらす者
5点
第一主題も叙情的で有名な中間部のメロディーも、まさに宇宙のように壮大であり、その異次元の巨大さに想いを馳せてしまう。

土星、老いをもたらす者
3.0点
ホルスト本人は一番気に入っていたらしいが、「惑星」に豪快で華やかなものを求める自分としては、長いわりに地味とどうしても思ってしまう。

天王星、魔術師
3.0点
魔術師が魔法を見せるような雰囲気が動機の繰り返しでうまく表現されていて、面白い。

海王星、神秘主義者
3.5点
静かで神秘的な、異世界で白くて冷たい霧に包まれたよう感覚になるような曲。

宗教曲

讃歌『イエス讃歌』
3.3点
惑星と音楽はそっくり。キラキラした宇宙的スケールと神秘的な叙情の融合を見せており、それが宗教曲として活用されて独特の雰囲気を作っている。惑星が好きな人が次に聞いても全く違和感なく、期待通りのものを得られるだろう。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%82%A4%E3%82%AE%E3%83%AA%E3%82%B9

グスターヴ・ホルスト（Gustav Holst / Gustavus Theodore von Holst, 1874年9月21日 - 1934年5月25日）は、イギリスの作曲家。最も知られた作品は、管弦楽のための組曲『惑星』であるが、全般的に合唱のための曲を多く遺している。イングランド各地の民謡や東洋的な題材を用いた作品、また、吹奏楽曲などでも知られる。

人物・来歴
イングランド、グロスターシャー州チェルトナムでスウェーデン・バルト系移民の家系に生まれ、10代のころからすでに作曲を試みていた。1893年、ロンドンの王立音楽院に入学してパリーやスタンフォードの下に音楽を学んだ[1]。王立音楽院ではトロンボーンも学び、卒業後はオーケストラ奏者として生計を立てていたこともある。この学生時代にヴォーン・ウィリアムズと知り合い、とくに故郷を同じくグロスターシャーとすることもあり、親交を深めた。

ホルストはウィリアム・モリスのハマースミス社会主義者協会に参加し[2]、1896年に協会の合唱団の指揮者に招かれた。1901年には合唱団のメンバーであったイソベル・ハリソンと結婚している[1]。1900年に作曲された『コッツウォルズ交響曲』の第2楽章はモリスに捧げる哀歌である[2]。

1895年ごろから[2]ホルストはインド文学に傾倒し、ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドンでサンスクリットを学んだ。20世紀の最初の10年ほどの間に、交響詩『インドラ』、オペラ『シーター』および『サーヴィトリー』、カーリダーサ『メーガ・ドゥータ』にもとづく合唱曲『雲の使者』、およびリグ・ヴェーダの讃歌にもとづく多数の合唱曲や歌曲を発表している。中でも1913年に初演された大曲の『雲の使者』は自信作であったが成功せず、ホルストはひどく意気消沈している[3]。

ホルストは1898年に王立音楽院を去っていったんカール・ローザ・オペラのトロンボーン奏者および声楽教師の職を得るが[1]、その後は教職につき、1905年から没するまでロンドン近郊のハマースミスにあるセント・ポール女学校（英語版）の音楽教師の仕事の傍ら作曲活動を行った。

1905年に初演された『神秘的なトランペット吹き』にはワーグナーからの強い影響が見えるが、その後はより単純なイギリス民謡に引かれるようになっていった[4]。1910年代にはテューダー朝時代のマドリガルや、バード・パーセルなどの古いイギリスの音楽も好んだ[5]。

『雲の使者』や、アルジェリアの民族音楽に影響を受けて書かれた管弦楽組曲『ベニ・モラ』などの失敗でふさぎこんでいたホルストは、作曲家アーノルド・バックスの弟のクリフォード・バックスとスペインを旅行し、このときにクリフォード・バックスから占星術の知識を得た[6]。おそらくこのことがきっかけとなって、ホルストは組曲『惑星』を作曲した。ホルストの名声は1920年に初演されたこの曲によって一気に高まった。やはり1920年に初演された『イエス讃歌』も大成功であった[5]。ホルストはその後も多くの作品を発表したが、『惑星』以上に名声を博す作品を遺すことはなかった。

1934年、出血性胃潰瘍のためロンドンにて逝去。59歳没。エドワード・エルガーとフレデリック・ディーリアスも同じ年に没している。

エピソード等
小惑星 (3590) のホルストは、グスターヴ・ホルストにちなんで命名された。

家族
妻：イゾベル（Isobel）
子：イモージェン（Imogen、1907年 - 1984年） - 妻イゾベルとの間に生まれた娘のイモージェンもまた作曲家であり、指揮者、音楽学者としても知られる。

主な作品
ホルストはオペラや歌曲・ピアノ曲なども多数作っているが、主に管弦楽曲や吹奏楽曲、弦楽合奏曲が広く知られる。

組曲『惑星』 作品32（管弦楽曲） - 7楽章から成る大編成の管弦楽のために書かれた組曲で、最後の「海王星」では舞台裏に配置された女声合唱が使われる。占星術から着想を得て書かれた作品である。
サマセット狂詩曲（管弦楽曲） - 後にクレア・グランドマンによって吹奏楽用に編曲された。
セントポール組曲（弦楽合奏曲、オプションで木管楽器も追加）
吹奏楽のための第1組曲・第2組曲（吹奏楽曲） - 吹奏楽の分野における古典的な演奏会用作品の一つとして、極めて重要な位置を占める楽曲。
ムーアサイド組曲（ブラスバンド曲、弦楽合奏曲にも編曲） - 他の作編曲家によって管弦楽用、吹奏楽用にも編曲された。
『ハマースミス』（吹奏楽曲、のちに管弦楽曲）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B0%E3%82%B9%E3%82%BF%E3%83%BC%E3%83%B4%E3%83%BB%E3%83%9B%E3%83%AB%E3%82%B9%E3%83%88
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/766.html

[近代史6] グスターヴ・ホルスト 大管弦楽のための組曲『惑星』作品32
グスターヴ・ホルスト 大管弦楽のための組曲『惑星』作品32

HOLST The Planets Boult - London Philharmonic Orchestra

Sir Adrian Boult, conductor
London Philharmonic Orchestra
Ladies of Geoffrey Mitchell Choir

00:00 I.Mars, the Bringer of War
08:00 II.Venus, the Bringer of Peace
15:29 III.Mercury, the Winged Messenger
19:17 IV.Jupiter, the Bringer of Jollity
27:15 V.Saturn, the Bringer of Old Age
35:40 VI.Uranus, the Magician
42:05 VII.Neptune, the Mystic

Recorded: 12, 30 May 4 June 31 July, 1978, Kingsway Hall & No.1 Studio, Abbey Road, London

Holst: "The Planets", Sir Adrian Boult/New Philharmonia Orchestra, rec 1966 restored

Adrian Boult
New Philharmonia Orchestra
rec 1966 restored

0:09 Mars, the Bringer of War
7:29 Venus, the Bringer of Peace
16:23 Mercury, the Winged Messenger
20:28 Jupiter, the Bringer of Jollity
28:28 Saturn, the Bringer of Old Age
37:41 Uranus, the Magician
44:11 Neptune, the Mystic, The Ambrosian Singers

Holst: The Planets, Boult & LPO (1953) ホルスト 組曲「惑星」ボールト

(00:05) 1. 火星、戦争をもたらす者
(06:50) 2. 金星、平和をもたらす者
(15:10) 3. 水星、翼のある使者
(18:53) 4. 木星、快楽をもたらす者
(26:43) 5. 土星、老いをもたらす者
(35:40) 6. 天王星、魔術師
(41:22) 7. 海王星、神秘主義者

指揮：サー・エイドリアン・セドリック・ボールト
ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団＆合唱団
(ロンドン・フィルハーモニック・プロムナード管弦楽団などと表記する資料もある)

録音：1953年9月10〜14日 ウォルサムストウ・タウン・ホール (ロンドン) [ニクサ]

Holst: The Planets, Boult & BBCso (1945) ホルスト 組曲「惑星」ボールト

(00:05) 1. 火星、戦争をもたらす者
(07:22) 2. 金星、平和をもたらす者
(15:22) 3. 水星、翼のある使者
(19:06) 4. 木星、快楽をもたらす者
(26:56) 5. 土星、老いをもたらす者
(35:12) 6. 天王星、魔術師
(41:00) 7. 海王星、神秘主義者

指揮：サー・エイドリアン・セドリック・ボールト
BBC交響楽団

Recorded: 2-5 January 1945, Corn Exchange, Bedford

▲△▽▼

大管弦楽のための組曲『惑星』（The Planets）作品32は、イギリスの作曲家グスターヴ・ホルストの作曲した代表的な管弦楽曲である。この組曲は7つの楽章から成り、それぞれにローマ神話に登場する神々にも相当する惑星の名が付けられている。「木星」中間部の旋律は、イギリスの愛国歌、またイングランド国教会の聖歌となっている。

ホルストの代表曲として、ホルスト自身の名前以上に知られており、近代管弦楽曲の中で最も人気のある曲の1つである。イギリスの管弦楽曲を代表する曲であるとも言えるが、むしろイギリス音楽とは意識されず、その枠を超えて親しまれている曲である。ただし、特殊楽器の多用や女声合唱の使用などが実演の障壁になることも多く、全曲を通しての演奏の機会は必ずしも多いとはいえない。

この作品は惑星を題材としているが、天文学ではなく占星術から着想を得たものである。地球が含まれないのはこのためである。西欧ではヘレニズム期より惑星は神々と結び付けられ、この思想はルネサンス期に錬金術と結びついて、宇宙と自然の対応を説く自然哲学へと発展した。この作品は、日本語では「惑星」と訳されてはいるが、実際の意味合いは「運星」に近い。それぞれの曲の副題は、かつては「…の神」と訳されていたが、近年では本来の意味に則して「…をもたらす者」という表記が広まりつつある。かねてよりホルストは、作曲家アーノルド・バックスの兄弟で著述家のクリフォードから占星術の手解きを受けており、この作品の構想にあたり、占星術における惑星とローマ神話の対応を研究している。

作曲の経緯・初演

作曲
作曲時期は1914年から1916年。当初は『惑星』としてではなく『7つの管弦楽曲』として作曲が開始された。これはアルノルト・シェーンベルクの『5つの管弦楽曲』に着想を得たものといわれている。

まず「海王星」以外の6曲はピアノ・デュオのために、「海王星」はオルガンのために作曲された。 1914年に「火星」（8月以前）、「金星」（秋）、「木星」（年末）が作曲され、 1915年には「土星」（夏）、「天王星」（8月頃）、「海王星」（秋）が、そして1916年初頭に「水星」が作曲された。その後、日本人舞踏家伊藤道郎の依頼を受け、『惑星』の作曲を一時中断して『日本組曲』を完成している。

1917年になって、オルガンや声楽を含む大管弦楽のためにオーケストレーションされた。しかし、生涯ホルストを苦しめた腕の神経炎の再発のため、オーケストレーションにおけるホルスト自身の関与は後述する「水星」、ピアノスコアへの楽器の指定、口述などにとどまった（しかし全オーケストレーションの構想はホルスト自身で完成されていたようである）。フルスコア作成の補助のため、ホルストが勤めていたセント・ポール女学校音楽科の同僚ノラ・デイとヴァリ・ラスカー、学生のジェーン・ジョセフと筆記者としての契約を交わしている。オーケストレーションは創造的かつ色彩的であり、英国の作曲家よりもストラヴィンスキーら大陸の作曲家からの影響が強く見られる。

管弦楽法的には複雑ではないものの、ソロとトゥッティ（複数人で同じ旋律を奏でること）を使い分けて音の厚みを変化させたり、同一楽器で和音を奏する（例えば、フルート3本で和音を構成する）など大編成にも関わらず繊細で独特な音色、音響的効果が引き出されている。また声部は基本的に旋律、和音、ベース音など明確に分けられており、大編成のわりに曲の構造はわかりやすい。

「火星」の5拍子など民族的なリズムや、「海王星」などで現れる神秘的な和音など、作曲当時のある種、流行を取り入れているが、その親しみやすさのおかげで20世紀の音楽としては珍しく日常的に聞く機会に恵まれた曲になったといえる。

初演

ロイヤル・アルバート・ホール：1918年に初演が行われた
1918年の9月29日にロンドンのクイーンズ・ホールにおいて、エイドリアン・ボールトの指揮するニュー・クイーンズ・ホール管弦楽団により非公式の初演が行われている。正式な初演は、1920年10月10日にバーミンガムにて行われている。

組曲『惑星』は大編成の管弦楽のために書かれており、オルガンや、最後の「海王星」では舞台の外に配置された歌詞のない女声合唱が使われる。初演に立ち会った聴衆は斬新な響きに驚き、この組曲はたちまち成功を収めた。

『惑星』はホルストの最も知られた作品ではあるが、作曲者自身はこれを佳作の1つとして数えてはおらず、他の作品がことごとくその影に隠れてしまうことに不満を洩らしていた、といわれている。ただ、自身でも何度かこの作品を指揮し、録音も残しており、「土星」は気に入っていたという。

再評価
初演当初は好評をもって迎え入れられたが、同時代の作曲家の意欲的な作品（たとえばドビュッシーの『海』やストラヴィンスキーの『春の祭典』など）と比較してやや低水準と見なされた本作品は、ホルストの名とともに急速に忘れられる道をたどることになり、一時は英国内の一作曲家のヒット作という程度の知名度に甘んじるようになった。今日のような知名度を獲得するのは、1961年頃にヘルベルト・フォン・カラヤンがウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏会で紹介したことがきっかけである。カラヤンは続いて同じオーケストラでレコードを発売、鮮明な録音もあって大ヒットとなり、この曲は一躍有名になった。それ以後、近代管弦楽曲で最も人気のある作品の一つとして知られるようになった。また、初演者であるエイドリアン・ボールトにとっては名刺代わりのような曲であり、1945年から1974年までの間に5回の録音を行っている。

構成
作曲当時太陽系の惑星として知られていた8つの天体のうち、地球を除いた7つの天体（すなわち水星、金星、火星、木星、土星、天王星、海王星）に、曲を1曲ずつ割り当てた、全7曲で構成される組曲である。全曲を通した演奏時間は約50分（作曲者が指揮した録音では約42分）である。

「火星」と「水星」の位置が入れ替わっていることを例外として、各惑星は軌道長半径上で太陽から近い順番に配列されている。「火星」と「水星」の位置が入れ替わっているのは、最初の4曲を交響曲の「急、緩、舞、急」のような配列にするためだと言われる。もう1つの説明として、黄道12宮の守護惑星に基づくという説がある。黄道12宮を白羊宮（おひつじ座）から始まる伝統的な順番に並べるとその守護惑星は、重複と月・太陽を無視すれば楽章の順序に一致する。そのため、冥王星は水星と木星の間に来るべきだとする意見もある。

火星、戦争(戦い)をもたらす者
原題：Mars, the Bringer of War
Allegro
日本では「木星」に次いでよく知られている曲である。この曲について第一次世界大戦の影響を指摘されることもあるが、作曲者自身は否定している[1]。ニを主音とするが調号はなく、無調的。再現部の第2主題と第3主題の順序が入れかわったソナタ形式に相当する。

上記の5拍子のリズムは曲中でさまざまな楽器により演奏され、全体のモチーフになっている。提示部第3主題でのテナーチューバ（ユーフォニアムで演奏されることが多い）のソロが、オーケストラにおけるこの楽器の秀逸な用例としてしばしば言及される。全185小節。

金星、平和をもたらす者
原題：Venus, the Bringer of Peace
Adagio - Andante - Animato - Largo - Animato - Largo - Animato - Largo - Adagio - morendo - Tempo I
緩徐楽章に相当する。主に三部形式。主に、中間部は3拍子、他は4拍子である。主調は変ホ長調だが、途中複数の調を経由する。中間部にはヴァイオリンやチェロのソロもある。全141小節。

水星、翼のある使者
原題：Mercury, the Winged Messenger
Vivace
スケルツォに相当する曲である。組曲中で最も短い。ホ長調と変ロ長調の複調が用いられている。主に二部形式。ホルスト自身がフルスコアを書いたのはこの曲のみで、この曲を「心の象徴」と述べている。全296小節。

木星、快楽をもたらす者
原題：Jupiter, the Bringer of Jollity
Allegro giocoso - Andante maestoso - Tempo I - Maestoso - Lento maestoso - Presto
組曲中、最もよく知られている。特に中間部Andante maestosoの旋律が非常に有名である（後述）。大きな三部形式であり、主調はハ長調、中間部は変ホ長調、終盤で中間部の旋律が戻ってくるときにはロ長調である。全409小節。

土星、老いをもたらす者
原題：Saturn, the Bringer of Old Age
Adagio - Poco animato - Tempo I - Animato - Andante
組曲中で最も長い。ハ長調ではあるものの、第3音にフラットが付くなど調性は不安定である。ハ音上の付加六の和音や七度の和音が多用される。ホルスト自身この曲が最も気に入っていたといわれ、組曲中でも中核をなす曲と考えられる。全155小節。

天王星、魔術師
原題：Uranus, the Magician
Allegro - Lento - Allegro - Largo
スケルツォに近い曲。主に6拍子で、デュカスの『魔法使いの弟子』に影響を受けたといわれる。また、冒頭の印象的な4音（下譜面を参照。G, Es, A, H）は、ホルストの名前（Gustav Holst）を表していると言われ[誰によって?]、曲中にも執拗なまでに取り入れられている。

全250小節。

海王星、神秘主義者
原題：Neptune, the Mystic
Andante - Allegretto
ホ短調と嬰ト短調の複調。3+2の5拍子。静かなこの曲では[2]56小節目からは女声合唱[3]も演奏に加わり、最後の1小節には女声合唱のみとなる。そこには反復記号が記され、音がなくなるまで繰り返すように指示されている。全101小節。

編曲
この曲はオーケストラのための曲ではあるが、しばしば吹奏楽やブラス・バンドのために編曲される他、冨田勲によるシンセサイザー編曲、諸井誠によるオルガンと打楽器のための編曲などがある。

編曲の制約
ホルストは、この曲に関して非常に厳格な制約を設けていた。楽器編成の厳守（アマチュア団体の演奏に限り編成の縮小を認めた）から抜粋演奏の禁止まで提示しており、死後も遺族によって守られてきた[5]。

しかし1976年、冨田勲によるシンセサイザー版『惑星』が許可されて以降、この制約は絶対的なものではなくなっていく。1986年にはエマーソン・レイク・アンド・パウエルの同名アルバムにプログレッシブ・ロックにアレンジされた「火星」が収録され、ついにクラシック音楽の枠からも逸脱した（なお、キング・クリムゾンはデビュー当時からステージで火星を演奏していたが、1970年に発表されたキング・クリムゾンのアルバム「ポセイドンのめざめ」への収録は許可されなかった。そのため火星をモチーフとした"The Devil's Triangle"という楽曲として収録している[6]）。

現在では、人気のある「木星」と「火星」のみを抜粋して演奏されることがめずらしくない。また、バスオーボエ（バリトンオーボエ）のような普及率がきわめて低い特殊楽器は、他の楽器に代替して演奏されることもある。

「木星」の第4主題
「木星」の第4主題は作者自身によって管弦楽付きコラールに改作編曲されている。イギリスの愛国的な賛歌として広く歌われている「我は汝に誓う、我が祖国よ」（I vow to thee, my country）がそれであり、作品番号 (Op) はないが、H148がふられている。1918年にイギリスの外交官セシル・スプリング・ライス（Cecil Spring Rice, 1859年 - 1918年）が作った詩に、1918年（1921年説も）に「木星」の第4主題、Andante maestoso の旋律が付けられた歌である。歌詞が第一次世界大戦のさなかに作られ、作品の発表も1926年の第一次世界大戦休戦協定記念式典であったために、11月11日のリメンブランス・デーに歌唱されることが多い。

1926年にホルストの友人レイフ・ヴォーン・ウィリアムズが監修した賛歌集『ソングス・オブ・プライズ』でウィリアムズがホルストの「木星」を基にした作品を、彼が暮らした街の名にちなんで「サクステッド」（Thaxted）と呼んで以来、「木星」の第4主題を基にした作品は「サクステッド」とカテゴライズされるようになった。

1991年、ラグビーワールドカップのテーマソングとして新たな歌詞が付けられ、「ワールド・イン・ユニオン」（World In Union）として発表される。原曲は「サクステッド」としており、4分の3拍子を4分の4拍子に変えている。「ワールド・イン・ユニオン」は大会ごとにアレンジされている。

1997年にはオルガンに編曲されたものが、ダイアナ妃の葬儀において教会で演奏された。

イギリスをはじめ英語圏を中心に夥しい数の賛美歌などが作られているが、これらは原曲を「我は汝に誓う、我が祖国よ」「サクステッド」としている場合が多く（題名の下に (I vow to thee) あるいは (Thaxted) と付される）、『惑星』あるいは「木星」からとするものは少ない。以下の日本の作品もその点は判然としない。

2003年5月21日リリースの本田美奈子.のアルバム『AVE MARIA』の1曲として岩谷時子の歌詞によるものが収められている。それに先がけて遊佐未森が1999年に発表したアルバム「庭 (niwa)」にも「A little bird told me」の題で遊佐自身の詩による曲が収められている。

音楽プロデューサー浅倉大介は自身の参加ユニットであるaccessの「DELICATE PLANET」ツアー（1994年）において、この旋律を浅倉独自のシンセサイザーアレンジで演奏している。

平原綾香のデビュー曲は、吉元由美により第4主題に新たな歌詞が付けられたもので、2003年12月17日にシングル盤『Jupiter』としてリリースされた。

ハワード＝ブレイクリー（Ken Howard & Alan Blaikley）作曲、ザ・ハニカムズ (The Honeycombs)歌唱・演奏の「Once You Know」も、この旋律に触発された曲の1つである。

また、木星を舞台としたSEGAのアーケードゲーム「電脳戦機バーチャロン フォース」のエンディングにもこの旋律が流れる。

世界陸上大阪大会の開会式でサラ・ブライトマンが歌った曲「Running」もこの旋律を基にしている。ほか、三菱・ギャランフォルティスのCMソングにも用いられている。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%83%91%E6%98%9F_(%E7%B5%84%E6%9B%B2)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/767.html

[近代史6] ヴィルヘルム・ステーンハンマル（Carl Wilhelm Eugen Stenhammar, 1871 - 1927）
ヴィルヘルム・ステーンハンマル（Carl Wilhelm Eugen Stenhammar, 1871 - 1927）

北欧の作曲家として、グリーグとシベリウスに次ぐ存在だそうだ。自分はまだほとんど聞けていないが、イメージはバランスの良い実力派という感じである。

管弦楽曲

交響曲 第1番 ヘ長調 （1902年 - 1903年）
4.0点
馥郁とした豊かで柔らかい響きの巨匠的な品格ただよう1楽章はなかなかの名品。3楽章もロマン派交響曲の屈指の中間楽章と呼びたいほどの美旋律と自然を感じさせる豊穣な音楽世界が大変に秀逸である。オーケストレーションがかなり良いように聴こえる。ロマン派の発見した良さを交響曲の楽章として最高度に結晶させている。他の楽章もなかなかの力作で十分に曲の価値をキープして楽しませてくれる。感動的なフィナーレは見事な盛り上げ方であり、いいものを聴いたと胸が一杯になる。作曲家の独自性は2番の方があるが、1番も大変な傑作である。

交響曲 第2番 ト短調 作品34（1911年 - 1915年）
4.0点
北欧の厳しさを伴った大自然を感じさせるところはシベリウスに似ていて、ゾクゾクする素晴らしさがある。音使いが室内楽のように簡素でポリフォニックな印象が強いが、それでもオケとしての十分な演奏効果を上げている。壮大な世界の広がりと凍てつく空気と氷の大地を感じさせる1楽章はかなり良い。他の楽章も素晴らしい。没入感があり良い音楽を堪能させてもらえて幸せな時間を過ごせる名作である。時々音の密度感の不足に物足りなさを感じるときがあるものの、全体としてはこれは難解で晦渋なシベリウスの交響曲よりも優れているかもしれない。マイナーなのが驚きの名曲。

交響曲 第3番 ハ長調（1918年か1919年、断片的なスケッチ）

セレナード ヘ長調 作品31（1908年 - 1913年、1919年 改訂）
4.0点
見事な管弦楽法でセレナーデらしい愉しませつつ、高度で密度が高く品位も高い音楽を実現している。この曲にはマイナー曲に何かしらある物足りなさがほとんど感じられない。まさに大作曲家の作品らしい隙のなさと磨き上げられた完成度である。完成度で比較するなら交響曲よりも上であろう。もし人口に膾炙するようなメロディーを一つでも産み出して取り込めていたら、有名曲になれた作品である。北欧らしさがありつつも交響曲より色は薄めであり、かなりドイツ的である。ドイツならではの重厚などっしりとした手ごたえ感があるが、しかし北欧らしい情景の要素や、品のよい遊び心のあるセンスとふわっとした軽やかさがあるのが楽しい。

演奏会序曲「高みを目ざして（Excelsior!）」作品13（1896年）

ピアノ協奏曲 第1番 変ロ短調 作品1（1893年）
2.8点
1楽章はたいした特徴もなく地味で面白くない。2楽章は軽やかな詩情が楽しめる。楽しい気分で最後まで聴ける。3楽章は天才的な場面がごく短い間だけ存在するが他は凡庸である。4楽章も凡庸である。全体として2楽章だけがオススメできるが他はあまり面白くないのと、4楽章通すと長すぎるため我慢の時間が長すぎてあまり評価できない。作曲者がピアノ協奏曲に向いていない印象である。

ピアノ協奏曲 第2番 ニ短調 作品23（1904年 - 1907年）
3.0点
それなりに立派に書かれた曲である。しかし、ピアノ協奏曲というフォーマットを使って独自の表現世界を作ろうとするアイデアが足りないように思えてしまう。なんともしっくりこない。独奏の場面が多いのは特徴と思う。オケにピアノの伴奏をさせて、ピアノを活躍させて、逆にピアノにオケの伴奏をさせることによって産まれる美や情感や情景に入り込めない。しかしこの不満が2楽章の後半から改善して良くなる。3楽章と華やかで高揚感があり愉しませるものがある。

（ヴァイオリンと管弦楽のための）2つの感傷的なロマンス 作品28（1910年）

室内楽曲

弦楽四重奏曲 第1番 ハ長調 作品2（1894年）
3.5点
音が薄めの管弦楽曲で個人的に想像していたとおり、とても弦楽四重奏はマッチしているようだ。この曲は多くの素材により複雑に作り込まれた充実感が素晴らしい。巨匠的な響きや音使いの品格と隙のない充実感がある。これで、パッと分かるよいメロディーや雰囲気作りがあれば完璧なのだが、4楽章はそれに近いものがある耳に残る憂いのあるメロディーを持っている。達人ドヴォルザークのセンスには負けるかもしれないが、かなりのレベルで弦楽四重奏をマスターしている。

弦楽四重奏曲 第2番 ハ短調 作品14（1896年）

弦楽四重奏曲 第3番 ヘ長調 作品18（1900年）

弦楽四重奏曲 第4番 イ短調 作品25（1909年）
3.3点
短調の曲である。特に陰鬱さが強調されているわけでもないのに、全体にやたらと浮かない気分にさせられるのは何故だろう。密度感や構成や素材の充実感はあるのだが、聴いていて暗い気分になるせいでなんだか楽しめない。おそらくは非力になり重力に負けて身体を横たえながら魂が抜けながら脱力していく感じが気力の喪失を感じさせて、それが精神にダメージを与えるのだろう。あまり記憶のない不思議な感覚だと思った。また、充実感があるにも関わらず「これは良い」とすぐ分かる明快なメロディーやフレーズの良さに欠けるのも欠点である。

弦楽四重奏曲 第5番 ハ長調 作品29（1910年）
3.5点
わりと短い曲なのだが、非常に多くのものを内包した作品である。深淵にして自由闊達なところは、ベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲をかなり連想させる。あれほどの高みと深淵は全然ないにしても、通常では到底到達しないかなりの独自の境地に居る音楽と感じる。達観したような感じだろうか。音が薄いのだが、不思議なバランスと自由さで駆け回っていき、それが妙に多くのものを限界も自由さの臨界点も裏も表も全て見切ったか心境に感じるのだ。不思議な作品である。

弦楽四重奏曲 第6番 ニ短調 作品35（1916年）
3.5点
人生の終焉に向かって総決算をしていくような心境がやりすぎな位に赤裸々に描かれている。晩年らしい作品に作品である。祈りの気持ちが前面に出たり感傷的になる場面もある。かなり感動的な曲なのだが、それまでの作品と比較して、あまりに曲のトーンが一面的に偏っている気はする。感動的な場面が多数の赤裸々なこの曲は、ベートーヴェンやブラームス後期に匹敵すると感激する人も居るだろう。

ヴァイオリン・ソナタ イ短調 作品19（1899年または1900年）

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E5%8C%97%E6%AC%A7

カール・ヴィルヘルム・エウフェーン・ステーンハンマル（ステンハンマルとも、Carl Wilhelm Eugen Stenhammar, 1871年2月7日 - 1927年11月20日）は スウェーデンの作曲家、ピアニスト、指揮者。

生涯
1887年から1892年までストックホルムでピアノ・オルガン・作曲を学び、1892年春にピアニストとしてデビュー。同年秋から翌年まで、ベルリンにピアノ留学。この頃からステーンハンマルは、コンサート・ピアニストとして、熱心かつ積極的に活動を行う。とりわけ、作曲家・ヴァイオリニストトール・アウリンとのデュオや、アウリン弦楽四重奏団との共演に熱意を寄せた。

1897年秋に、初めて指揮者として公開演奏に乗り出し、これ以降、作曲活動を別とすれば、指揮が生涯の長きにわたって活動の中心を占めた。1900年か1901年にストックホルム王室歌劇場の楽長に就任。1906年または1907年から 1922年までの間、エーテボリ交響楽団（スウェーデン初のプロの常勤オーケストラ）の首席指揮者を務め、多くの同時代のスカンジナヴィアの音楽を上演した。1923年から1925年まで、再びストックホルム王室歌劇場の楽長に復帰。

1909年に短期間、ウプサラ大学の音楽監督を務めたが、翌年この職務をアルヴェーンに引き継いでいる。

ステーンハンマルは生涯を通して、スカンジナヴィアの音楽界で高い尊敬を勝ち得、多くの名声ある同僚たちと親交を保った。1916年にイェーテボリ大学より名誉博士の学位を受けた。

作風
ステーンハンマルは、スウェーデンの最も重要な作曲家の一人である。同世代のアルヴェーンとともに、ベルワルド以降の最も重要な交響曲作家でもある。

ステーンハンマルは、様式的に見て後期ロマン派音楽の作曲家である。当初は、完全にベートーヴェン、ワーグナー、ブルックナー、ブラームスらに影響されて、力強さと激しい情感を伝える重厚な作品を書いた。しかしながら、友人のニールセンやシベリウスの手引きで、そのような美学を疑うようになり、新ドイツ楽派から徐々に背を向けた。

1910年を境にステーンハンマルは、新しい理想を成熟させ、それ以降は、「北欧風」の抑揚を目標に掲げ、効果なしでも成り立つような、「透明で飾り気ない」音楽を作曲しようとした。この頃からステーンハンマルの作品は、民謡の旋律法にしたがって形成され、教会旋法の活用や、ある種の真に簡潔な表現によって、紛うことなき「スカンジナヴィア風」の抑揚が展開されている。それにもかかわらず、高度な作曲技法は、わけても明白なポリフォニーが表現に加味されることによっても明らかである。この新しい様式の典型的な作品が、ドーリア旋法を用いた『交響曲第2番』にほかならない。

作品

歌劇
『ソールハウグの宴』 作品6（1893年）
『ティルフィング』 作品15（1898年）

管弦楽曲
交響曲第1番ヘ長調 （1902年 - 1903年、撤回）
交響曲第2番ト短調作品34（1911年 - 1915年）
交響曲第3番ハ長調（1918年か1919年、断片的なスケッチ）
セレナード ヘ長調 作品31（1908年 - 1913年、1919年 改訂）
演奏会用序曲『エクセルシオール!』[注 1]作品13（1896年）
ピアノ協奏曲第1番変ロ短調 作品1（1893年）
ピアノ協奏曲第2番ニ短調作品23（1904年 - 1907年）
（ヴァイオリンと管弦楽のための）2つの感傷的なロマンス 作品28（1910年）

声楽曲
カンタータ『一つの民族』 作品22（1905年）
カンタータ『歌』 op.44（1921年）
合唱曲、約60曲の歌曲

室内楽曲
弦楽四重奏曲第1番ハ長調 作品2（1894年）
弦楽四重奏曲第2番ハ短調 作品14（1896年）
弦楽四重奏曲第3番ヘ長調 作品18（1900年）
弦楽四重奏曲第4番イ短調 作品25（1909年）
弦楽四重奏曲第5番ハ長調 作品29（1910年）
弦楽四重奏曲第6番ニ短調 作品35（1916年）
ヴァイオリンソナタイ短調 作品19（1899年または1900年）

ピアノ曲
ピアノソナタ ハ長調（第1番）（1880年）
ピアノソナタ ハ短調（第2番）（1881年）
ピアノソナタ 変イ長調（第3番）（1885年）
ピアノソナタ ト短調（第4番）（1890年）
ピアノソナタ 変イ長調 作品12 （1895年）
3つの幻想的小曲集 作品11 （1895年）
5つの小品『晩夏の夜』作品33 （1914年）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%B4%E3%82%A3%E3%83%AB%E3%83%98%E3%83%AB%E3%83%A0%E3%83%BB%E3%82%B9%E3%83%86%E3%83%BC%E3%83%B3%E3%83%8F%E3%83%B3%E3%83%9E%E3%83%AB

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[近代史6] ヴィルヘルム・ステーンハンマル 交響曲 第2番ト短調 作品34
ヴィルヘルム・ステーンハンマル 交響曲 第2番ト短調 作品34

Wilhelm Stenhammar : Symphony No. 2 in G minor Op. 34 (1911-15)

I. Allegro energico
II. Andante
III. Scherzo. Allegro, ma non troppo presto
IV. Finale. Sostenuto-Allegro vivace.

the Gothenburg Symphony Orchestra
Neeme Järvi

▲△▽▼

交響曲第2番ト短調 作品34は、ヴィルヘルム・ステーンハンマルが作曲した交響曲。

セレナードなどと並んで、ステーンハンマルの代表的な管弦楽作品と見なされている。 主調は「ト短調」となっているが、正しくは「Gを開始音とするドリア調」である。 また、ステーンハンマルが1909年頃から着手した500ページに及ぶ対位法研究の成果も顕著に表れている。

ステーンハンマルの作曲した2番目の交響曲であるが、以前に作曲した交響曲第1番は作曲家自身によって撤回された為、作曲家自身は決して「第2番」と呼ぶことは無く、単に「交響曲、作品34」と呼んでいた（出版された総譜にも「第2番」の記載が無い版が存在する）。 ステーンハンマル自身はこの交響曲について、「華美とは無縁の、謹厳実直な音楽」とコメントしている。

作曲の経緯
1910年にニールセンの交響曲第1番（この曲もト短調である）を指揮した事がきっかけとなり、新しい交響曲の構想を始める。

1911年にイタリアに旅行した際、ローマのボルゲーゼ荘において第1楽章の最初のスケッチに着手し、1915年に完成した[1]。

初演
1915年4月22日、エーテボリ・コンサートホールにおいて開催された、エーテボリ交響楽協会（Gothenburg Orchestral Society）創立10周年を祝う音楽祭の中で、作曲者の指揮、エーテボリ交響楽団により初演された[1]。

献呈
「我が親愛なる友人達、エーテボリ交響楽団の団員達へ」のコメントと共にエーテボリ交響楽団に献呈されている[1]。

楽器編成
編成表
木管 金管 打 弦
Fl. 2 Hr. 4 Timp. ● Vn.1 ●
Ob. 2 Trp. 2 他 Vn.2 ●
Cl. 2 Trb. 3 Va. ●
Fg. 2 他 Vc. ●
他 Cb. ●
ほぼ標準的な2管編成である。

演奏時間
約42分から47分。

楽曲構成
第1楽章 Allegro energico

第1楽章冒頭部の第1主題
ソナタ形式。弦楽器のユニゾンによって古い舞曲のような第1主題が提示され、すぐにフルートが応えると厚みを増しながら展開されてゆき、最初のクライマックスを形成すると静かになり、ややテンポを落として弦楽器の旋律の上に木管楽器やホルンによって雄大で悲しげな第2主題が現れる。 弦楽器にもう一度この主題が現れ、オーボエ・ソロとなり、やがて木管に第1主題が戻って来て展開部に入り、主に第2主題を扱ってゆく。 そのまま再現部に突入し後半に入ると弦楽器などで第2主題がゆったりと奏され、木管の主導でコーダに入り、最後の盛り上がりの頂点でト長調主和音上に終止する。

第2楽章 Andante
この交響曲では唯一ドイツ的な雰囲気を感じる音楽となっている。 弦楽器のコラール風の音楽に始まる。この旋律は哀歌風の響きを持ったり、賛歌風に長調で現れたりしながら様々な楽器に受け渡され、木管の下降音形で閉じられる。

第3楽章 Scherzo: Allegro, ma non troppo presto
弦楽器の下降する旋律で始まる、北欧の香りの強いスケルツォ。トリオはややテンポを落とし、ステーンハンマルお得意の木管によるエレジー。スケルツォ主部が回帰し、木管のひっそりとした音形で終わる。

第4楽章 Finale: Sostenuto - Allegro vivace alla breve
2つの主題（譜例1・譜例2）を元にした複雑なフーガがこの楽章の大部分を占めており、 この2つの主題はあらゆる場面で登場する。 この交響曲では最も長い楽章だが、大まかに7つの部分に分ける事ができる。

Sostenuto
Introduktion
この最初の序奏では、弦楽器の下降音形の上にホルンが第2主題から派生した旋律（譜例2A)を奏し、それに対してオーボエやフルートが同じ旋律で応答する。
この旋律がトランペットに引き継がれて最大の盛り上がりを見せた後にディミヌエンドをして音楽は一旦静まる。
Allegro vivace
ここから最初のフーガに入る。
低弦に第1主題（譜例1）が登場し、それに他の弦楽器が加わった後、フルートやオーボエ、クラリネットも応唱を開始する。
この主題が様々に展開しホルンやトランペットも加わり盛り上がりを見せた後、一旦音楽は静まる。
Tranquillamente
クラリネットによって第2主題（譜例2）が提示され、第2のフーガが始まる。このフーガは最初のフーガとは違い、殆ど木管楽器のみがフーガを演奏し、最初のフーガよりもかなり短い。
終始静かな雰囲気を保ち、盛り上がりは見せない。
Allegro ma non troppo, poco a poco animando.
弦楽器のピッツィカートが第2主題の変奏B（譜例2B）を用いて再びフーガを展開し始める。
途中からクラリネットによって第1主題の変奏A（譜例1A）も加わる。
一旦第1主題の変奏Aが主導的になるが、その後チェロとコントラバスに導かれてあらわれる第2主題の変奏Cによる旋律が主導権を握る。
しかしその裏では第1主題の変奏A（譜例1A）が中心となった非常に複雑な伴奏がうごめいている。
そしてそのまま勢いを失わずに次のPassionateに突入する。
Passionate
ここでヴァイオリンが第1主題の変奏C（譜例1C）による旋律を奏し始める。
この旋律は次々に別の楽器に受け渡されていく。
Vivace
クラリネットとファゴットを始めとする楽器が第2主題の変奏D（譜例2D）を奏する中で、
今度はチェロとコントラバスにトロンボーンとファゴットを加えた低音グループを始めとして第2主題の変奏C（譜例2C）による旋律が再び奏されて受け渡されていく。
この2つが交互にあらわれ、盛り上がりを迎えた後、ティンパニによって奏される第2主題の変奏Dを元にしたリズム（譜例2E）と共に曲は再び静まりかえる。
Coda. Poco sostenuto. Solenne
コーダではホルンとティンパニの刻むリズムに迎えられた後、ヴァイオリンが再び第1主題の変奏C（譜例1C）を奏する。
その旋律を、チェロやファゴットをはじめとする低音楽器が非常に拡大された第2主題の変奏Cで支え続ける。
そしてトランペットとトロンボーンが木管楽器とティンパニの刻むリズムにささえられ第1主題の変奏C（譜例1C）を奏した後、
最後にはト長調の主和音を強奏して終結する。

録音
主な録音（録音年・レーベル名）

シクステン・エッケルベリ指揮エーテボリ交響楽団（1947年・Radiotjänst）
トール・マン指揮ストックホルムフィルハーモニー管弦楽団（1959年・RCA及びSwedish Society）
スティグ・ヴェステルベリ指揮ストックホルムフィルハーモニー管弦楽団（1978年・CAPRICE）
ネーメ・ヤルヴィ指揮エーテボリ交響楽団（1983年・BIS）
ネーメ・ヤルヴィ指揮エーテボリ交響楽団（1993年・DGG）
ペッテル・スンドクヴィスト指揮ロイヤル・スコティッシュ・ナショナル管弦楽団（1996年・NAXOS）
パーヴォ・ヤルヴィ指揮ロイヤル・ストックホルム・フィルハーモニー管弦楽団（1996年・Virgin）
ニール・トムソン指揮マルメ音楽大学交響楽団（2009年・Daphne）

備考
後の1923年に作曲され、ステーンハンマルに献呈されたシベリウスの交響曲第6番も、この曲と同様にドリア旋法が用いられている。
第4楽章にベートーヴェンの大フーガの影響を指摘する意見もある。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%A4%E9%9F%BF%E6%9B%B2%E7%AC%AC2%E7%95%AA_(%E3%82%B9%E3%83%86%E3%83%BC%E3%83%B3%E3%83%8F%E3%83%B3%E3%83%9E%E3%83%AB)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/769.html

[近代史6] オットリーノ・レスピーギ（Ottorino Respighi, 1879 – 1936）
オットリーノ・レスピーギ（Ottorino Respighi, 1879 – 1936）

ローマの噴水　Fontane di Roma (1915 – 16年)
ローマの松　Pini di Roma (1923 – 24年)
ローマの祭り　Feste Romane (1928年)

ピアノ協奏曲
2.5点
まるでグリーグの協奏曲のように、やたらとロマンティックな曲である。オケが薄い気がするし、音楽のつくりの線が細くて断片の集合のように聞こえる。おおっと思う部分もあるが、全体的にはいまいち。

ヴァイオリンソナタ
3.3点
ブラームスの重厚で濃厚な雰囲気と、リヒャルト・シュトラウスの爛熟感をベースに、もう少し近代的な音感覚で書いた作品というイメージ。巨匠的な名作感とか、完成度に驚くようなものはないのだが、曲の存在感があるため記憶には残る作品になっている。曲の幻想的で儚い憧れを秘めた濃密な感情に強く揺さぶられる楽しみがある。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%82%A4%E3%82%BF%E3%83%AA%E3%82%A2

オットリーノ・レスピーギ（Ottorino Respighi, 1879年7月9日 – 1936年4月18日）は、イタリアの作曲家・音楽学者・指揮者。ボローニャ出身で、1913年からはローマに出て教育者としても活動した。1908年までは演奏家、とりわけヴァイオリン奏者やヴィオラ奏者として活動したが、その後は作曲に転向した。近代イタリア音楽における器楽曲の指導的な開拓者の一人としてつとに名高く、「ローマ三部作」と呼ばれる一連の交響詩（《ローマの噴水（イタリア語: Fontane di Roma）》、《ローマの松（イタリア語: Pini di Roma）》、《ローマの祭り（イタリア語: Feste Romane）》）が広く知られる。16世紀から18世紀の音楽に対する関心から、古楽に基づく作品も遺した。

略歴
ボローニャに生まれ、地元の音楽教師だった父親からピアノとヴァイオリンの指導を受ける。1891年から1899年までボローニャ高等音楽学校においてヴァイオリンとヴィオラをフェデリコ・サルティに、作曲をジュゼッペ・マルトゥッチに、音楽史を、古楽の専門家ルイージ・トルキに師事。1899年にヴァイオリン演奏でディプロマを取得すると、1900年から1901年までと、1902年から1903年までの2度のシーズンにわたってロシア帝国劇場管弦楽団の首席ヴィオラ奏者としてペテルブルクに赴任し、イタリア・オペラの上演に携わった。ペテルブルクではニコライ・リムスキー＝コルサコフと出逢って5ヶ月におよぶ指導を受け、その精緻な管弦楽法に強い影響を受けた。多くの資料では、さらに1902年にベルリンで短期間マックス・ブルッフの薫陶を受けたとされているが、エルザ未亡人はこの説を事実ではないとして否定している[1]。その後ボローニャに戻り、作曲で2つめの学位を取得した。1908年までムジェッリーニ五重奏団より第1ヴァイオリン奏者に迎えられている。1908年から1909年までベルリンに滞在し、演奏家や、声楽教室のピアノ伴奏者として稼ぎながら音楽的な知見を広げ、イタリア人以外の作曲家にも開眼した。

ようやく帰国すると作曲に没頭し、自作のカンタータ《アレトゥーザ（イタリア語: Aretusa）》（1911年）のピアノ伴奏版の作成に熱心に打ち込む。

ボローニャ高等音楽学校に定職が得られることを要望するも果たせず、やっと1913年にサンタ・チェチーリア国立アカデミア作曲科教授に任命されてローマに移住し、以後最晩年まで同地にて暮らした。1917年に交響詩《ローマの噴水》をローマで初演するが成功せず、自信を喪失するが、1918年、アルトゥーロ・トスカニーニによるミラノでの再演が大成功をおさめ、作曲家としての突破口を切り開くことができた。1919年に、1915年からの門弟で、声楽家でもあったエルザ・オリヴィエリ＝サンジャコモと結婚する。

1923年にはサンタ・チェチーリア国立アカデミアの院長に就任し、1926年にも再び院長に任命されたため、十分な時間を作曲に充てることができなくなった。それでも1935年まで教職に就き、1925年にセバスティアーノ・アルトゥーロ・ルチアーニと共著で初歩的な教則本『オルフェウス（ラテン語: Orpheus）』を上梓した。1932年にはイタリア王国学士院の会員に任命された。

晩年は国内外で自作の上演のため何度も演奏旅行に出ており、指揮者を務めたり、ピアニストとして声楽家であるエルザ夫人の伴奏を務めたりなどした。レスピーギの作品はファシスト党政権にも非常に好評であったが、レスピーギ自身はまだファシズムに深入りしてはいなかった。後半生はベニート・ムッソリーニのファシスト党とぎこちない関係を続けた。それでもトスカニーニのような明け透けな党の批判者の支持も得て、批判者が自作を上演することを認めた[2]。《ローマの祭り》の初演は1929年にトスカニーニの指揮するニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団によって行われた。初録音は1942年にフィラデルフィア管弦楽団、再録音は1949年にNBC交響楽団によって行われ、いずれもトスカニーニの指揮であった。

レスピーギの作品はアメリカ合衆国でかなりの成功を収めた。ピアノと管弦楽のための《トッカータ》は1928年11月にカーネギーホールにおいて、作曲者自身のピアノ独奏とウィレム・メンゲルベルクの指揮、ニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団によって初演されている。大規模な変奏曲《メタモルフォーゼ（Metamorphoseon）》はボストン交響楽団創立50周年記念の依嘱作品であった。

1936年1月までは作曲を続けていたが、その後は次第に病に蝕まれ、もはや新作を完成させることができなかった。同年4月18日に心臓病のため亡くなり、ローマに埋葬されたが、翌1937年には亡骸が郷里のボローニャに移葬された。

作風
初期の擬古典主義的な習作の後、ロシア滞在を経てレスピーギの音楽語法は変化を遂げた。自由な形式、拡張された和声法、振幅の大きい表現が、それ以後の作品を左右する要素となっている。さらにレスピーギ作品を代表しているのが、イタリア国内のヴェリズモからの離反である。イルデブランド・ピッツェッティやジャン・フランチェスコ・マリピエロ、アルフレード・カゼッラとともに、ヨーロッパ全土からの影響を咀嚼して、現代的な音楽文化を成立させた。当のレスピーギは作品中において複調的な傾向を見せており、管弦楽曲はとりわけフランス印象主義音楽（特にクロード・ドビュッシー、モーリス・ラヴェル）の影響を感じさせるものの、鋭角的なオーケストラの色彩感覚は両者のそれと全く異なるものである。

また、レスピーギはイタリアにおける古楽復興の旗手でもあり、17世紀とその前後のイタリア音楽に対する熱心な研究・調査から、クラウディオ・モンテヴェルディやアントニオ・ヴィヴァルディの作品のほか、ベネデット・マルチェッロの《ディドーネ（イタリア語: Didone）》を校訂して出版した。過去の作曲家や古い様式への傾倒から、レスピーギを新古典主義音楽の作曲家と位置付けすることもできるが、実のところ古楽に基づくレスピーギの作品群は、「新ルネサンス様式」「新バロック様式」と呼ぶのが正確だろう。レスピーギは、古典派音楽以前の旋律様式や（舞踊組曲などの）音楽形式を、近代的な和声法やテクスチュアと好んで融合させている。方やフランスで六人組が、「新しい単純性」を、中でもウィーン古典派の軽やかさへの回帰を標榜したのに対し、レスピーギは、イタリア古楽の復興、そして古楽の再創造・構成のために古い音楽を利用したのであった。

ロシア時代に作曲された《ピアノ協奏曲 イ短調》などの初期作品では、師事したリムスキー＝コルサコフと共に、親交を結んでいたセルゲイ・ラフマニノフの影響を見ることができる。

主要作品

声楽曲・合唱曲
独唱と合唱、管弦楽のための聖書によるカンタータ《キリスト（ラテン語: Christus）》（1898年 – 99年、自作詩による）
メゾソプラノと管弦楽のためのカンタータ《アレトゥーザ（Aretusa）》（1910年 – 11年、原詩：シェリー）
メゾソプラノと管弦楽のためのカンタータ《オジギソウ（La Sensitiva）》（1914年、原詩：シェリー）
メゾソプラノと弦楽四重奏（または弦楽合奏）のための連作歌曲《黄昏（Il Tramonto）》（1914年、原詩：シェリー）
ソプラノと小オーケストラのための連作歌曲《森の神（Dietà silvane）》（1917年、原詩：アントニオ・ルビノ）
独唱と合唱、管弦楽のための抒情詩《春（La Primavera）》（1922年、原詩：Constant Zarian）
独唱と混成合唱、室内アンサンブルのためのカンタータ《降誕祭のためのラウダ（Lauda per la Natività del Signore）》（1930年作曲、原詩：ヤコポーネ・ダ・トーディ?）

歌劇
3幕の喜歌劇《エンツォ王（Rè Enzo）》（台本：アルベルト・ドニーニ、1905年作曲、初演：1905年3月、ボローニャ・デル・コルソー劇場）
《（Al mulino）》（1908年、未完の断片）
3幕の悲歌劇《セミラーマ（Semirâma. Poema tragico）》（台本：アレッサンドロ・チェレ、1910年作曲、初演：1910年、ボローニャ・コムナーレ劇場）
4幕5場の歌劇《マリー・ヴィクトワール（フランス語: Marie Victoire）》（原作：エドモン・ギローの同名の戯曲、1912年 – 14年作曲、世界初演：2004年1月27日、ローマ・オペラ座、ドイツ初演：2009年4月9日、ベルリン・ドイツ・オペラ）
メルヒェン・オペラ《眠れる森の美女（La bella addormentata nel bosco (La bella dormente nel bosco). Fiaba musicale）》（原作：ペロー童話集、台本：ジャン・ビストルフィ、1916年 – 21年作曲、初演：1922年、ローマ・オデスカルキ劇場）
序幕と2幕、終幕からなる抒情喜劇《ベルファゴール（Belfagor. Commedia lirica Prolog, 2 Akte und Epilog.》（原作：エルコーレ・ルイージ・モルセッリ、台本：クラウディオ・グヮスタッラ、1921年 – 22年作曲、初演：1923年、ミラノ・スカラ座）
4幕の歌劇《沈める鐘（La campana sommersa）》（原作：ゲルハルト・ハウプトマン、独語版台本：ヴェルナー・ヴォルフ、伊語台本：クラウディオ・グヮスタッラ、1925年 – 26年作曲。独語版初演：1927年11月18日、ハンブルク国立歌劇場。伊語版初演：1929年4月、ローマ・オペラ座）
1幕と2つの終幕からなる神秘劇《エジプトのマリア（Maria egiziaca）》（台本：クラウディオ・グヮスタッラ、初演：1932年、ヴェネツィアおよびニューヨーク）
3幕4景のメロドラマ《炎（La fiamma. Melodramma）》（原作：ハンス・ヴィエルス＝イェンゼン、台本：クラウディオ・グヮスタッラ、1933年作曲、初演：1934年、ローマ・オペラ座）
1幕3景の史劇《ルクレツィア（Lucrezia. Istoria）》（台本：クラウディオ・グヮスタッラ、1935年か1936年に着手された遺稿の断片をエルザ未亡人が補筆、初演：1937年、ミラノ・スカラ座）

バレエ音楽
ロッシーニの主題によるバレエ《風変わりな店（フランス語: La boutique fantasque）》（1918年作曲、初演：1919年、ロンドン・アルハンブラ劇場）
舞踊付き喜劇《ヴェネツィアの遊戯（Scherzo veneziano. Commedia coreografica）》（台本：イレアナ・レオニドフ、作曲：1920年、初演：1920年、ローマ・コスタンツィ劇場）
17世紀と18世紀のフランス音楽の主題によるバレエ《（フランス語: Sèvres de la vieille France）》（1920年作曲、初演：1920年、ローマ・コスタンツィ劇場）
ロシア民謡の主題による《（La pentola magica. Azione coreografica）》（1920年作曲、初演：1920年、ローマ・コスタンツィ劇場）
17世紀と18世紀のフランス音楽の主題によるバレエ《鳥（Gli uccelli）》（1928年作曲、初演：1933年、サンレモ市民会舘）
5幕のバレエ《シバの女王ベルキス（Belkis, regina di Saba）》（台本：クラウディオ・グヮスタッラ、初演：1931年、ミラノ・スカラ座）
Le astuzie de Columbina

管弦楽曲
交響的変奏曲 (1900年)
前奏曲、コラールとフーガ　Preludio, corale e fuga (1901年)
組曲ホ長調（シンフォニア）(1901年、1903年改訂)
序曲《謝肉祭》 Ouverture carnevalesca (1913年)
劇的交響曲　Sinfonia Drammatica (1913 – 14年)
「ローマ三部作」　Trilogia Romana
ローマの噴水　Fontane di Roma (1915 – 16年)
I. 夜明けのジュリアの谷の噴水　La fontana di Valle Giulia all'alba
II. 朝のトリトンの噴水　La fontana di Tritone alla mattina
III. 昼のトレヴィの噴水　La fontana di Trevi al pomeriggio
IV. たそがれのメディチ荘の噴水　La fontana di Villa Medici al tramonto
ローマの松　Pini di Roma (1923 – 24年)
I. ボルゲーゼ荘の松　l pini di Villa Borghese
II. カタコンバ付近の松　Pini presso una catacomba
III. ジャニコロの松　l pini del Gianicolo
IV. アッピア街道の松　l pini della Via Appia
ローマの祭り　Feste Romane (1928年)
I. チルチェンセス　Circenses
II. 五十年祭　Il giubileo
III. 十月祭　L'Ottobrata
IV. 主顕祭　La Befana
リュートのための古風な舞曲とアリア
組曲 第1番 (1917年)
シモーネ・モリナーロとヴィンチェンツォ・ガリレイおよび作者不明のリュート作品に基づく
組曲 第2番 (1924年)
ファブリツィオ・カローゾやジャン＝バティスト・ベサールおよび作者不明がリュートやテオルボ、ヴィオールのために作曲した小品に基づく。また、マラン・メルセンヌ作曲とされる歌曲も利用されている
組曲 第3番 (1932年)
先行する2曲と異なり、弦楽合奏曲として構想され、全般的に憂愁を湛えている。ベサール作曲のエール・ド・クールや、ルドヴィコ・ロンカッリのギター曲、サンティーノ・ガルシ・ダ・パルマのリュート曲のほか、作者不明の作品が利用されている
こびとの踊り　Ballata delle Gnomidi (1920年) クラウディオ・クラウゼッティの詩に基づく
管弦楽組曲《ロッシニアーナ》 Rossiniana (1925年)
ロッシーニのバガテル（フランス語: Les petits riens）《老いのあやまち》の自由な編曲
教会のステンドグラス　Vetrate di chiesa (1925年)
全4楽章のうち3楽章は、ピアノ曲集《グレゴリオ聖歌による3つの前奏曲（Tre Preludi sopra melodie gregoriane）》(1919年)が原曲
鳥　Gli Uccelli (1927年)
鳥を模倣したバロック音楽、なかでもクラヴサン曲を編曲したもの。同名のバレエ音楽の原曲
I. 前奏曲　Preludio
II. 鳩　La colomba
III. めんどり　La gallina
IV. 夜鴬　L'usignoulo
V．かっこう　Il cuccu
ボッティチェッリの3枚の絵　Trittico Botticelliano (1927年)
I. 春　La Primavera (Allegro vivace)
II. 東方博士の礼拝　L'Adorazione dei Magi (Andante lento-Poco più mosso)
III. ヴィーナスの誕生　La nascita di Venere (Allegro moderato)
ブラジルの印象　Brazilian Impressions (1928年)
I. 熱帯の夜　Notte tropicale
II. ブタンタン　Butantan
III. 歌と踊り　Canzone e danza
主題と変奏《第12旋法によるメタモルフォーゼ》 Metamorphoseon. Modi XII: Tema e Variazioni (1930年)
パッサカリアとフーガ ハ短調 BWV582（バッハのオルガン曲の管弦楽編曲）※他にもバッハ作品の編曲を数多く行っている。
5つの《音の絵》（ラフマニノフのピアノ曲の管弦楽編曲）

協奏的作品
ピアノ協奏曲 イ短調 （1902年）
ピアノと管弦楽のための《スラヴ幻想曲（Fantasia Slava）》（1903年）
ヴァイオリン協奏曲 イ長調（1903年、未完）…サルヴァトーレ・ディ・ヴィットリオ（英語版）により補筆、2010年に世界初演。
ピアノと管弦楽のための《ブルレスケ（Burlesca）》 （1906年）
ピアノと管弦楽のための《ミクソリディア旋法の協奏曲（Concerto in modo misolidio）》（1925年）
ピアノと管弦楽のための《トッカータ》（1928年）
ヴァイオリンと弦楽合奏のための《パストラーレ（Pastorale）》（1908年）
ヴァイオリンと管弦楽のための《古風な協奏曲（Concerto all'antica） イ短調》 （1908年）
ヴァイオリンと管弦楽のための協奏曲《グレゴリオ聖歌風（Concerto Gregoriano）》（1921年）
ヴァイオリンと管弦楽のための《秋の詩（Poema Autunnale）》（1920-25年）
チェロと管弦楽のための《アダージョと変奏（Adagio con variazioni）》 (1920年）
オーボエとトランペット、ヴィオラ・ダ・モーレ、コントラバス、ピアノと弦楽合奏のための《5声の協奏曲（Concerto a cinque）》（1933年）

室内楽曲
オルガンと弦楽合奏のための《組曲 ト長調》 (1905年）
複四重奏曲 ニ短調 （1901年？）
ピアノ五重奏曲 ヘ短調 （1902年？）
弦楽五重奏曲 （年代・日付の記入なし）
単一楽章の弦楽四重奏曲 ニ短調 （年代・日付の記入なし）
ヴィオラ四重奏曲 ニ長調 （1906年？）
弦楽四重奏曲 第1番 ニ長調 （1892年 – 98年？、未出版の習作）
弦楽四重奏曲 第2番 変ロ長調 （1898年？、未出版の習作）
弦楽四重奏曲 ニ長調 （1907年）
弦楽四重奏曲 ニ短調 （1909年、"ドイツ語: Ernst is das Leben, heiter ist die Kunst"との銘が掲げられている）
ドリア旋法による弦楽四重奏曲（Quartetto Dorico, 1924年）

その他の器楽曲
ヴァイオリンとピアノのための6つの小品 （1901 – 06年）
ヴァイオリン・ソナタ ロ短調 （1916-17） - Sonata per violino e piano
ピアノ曲《グレゴリオ聖歌による3つの前奏曲（Tre Preludi sopra melodie gregoriane）》 （1919年）
ギターのための《変奏曲（Variazioni）》

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%AA%E3%83%83%E3%83%88%E3%83%AA%E3%83%BC%E3%83%8E%E3%83%BB%E3%83%AC%E3%82%B9%E3%83%94%E3%83%BC%E3%82%AE
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/770.html

[近代史6] オットリーノ・レスピーギ ヴァイオリン・ソナタ ロ短調
オットリーノ・レスピーギ ヴァイオリン・ソナタ ロ短調

Respighi sonate violin Kyung Wha Chung-Krystian Zimerman

I: Moderato - 0:02
II: Andante Espressivo - 8:57
III: Passacaglia. Allegro Moderato ma energico - 16:36

Kyung Wha Chung

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/771.html

[近代史6] アルベルト・ヒナステラ（Alberto Evaristo Ginastera,1916 - 1983）
アルベルト・ヒナステラ（Alberto Evaristo Ginastera,1916 - 1983）

アルゼンチンの大作曲家。どの分野にも、独自のエキゾチックな魅力をクラシックに融合させつつ、一つの作品としての存在感を備えた名作を書いている。南米にとどまらない世界における20世紀の大作曲家の一人だと思っている。

バレエ

バレエ『パナンビ(Panambi)』 作品1 （1934年及び1936年、組曲版あり）
3.8点
18歳や20歳の作品としては非常に完成度が高いと思う。後年のエスタンシアに通じる、ダイナミックで精神を下から突き動かすような衝動に満ちており、血が湧くような感覚になる。年齢を考えると天才的な作品だと思う。シンプルさはあるが、決して古臭いクラシック音楽の真似事はない。アルゼンチンらしさも含めて、オリジナリティを十分に感じる。もっとバレエ音楽を描いて欲しかった。なんというエンターテイメント性だろう。エスタンシアには完成度が若干及ばないが。

バレエ『エスタンシア(Estancia)』 作品8 （1941年、組曲版あり）
4.0点
ヒナステラの代表作。聴き始めると、冒頭のノリのよさに一瞬にして魅了されてしまう。その後も農村の生活の活力にあふれた豊富なニュアンスに彩られた描写は大変に楽しめる。息もつかせぬ展開をみせて最後は大円団で終わり、聞き終わってお腹一杯になり、本当に愉しい時間を過ごせたという満足感に浸れる。ミュージカル音楽のようでもあり、明るくてエンターテインメント性が高い。

管弦楽曲

クリオールのファウスト序曲 Obertura para el "Fausto" Criollo 作品9 （1943年）
2.3点
とても普通で切れ味が鈍く、全然面白くない。こんな曲も書いたのかと思った。ヒナステラである価値を感じられない。

交響的三部作「オジャンタイ（またはオランタイ）」 Ollantay 作品17（1947年）
3.3点
映画音楽のようだ。イギリス音楽のような端正さとかドリーミーさがあるのが魅力。その中にも打楽器の活躍などダイナミックさがある。前衛性はほぼない。軽い娯楽曲として気軽に楽しめる。

交響的変奏曲 Variaciones Concertantes 作品23（1953年）
2.8点
おおらかな交響詩のような音楽であり、壮大さが売りのようである。そして、ソロが活躍して長時間旋律を演奏する場面が多いのが特徴。ソロが何かの動物の個別の生と生涯を表象しているように聴こえたのが面白い。しかし、音楽の密度が薄くて芸術性があまり高い感じもしないため、あまりお勧めはできない。

パンペアーナ(Pampeana) 第3番「交響的パストラール」 作品24 （1954年）
3.3点
交響詩のような曲。大自然の森の匂いや太陽を浴びて水蒸気を含んだ大気を感じさせるゆったりとした場面が多くて、その場面もそれはそれで南米的要素が目新しくて魅力はある。しかし、やはり間に何回か登場するダイナミックなアップテンポの部分の心躍る躍動の素晴らしさがあってこそ価値が高まっているとも思う。20世紀にしては画期的なものがないが、個性の力で陳腐さを回避することには成功していると思うため、スケールの大きさに心を委ねて愉しめる曲だと思う。

協奏曲

ハープ協奏曲 作品25 （1956年）
3.8点
曲の全体とはいわないが、部分的にはかなりいい曲と感じた。エキゾチックさをうまく活用している。

アルゼンチン風協奏曲 Concierto argentinos（ピアノと管弦楽のための） 作品番号なし （1937年）

ピアノ協奏曲 第1番 作品28 （1961年）
3.0点
2番と同様に、自由な交響詩のような曲想でピアノを含む音楽が展開されている。ピアノの書法は洗練されているように聴こえる。芸術的な創発性を重視して、衝動的なものを音にしている感がある。クラスター的な音の塊や不思議な謎のモヤモヤした和音は出てこない。そのため、緊密で鋭角な印象がある。高みに昇った感はないが、一つの20世紀的な協奏曲のあり方として、アルゼンチン風味の面白さも含めて、自由さを楽しめる。3楽章はイマイチで4楽章の野蛮さが楽しい。

ピアノ協奏曲 第2番 作品39 （1972年）
3.3点
現代音楽的な音の塊をぶつけるピアノや、モヤモヤとした伴奏などが使われているものの、調性は多くの場面で明確であり、作曲者のやりたい音楽の雰囲気も明確であるため分かりやすく聴きやすい。一流らしい高みに昇ったものは感じないのだが聞いていて楽しい。急にラヴェルのようになったり、アジア的な土俗の神秘的音楽になったり、雰囲気が自由にコロコロと変わる。その中でピアノは明確に効果的に活躍している。暗さがなく、斬新で面白い協奏曲。ありきたりさが全然ない別世界であり、一聴の価値がある。

ヴァイオリン協奏曲 作品30 （1963年）
3.0点
冒頭が激烈で長いカデンツァで始まり驚く。そのまま刺激が強めの音楽が続いていく。ヴァイオリンを厳しい音として使っている。音感の良さを活かしており悪くない。2楽章は雰囲気が1楽章に似たところがあるせいで、よい音世界を作れているのに心にグッとくるものが少ないのが、他の曲でも感じるの弱点だと個人的には思う。3楽章はパガニーニの引用で耳を惹きつつ、打楽器の多用でバレエ音楽のようなダイナミックさを作り上げつつ、そのなかでヴァイオリンが盛り上げていくように弾かれる。ここはヒナステラならではの魅力的な場面である。

チェロ協奏曲 第1番 作品36 （1968年）
2.8点
チェロ協奏曲らしい面白さがない。まず、ソロの活躍度合いが地味。チェロらしい渋いかっこよさが足りない。自由な音楽の展開がヒナステラの持ち味だが、チェロの運動能力の低さが足を引っ張っているのか、雰囲気の変化が足りない。似た感じの場面ばかりである。旋律のバラエティにも限界を感じてしまう。ヒナステラらしい音世界の楽しさはこの曲にもあって楽しむことはできる。

チェロ協奏曲 第2番 作品50 （1980年）
2.8点
1番と同じ運動能力の弱点は感じるが、低くて渋い音色の産みだす独自の詠唱や唸りの魅力が活用されている。バレエ的な楽しみにオブリガード的に味付けしながら協奏するのも楽しい。しかし、やはりチェロ協奏曲としての楽しみや、ヒナステラの他の曲との比較の観点で、あまり上位にくる感じではない。物足りなさやもどかしさ、弾けない寂しさを常に感じながら聴いてしまった。

ピアノ独奏曲

アルゼンチン舞曲集 Danzas argentinas 作品2 （1937年）
4.0点
１曲目はアルゼンチン風ラヴェルとも呼びたいキレのよい格好いい曲。２曲目は憂愁のメロディーが素敵な曲。そして３曲目が白眉である。複雑なリズムと音使いが生み出すパッションと格好良さは相当な高レベルである。ピアノ書法が素晴らしい。見事な小品であり、生で聴いた事はないが非常に演奏効果が高いだろうと思うのでいつか聴いてみたい。

ミロンガ Milonga （『2つの歌曲』 作品3の第1曲目を作者自身が編曲。1938年）
3.8点
短い小品である。南米的な旋律もピアノ編曲も完璧で、磨かれた玉のように美しい名曲であり、曲が始まった最初から息を止めて聴きたくなるような音楽である。

3つの小品 Tres piezas 作品6 （1940年）
3.3点
ヒナステラの後の作品と比べると、かなりシンプルで個性が十分に現れていない。ドビュッシーのような3曲で、彼のルーツを垣間見える。よいピアノ曲である。特に3曲目が場面展開もあって楽しいなかなかの佳作。

マランボ Malambo 作品7 （1940年）
3.3点
最初は同じフレーズを繰り返してつまらないが、それが驚くような野生的な変容をみせていくのがとても面白い。

12のアメリカ大陸風前奏曲集 Doce Preludios americanos 作品12 （1944年）
3.5点
ヒナステラ一流のピアノ作曲センスがいかんなく発揮された作品だろう。短時間でコロコロと変わっていく曲は、曲に浸ることを許さない代わりに、センスの塊のような音世界が次々と登場することの驚異に打ちのめされる。

組曲『クレオール舞曲集』 Suite de danzas criollas 作品15 （1946年）
3.5点
短い作品が集まっている。シンプルな書法で技巧的にも難易度が低そうだ。それでも、心をとらえるものがある佳作が集まっていて、なかなか魅力がある。とても素敵だなあと何度も関心した。郷愁をさそうような雰囲気など。よいピアノ曲作者は音が少なくてもいい曲を書くものだと関心した。

アルゼンチン童謡の主題による『ロンド』 Rondo sobre temas infantiles argentinos 作品19 （1947年）

ピアノ・ソナタ 第1番 作品22 （1952年）
4.3点
２０世紀のピアノソナタの中でも発想の豊かさと強烈さで屈指の曲。民族性あふれる強烈で野蛮なリズムと和声で一度聴いたら忘れられない強い印象を残す１楽章。高音と低音を対比させて、身体の内側からゾクゾクするような艶めかしい情熱を出す２楽章。プロコフィエフのような即物的な少しニヒルな響きの音が少ない緩徐楽章の３楽章。音を敷き詰めて、アクセントで民族的な強烈さと野蛮さを演出する格好いい４楽章。どの楽章も本当に素晴らしい。

ピアノ・ソナタ 第2番 作品53 （1981年）
3.3点
1番の古典性を備えているほどの名作感はない。1楽章も3楽章も非常にごつごつした音の塊が野蛮に鳴らされる曲で、激しさは楽しめるが、うるさいほどである。この2つの楽章が似ているのも欠点である。1楽章の方がソナタの総合性はあるが、激しい場面のゴツゴツ感が似てる。2楽章はかなりセンスが良い緩徐楽章で、音のつくる空気感の良さを楽しめる。印象派のような繊細さが素敵だ。

ピアノ・ソナタ 第3番 作品54 （1982年）
3.3点
激しい音が、岩がぶつかり合うかのように鳴り響く曲。休憩のない単一楽章。ガツンとぶつかり砕けるような音の轟音がこれでもかというくらいに響き渡る。やりすぎと思うほど。短い曲だが、これに「ピアノソナタ」を名付けたのはやはり作曲者の自身の現れだろう。違和感はない。

器楽曲、室内楽作品

パンペアーナ 第1番（ヴァイオリンとピアノ） 作品16 （1947年）
2.8点
即興的でワイルドさのある曲。それなりにカッコいいのだが、あまりに即興的すぎて曲としての統一感や構成感を感じられないため感動できない。曲想も散漫で巨匠らしい集中がない。

パンペアーナ 第2番（チェロとピアノ） 作品21 （1950年）
3.5点
約９分。全体に渋くて格好いい。いくつかの部分を繋げて書かれており、どの場面も聴き映えがする。民族的な和声やメロディーやリズムの効果が、チェロやピアノの低音の渋さに見事にフィットしており、聴いていてゾクゾクする仕上がりになっている。

二重奏曲 （フルートとオーボエ） （1945年）
2.8点
編成の限界があるにしても、あまり面白いとは思えなかった。2楽章の記憶の彼方を呼ぶような郷愁は少し心を捉えた。

ピアノ五重奏曲 作品29 （1963年）
2.5点
前衛的でリズム感に乏しくて音が薄い。中間に曲の半分くらいの長さの全くピアノが登場しないで弦がシニカルな音を奏で続ける場面がある。全くの個人的思いとして、ヒナステラのピアノ五重奏曲に求めたいのはコレジャナイという感が半端なかった。あまりいい曲とは思えない。

ギター・ソナタ 作品47 （1976年）
2.8点
あまりギター曲として偉大な感じがしなかった。大作曲家が書いた貴重なギターソナタのはずではあり、音感の鋭さは随所に見せているが、ギターらしい良さが少し足りないのと、音楽的にもいまいち共感を得られずに終わった。最後の楽章の野蛮さは素敵だが、その他の3つの楽章のバランスが悪い。

チェロ・ソナタ（チェロとピアノ） 作品49 （1979年）
2.8点
チェロ協奏曲と同様の物足りなさを感じる。ピアノのキレは良い。チェロもカッコいい瞬間はよくあるのだが、ダイナミックさがヒナステラの一番の売りだとよく分かる。渋くて独特のエキゾチックな味がある現代的な音の動きの魅力は良いのだが、片手落ちである。

弦楽四重奏曲 第1番 作品20（1948年）
3.3点
ヒナステラの音楽性の良さがよく出ている曲。緊密で無駄が少なく、各楽章が対等の完成度。弦楽四重奏の一丸となった活発さとか自由さを活用しており、アルゼンチンらしい南米の郷土的な音世界も現代性や芸術性と融合させながら見事に表現されている。南米の弦楽四重奏の名手のヴィラ=ロボスに一歩も引けを取らない。

弦楽四重奏曲 第2番 作品26（1958年）
3.5点
1番に続きよい作品。ほんのわずかだけ切れ味が鈍くなった気もしたが、規模が大きくてスケールが大きく、鬼気迫るものもある。活発で自由な弦楽四重奏のメリットを活かしている。リズミカルになったり、不安を煽ったり、いろいろな表現の可能性を掘り出していて、ヒナステラの個性がよい方向に発露している。芸術性もなかなか高い。すごい力作。

弦楽四重奏曲 第3番 作品40（1973年）
2.5点
女声ボーカル入り。歌詞が分からないから、正直にいって音楽の幅を著しく狭めており、変化も乏しく他の弦楽四重奏の力作ぶりと比べて面白くない。雰囲気は悪くなくて、シェーンベルクの月に憑かれたピエロを連想した。でも、それだけという印象。内容の充実感もない。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%92%E3%83%8A%E3%82%B9%E3%83%86%E3%83%A9

アルベルト・エバリスト・ヒナステラ（Alberto Evaristo Ginastera,1916年4月11日 - 1983年6月25日）は、アルゼンチンのクラシックの作曲家。ヒナステーラとも呼ばれる。ブラジルのヴィラ＝ロボス、メキシコのチャベスやポンセらと並び、ラテンアメリカでもっとも重要なクラシック作曲家の一人である。ヒナステラとはスペイン語読みであるが、イタリア系アルゼンチン人である彼の苗字はジナステラと読むのが正しく、彼自身もそう発音されることを望んでいた。

人物
ブエノスアイレス生まれ。1938年、ブエノスアイレス音楽院を卒業。1945年から1947年にかけてアメリカ合衆国を訪れ、アーロン・コープランドにタングルウッド音楽センターで学んだ。その後ブエノスアイレスに帰り、そこで作曲家協会を共同で設立した。数々の指導の後、1968年からアメリカへ戻り、1970年からヨーロッパに移住。ジュネーヴで67年の生涯を終えた。

作品には数種のオペラ、ピアノ協奏曲2曲、チェロ協奏曲2曲、ヴァイオリン協奏曲1曲、ハープ協奏曲1曲を含む。特に「ハープ協奏曲 作品25」は数少ないハープのための協奏曲として時折演奏される。他にバレエ音楽、室内楽及びピアノのための多くの作品がある。

アルゼンチン音楽の影響下に、オスティナート語法をふんだんに用いた明快な作風で知られる。その後は次第に原始主義的・無調的な作風に移行し、最終的には十二音技法や微分音も用いた。これに関してヒナステラ本人は、彼の音楽を3つの時期に分類している。1期目は「客観的愛国心」（この時期の作品はアルゼンチン民謡をじかに用いた曲が多い）、2期目は「主観的愛国心」（1948年〜、このころには、民謡を直接的には使っていないが、はっきりとアルゼンチンの個性が残っている）、そして3期目は「新表現主義」（1958年〜 、民謡の要素は連続の技法を使用し、より近代的な作風になっている）である。

アストル・ピアソラは彼の最初期の弟子である。

プログレッシブ・ロックのEL&Pの『恐怖の頭脳改革』に、ヒナステラのピアノ協奏曲第1番を元にした曲（「トッカータ」）が収録されている。編曲の許可を貰いに来たキース・エマーソンに対して、ヒナステラはその出来映えを絶賛したという。

堤俊作が1978年のジュネーブ国際音楽コンクール指揮部門で最高位を受賞したときの審査員がヒナステラだった。堤は後に『エスタンシア』の日本初演を手掛けた。

主な作品

バレエ
バレエ『パナンビ(Panambi)』 作品1 （1934年及び1936年、組曲版あり）
バレエ『エスタンシア(Estancia)』 作品8 （1941年、組曲版あり）

管弦楽曲
クリオールのファウスト序曲 Obertura para el "Fausto" Criollo 作品9 （1943年）
交響的三部作「オジャンタイ（またはオランタイ）」 Ollantay 作品17（1947年）
交響的変奏曲 Variaciones Concertantes 作品23（1953年）
パンペアーナ(Pampeana) 第3番「交響的パストラール」 作品24 （1954年）

協奏曲
ハープ協奏曲 作品25 （1956年）
アルゼンチン風協奏曲 Concierto argentinos（ピアノと管弦楽のための） 作品番号なし （1937年）
ピアノ協奏曲 第1番 作品28 （1961年）
ピアノ協奏曲 第2番 作品39 （1972年）
ヴァイオリン協奏曲 作品30 （1963年）
チェロ協奏曲 第1番 作品36 （1968年）
チェロ協奏曲 第2番 作品50 （1980年）

ピアノ独奏曲
童謡小品集（子どものための小品集） Piezas infantiles 作品番号なし （1934年）
アルゼンチン舞曲集 Danzas argentinas 作品2 （1937年）
ミロンガ Milonga （『2つの歌曲』 作品3の第1曲目を作者自身がピアノ独奏用に編曲した作品。1938年）
3つの小品 Tres piezas 作品6 （1940年）
マランボ Malambo 作品7 （1940年）
12のアメリカ大陸風前奏曲集 Doce Preludios americanos 作品12 （1944年）
組曲『クレオール舞曲集』 Suite de danzas criollas 作品15 （1946年）
アルゼンチン童謡の主題による『ロンド』 Rondo sobre temas infantiles argentinos 作品19 （1947年）
「我が子アレックスとヘオルヒーナに捧げる」と記されている。
ピアノ・ソナタ 第1番 作品22 （1952年）
ピアノ・ソナタ 第2番 作品53 （1981年）
ピアノ・ソナタ 第3番 作品54 （1982年） - ヒナステラ最後の作品。単一楽章からなる。
子どもたちのためのアルゼンチン舞曲集 Danzas argentinas Para los ninos 作品番号なし

器楽曲、室内楽作品
パンペアーナ 第1番（ヴァイオリンとピアノ） 作品16 （1947年）
パンペアーナ 第2番（チェロとピアノ） 作品21 （1950年）
二重奏曲 （フルートとオーボエ） （1945年）
ピアノ五重奏曲 作品29 （1963年）
ギター・ソナタ 作品47 （1976年）
チェロ・ソナタ（チェロとピアノ） 作品49 （1979年）
弦楽四重奏曲 第1番 作品20（1948年）
弦楽四重奏曲 第2番 作品26（1958年）
弦楽四重奏曲 第3番 作品40（1973年）

声楽をともなう作品
2つの歌曲 Dos canciones （歌とピアノ） 作品3 （1938年）
第1曲目の「忘却の木の歌」は、ヒナステラの歌曲の中でも特に知られており、演奏会などでも取り上げられる機会が多い作品である。なおピアノ曲「Milonga」は、作者自身がこの歌曲を独奏用に編曲した作品である。
トゥクマンの歌 （歌、フルート、ヴァイオリン、ハープと2つの打楽器） Cantos del tucuman　作品4 （1938年）
アルゼンチン民謡による5つの歌曲集 Cinco canciones populares argentinas （歌とピアノ） 作品10 （1943年）
ある農園での一日 Las horas de una estancia （歌とピアノ）　作品11 （1943年）
魔法のアメリカ大陸に寄せるカンタータ Cantata para america magia（ソプラノと打楽器群のための）作品27（1960年）
カンタータ『ボマルツォ』(Bomarzo) 作品32 （1964年） - 作品34のオペラとは全く別の作品。
奪われたキスの歌 Cancion del beso robado　（歌とピアノ）　-　 作曲年代不明。偽作?

オペラ
オペラ『ドン・ロドリーゴ』(Don Rodrigo) 作品31 （1964年）
オペラ『ボマルツォ』(Bomarzo) 作品34 （1966年及び1967年） - 1972年までアルゼンチンでの演奏が禁止された。
オペラ『ベアトリクス・センシ』(Beatrix Cenci) 作品38 （1971年）

編曲作品
ドメニコ・ツィポーリのオルガン曲「トッカータ ニ短調」のピアノ独奏用の編曲（1970年）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%AB%E3%83%99%E3%83%AB%E3%83%88%E3%83%BB%E3%83%92%E3%83%8A%E3%82%B9%E3%83%86%E3%83%A9
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/772.html

[近代史6] アルベルト・ヒナステラ ピアノ・ソナタ 第1番 作品22
アルベルト・ヒナステラ ピアノ・ソナタ 第1番 作品22

Ginastera - Piano Sonata No. 1, Op. 22; David Bean, piano

I. Allegro marcato 0:01
II. Presto misterioso 3:59
III. Adagio molto appassionato 6:22
IV. Ruvido ed ostinato 12:25

David Bean, piano
Released in 1969.

Horacio Lavandera (Piano) "Sonata Nº 1 - OP 22 " de Alberto Ginastera

1 - ALLEGRO MARCATO
2 - PRESTO MISTERIOSO
3 - ADAGIO MOLTO APPASSIONATO
4 - RUVIDO ED OSTINATO

Alberto Ginastera - ALL PIANO SONATAS (GSARCI BIRTHDAY PRESENT)

(15:33) second piano sonata
(28:35) the Piano Sonata No. 3 (1982)

(Performance by: Fernando Viani)

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/773.html

[近代史6] ベンジャミン・ブリテン（Benjamin Britten) 1913 - 1976)
ベンジャミン・ブリテン（Benjamin Britten) 1913 - 1976)

主要曲はどの曲も独自の世界感をもった力作である。独特の音世界を持ちつつも、シリアスで深みがあり芸術性が高い。オペラが得意だったようだが、器楽曲作曲家としても20世紀を代表する大作曲家である。

歌劇
「ピーター・グライムズ」作品33 Peter Grimes（1944〜45）
3.5点
前半だけ聴いたが、なかなかファンタジックで現代的な曲。音だけでも強く主張があるのでそこそこ楽しめる。

合唱曲

キャロルの典礼 作品 28「A Ceremony of Carols」(1942)
3.0点
美しい合唱曲。独特のブリテンらしい音使いと感動的な合唱の編曲の融合は効果的。

春の交響曲 作品44 Spring Symphony（1949）
3.0点
１２の歌曲からなる作品。オラトリオに近いが構成としてまとまりと展開があり交響曲という命名に違和感はない。やや晦渋であるが、スケールに巨大感があり、厳かで不思議な大いなる雰囲気を充満させて、独特の世界を強靭なイマジネーション力で展開しており、合唱曲作家としての力量をみせている。とはいえ、天才的な発想の妙というレベルには達していないと思う。

戦争レクイエム 作品66 War Requiem（1960〜61）
3.8点
声楽の大作曲家であるブリテンの全霊を傾けた作品だけあり、かなりの凄みをもった作品になっている。暗くて重いだけのレクイエムではなく、独特の音空間の美の中で、場面により鎮魂的な雰囲気に沈み、歴史性や社会性をみせることもある。大作であり、多くのインスピレーションを注ぎ込んだ多くの場面は、映画のような移り変わりを見せる。戦争の悲劇性を芸術家として芸術に昇華させつつも、生々しさももたせて強く訴えている。世界の闇と悲劇のモニュメントを作ろうという意思を感じる。

管弦楽曲、協奏曲

シンフォニエッタ 作品1（1932）
2.8点
18歳の作品とのことだが、すでに完全にブリテンらしい音の使い方が全体を支配している。まとまりを産む音楽のコントロール力とか表現の奥深さは欠けているように思われて、作曲者が何をしたいのか掴めない。最後まで理解できないまま曲が終わってしまった。だからあまり感動するものではないが、とにかく18歳でこの世界を産み出したことには驚かされる。

シンプル・シンフォニー 作品4 Simple Symphony（1933〜34）
3.3点
弦楽合奏か弦楽四重奏の曲。シンプルで明快で爽やかだが、単なる単純な曲ではない。分かりやすい捻りではなくブリテンらしい独特の新鮮な感覚が発露していることにより、未聴感を感じさせる。この曲の感性そのものを刺激するような新鮮な感覚は面白い。作曲者の感覚の鋭さが為せる技だろうか。とはいえ、若書きであり深みはないため物足りないところはあるし、全体的にみて感動するほどの名作ではない。

ソワレ・ミュージカル 作品9（1936）
3.0点
ロッシーニの曲を使って書いた軽妙で明るい娯楽的な音楽。ブリテンらしからぬ底抜けの明るさで爽やかで聞いていて気分は良いが、単にそれだけであり他の作曲家でも書けそうなレベルである。

フランク・ブリッジの主題による変奏曲 作品10 Variations on a Theme by Frank Bridge（1937）
3.3点
弦楽合奏。２６分。１０の変奏曲は工夫が凝らされてバラエティーに富んでおり、弦楽合奏によるブリテンの語法での曲として可能な限りの全力を注いでいるのが分かる。主題はあまり印象深くないが、この曲の場合は関係ない。音楽のバラエティーと複雑さに感心するとともに、シニカルな陰影を持っていて精神的深みもそれなりにあり聴いていて飽きない。弦楽合奏の自由さがよい方向の結果に繋がっている。

ピアノ協奏曲 作品13（1938/45）
3.9点
１楽章は色彩的で機動性の高いオーケストラと、軽快にパラパラとフレーズを弾く雰囲気がラヴェルを連想する。２楽章も明確な個性がある曲。３楽章は３番に似ている場面があり曲の雰囲気もプロコフィエフを連想した。４楽章は再びラヴェル風ブリテンという感じ。全体的な作品としての大きなレベルでのまとまりに欠けているので聴き終わるとがっかりするのだが、個別の部分においてはピアノも華やかだし、はっとするような耳を捉える部分は多い曲。

ヴァイオリン協奏曲 作品15（1939/58）
2.8点
あまり面白くない。運動性に難のあるブリテンの音楽性が明らかにマイナスに働いている。協奏曲らしい醍醐味がなく、ソロが有効に機能していない場面が多い。音楽性の観点でもブリテンにしてはあまり高くないと感じた。2楽章だけはそれなりに楽しめたが、他は残念に感じた。チェロ交響曲をさらに物足りなくしたイメージ。

シンフォニア・ダ・レクイエム 作品20 Sinfonia da requiem（1940）
3.8点
全３楽章。声楽はなし２０分。１楽章は沈鬱な鎮魂の雰囲気でまさにレクイエムのような曲。２楽章の怒りの日は、音の乱舞の仕方がなかなか秀逸である。激しくてもやりすぎにならず、落ち着いた間の取り方があるのがブリテン。３楽章は平和の祈りだが、地に足の着いた霊が天上に舞い上がっていくような音楽で、非現実的な理想ではなく妙な実在感のある世界平和が表現されていると思う。素晴らしい。オネゲルと比較したくなる２０世紀的な交響曲であり内容充実の名作である。ただ、皇紀2600年奉祝曲として日本から委嘱された曲だが演奏されなかったそうだが、確かに全くそぐわないのは笑える。

左手のためのディヴァージョンズ（主題と変奏） 作品21 Diversions on a Theme for Piano (Left Hand) and Orchestra（1940/54）
3.5点
左手だけのピアノというのがブリテンによく合っている。片手ゆえに音が厚ぼったくならず、美的センスで聴かせる音楽性がよく出ている。軽快で心地よいピアノとバリエーション豊かで多彩な音楽は、次を聴きたい衝動を最後まで引っ張って続けることに成功している。ラヴェルのような旋律の美しさやエモーショナルさは無いのと変奏曲ゆえの軽さがあるが、楽しんで聴ける。

4つの海の間奏曲 作品33a 4 Sea Interludes（「ピーター・グライムズ」より 1944）
3.8点
４曲とも近代的な管弦楽らしい豊富な表現力を活用した音楽的なイメージ表出力が素晴らしい。SF的もしくはファンタジー的な超常的世界をイメージする。優れたインスピレーションが４曲とも発揮されており楽しめる。

パッサカリア 作品33b Passacaglia（「ピーター・グライムズ」より 1944）
3.0点
ブリテン流の不思議さとブライトな響きでパッサカリアを料理するとこうなる、という音楽。同じ低音の継続とその他の楽器の音の流れの違和感の落ち着かなさを愉しむ音楽だが、期待以上ではなく予想の範囲内である。

青少年のための管弦楽入門（パーセルの主題による変奏曲とフーガ） 作品34 The Young Person's Guide to the Orchestra - Variations and Fugue on a Theme of Henry Purcell（1946）
3.0点
パーセルによる主題は印象的なのだが、その後の変奏は、コミカルでファンタジックではあるが、幻想的で変幻自在すぎてついていくのが大変である。その点で、典型的な入門曲という感じより、ブリテン独特の世界の中の楽器入門になっている。決して分かりやすくないし、とり立てて音楽が優れている感じはしない。

チェロ交響曲 作品68 Symphony for Cello and Orchestra（1963）
3.0点
分厚い管弦楽で交響曲の名にふさわしい堂々たる大曲である。だが、全体を分厚い雲のように覆う陰鬱な気分には滅入りそうになる。最後の楽章で少し雲の隙間から光が差す瞬間があるだけである。チェロは活躍するが管弦楽は溶け込んで、ブラームスの協奏曲以上に一緒に音楽を作る。空間は壮大さはあるのだが、そのごく一部に存在する自分がテーマになっているようでもあり、その狭さと雰囲気の変化の少なさが物足りなさになっている。

室内楽曲

弦楽四重奏曲第1番ニ長調 作品25（1941年）
3.8点
室内楽というより弦楽合奏のような音の使い方である。だが、そんな細かい事はどうでもよいと思うくらい素晴らしい内容である。精神的な深み、瞑想的な雰囲気、ダイナミックな音の使い方と場面転換は、強い力で精神のドラマの世界に誘ってくれる。精神世界でたゆたう自分の魂が心地いい。しかし、美音的な良さもあり、鋭角的なバルトークやショスタコーヴィチとは別の切り口で同じくらい深い世界に到達している。素晴らしい。

弦楽四重奏曲第2番ハ長調 作品36（1945年）
3.5点
1番ほど分かりやすくない。何しろ3楽章は長大で静謐な世界で、自己疎外された魂の浮遊した遍歴を楽しめる。聴くのは少し大変だが、重すぎるわけでないのでウンザリしないため辛くはない。他の楽章もはじけるほどにはならず、曖昧な靄の中の音楽である。1楽章も2楽章も表面は全然違うが根底の精神性は3楽章と近いと思う。ある意味で一貫性がありすぎるように思われるのが欠点か。ブリテンらしい美しさは全開で、かなりの聞き応えはあるのだが。室内楽らしさが少ないのは1番と同じ。

弦楽四重奏曲第3番 作品94（1976年）
3.5点
老人の人生懐古の曲ということで良いのだろうか。老人になった自分、という存在を強く意識した孤独の独白の曲に聞こえる。もちろんブリテンらしさの中での表現である。もっとも亡くなる年の作品とはいえ63歳だから老人というほどではないか。おそらく評価の分かれる作品だろう。自分は最初は精気の無さがイマイチと思ったが、聞いているうちに強く惹かれるようになった。死の予感の虚無感と、絶対的な無に至る感覚が感じられて、感動してしまった。

チェロソナタ ハ長調 作品65 （1960年）
2.8点
一言でいうと少し変な曲だと思う。通俗的なサービス精神はない。やりたい音を好きに作った音楽である。モノクロームな色彩感の薄い音楽であり、地味だが渋くてかっこいいところがある。自由に精神的な彷徨をするような印象でありわなかなか趣味的である。たまたま気にいる人はいるだろうが、ツボにハマらない人にとってはあまり楽しめない音楽だろう。

ラクリメ―ダウランドの歌曲の投影 作品48 （1950年）
2.5点
ヴィオラとピアノのための作品。１４分あり規模が割と大きい。複数の部分をつなげて書かれており、古い時代のものと思われる旋律が静かで不思議な雰囲気を醸し出している。しかしながら、音楽が心にすっと入り込まない。曲の長さに見合うものがない。

器楽曲

無伴奏チェロ組曲第1番 作品72（1964）
3.3点
詠唱のような場面が多いが、それ以外も様々な場面がある。神秘的であるとともに退廃的。孤独の精神的探索を楽しめる深さがある。チェロ1本であり短い曲ではないが充分に豊富さが取り入れられており、飽きずに楽しめる。リズミカルさが少ないのが難点と思う。全体に暗い陰があるが、そこにブリテンらしい美が添えられており、うんざりすることはない。

無伴奏チェロ組曲第2番 作品80（1967）
3.3点
1番ほど根暗ではない。代わりに無機質で疎外された違和感がコンセプトになっているように聴こえる。リズムがある程度ある曲が多いところが良い。心に染みる感じは少ないが、なんとなく日常のふとした瞬間に無意識に感じているであろう間隙と裏側の違和感が音楽化されているように思う。

無伴奏チェロ組曲第3番 作品87（1972）
2.8点
短い曲が連続で繋がっている構成。一つずつが断片的すぎて、内容が浅い。感動ポイントが少なく、イマイチだと感じたまま次の曲になり、それもイマイチというのが続く。他の2曲よりワンランク落ちると思う。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%96%E3%83%AA%E3%83%86%E3%83%B3

ブリテン男爵エドワード・ベンジャミン・ブリテン（Edward Benjamin Britten, Baron Britten OM CH, 1913年11月22日 - 1976年12月4日 ）は、イギリスの作曲家・指揮者・ピアニスト。姓はブリトン、ブリトゥンと表記されることがあるが、実際の発音はブリトゥンの表記が原音に一番近い。

代表作としては オペラ『ピーター・グライムズ』や『シンプル・シンフォニー』、『戦争レクイエム』、バロック期の作曲家ヘンリー・パーセルの劇音楽『アブデラザール』(Abdelazar) からの主題を引用した 『青少年のための管弦楽入門』 が知られている。

生涯

出生と幼少期
1913年11月22日、イングランドのサフォーク州にある海港ローストフト（英語版）にて、歯科医の父ロバート・ビクター・ブリテン（Robert Victor Britten, 1878年 - 1934年）とアマチュアのソプラノ歌手の母イーディス・ローダ（Edith Rhoda, 1874年 - 1937年）との間に生まれる。

幼少期のブリテンは、2歳になる頃にピアノに対して興味を抱き、ピアノを7歳から習い始めている。また母の勧めでヴィオラも習っている。わずか5歳で歌曲、7歳でピアノ曲を作曲、そして9歳の時には最初の弦楽四重奏曲を完成させるなど、この時期から音楽の才能を示していた。彼が持っていた音楽的素質は母方から受け継いだものと言えるが、母は地元の合唱団の幹事も務めていたほどの音楽好きであったという。

1924年10月、ノーフォークとノリッジで開催されていた音楽祭において、当時10歳のブリテンはこの音楽祭で演奏されていたフランク・ブリッジの交響組曲『海』（1911年作）を聴いて感銘を受け、演奏後にブリッジ本人と初めて対面した。ブリッジは少年ブリテンの音楽的才能を認め、自ら本格的な指導を買って出たという。指導は数年後の1928年にロンドンにあるブリッジの自宅まで、時には休暇を利用しながら通い、彼の許で音楽の基礎となる理論や和声法・対位法を厳しく学んだ。この厳格な個人指導は本人にとって大きな影響を与えたといわれる。

後に1937年に作曲され、出世作となった『フランク・ブリッジの主題による変奏曲』で師に対する感謝の念を表している。

青年期と作曲家としての活動
1930年、奨学金を得てロンドンの王立音楽大学（RCM）に入学し、大学ではジョン・アイアランド（作曲法）とアーサー・ベンジャミン（ピアノ）にそれぞれ師事した。なおブリテンはアイアランドに対してほとんど顧みなかったという。在学中は数多くの習作を書いていたが、『シンフォニエッタ』（作品1、1932年）、『幻想四重奏曲』（作品2、1932年）、『シンプル・シンフォニー』（作品4、1933年-1934年）などを生み出している。この『シンプル・シンフォニー』は以前の習作を素材に改作した作品である。またモーツァルトやシューベルトとともにマーラーやシェーンベルク、ベルク、ストラヴィンスキー、ショスタコーヴィチらの作曲家に興味を示し、同時に影響を受けている。とくに後者のベルクに関しては、当時台頭しつつあった前衛的な作風にその志向を持ち、彼に師事することを考え、弟子入りを志願していたという。しかし師のブリッジや両親らに反対され、その上1935年にベルクの急死もあって結果的に実現はしなかった（自身でも「私はアルバン・ベルクに弟子入りしたいと願っていた。でもベルクの急死で果たせなかった」とコメントを残している）。

1934年に音楽大学を卒業すると、前年（1933年）に父ロバートが没したこともあり自活のため1935年にGPOフィルム・ユニット社（イギリス郵政局映画部）に入社し、翌1936年まで勤務した。ここでは主にドキュメンタリー映画や記録映画のための伴奏音楽を作曲する仕事が主であった（1935年の1年間に担当した映画音楽は13作で、36年は8作という多さで、好評を博した作品もある）。スタジオでは多くの友人と親交したが、その中の一人に台本を担当していた詩人のウィスタン・ヒュー・オーデンと知り合っている。オーデンとは映画『石炭の表情』と『夜の郵便』を共同で取り組んだり、『私たちの狩りをする先祖たち』（作品8、1936年）や『英雄のバラード』（作品14、1939年）など彼の詩による作品を作曲している。

1937年に『フランク・ブリッジの主題による変奏曲』を作曲し、同年の8月25日にザルツブルク音楽祭でボイド・ニール合奏団によって初演され、国際的な名声を得るとともに出世作となった。同年にテノール歌手ピーター・ピアーズと知り合い、ピアーズとは生涯にわたり盟友として関係を築く。また母イーディスが死去。

この時期の作品には『ピアノ協奏曲』（作品13、1938年）などが挙げられる。

中期の活動と戦後
1939年、4月のドイツのポーランド不可侵条約の破棄や第二次世界大戦の勃発に伴うイギリスの参戦など当時の世界情勢に危機感を抱いたブリテンは、これを避けるため（兵役拒否の意味合いとして）6月にピアーズと共にアメリカへ向かった（オーデンは彼より先にアメリカへ行って移住している）。アメリカでは1942年3月まで2年半にわたって滞在し、主にニューヨークに住みながら創作活動を継続した。この1939年の有名な作品として、『ヴァイオリン協奏曲』（作品15、1950年改訂）やアルチュール・ランボーの詩による歌曲『イリュミナシオン』（作品18）などが挙げられる。

1940年に日本政府の企画する皇紀2600年奉祝曲としてイギリス文化振興会から作品委嘱を受け、『シンフォニア・ダ・レクイエム』（作品20）を作曲する。しかし曲の内容が祝典に相応しくないとして政府側が拒否し、演奏されることはなかった。作品は翌1941年の3月29日にニューヨーク・フィルハーモニックの定期演奏会でジョン・バルビローリの指揮によって行われている。

イギリスに帰国した1942年の春、ブリテンは良心的な理由から兵役を拒否することを公的に認められ、サフォーク州のオールドバラに住んで、創作に専念する。この専念していた頃にテノール、ホルンと弦楽のための『セレナード』（作品31、1943年）やオペラ『ピーター・グライムズ』（作品33、1944年-1945年）などが作曲され、後者の『ピーター・グライムズ』はセルゲイ・クーセヴィツキーの勧めで着手され、1945年の初演では大きな反響を呼び、パーセル以来の本格的なイギリス・オペラの再興とまで謳われた。

1945年の『ピーター・グライムズ』の成功により、戦後のブリテンは創作力に恵まれ、かつ最も充実した時期でもあった。ヘンリー・パーセルの『アブデラザール』の音楽を主題に用いた『青少年のための管弦楽入門』（作品34、1946年）やオペラ『アルバート・ヘリング』（作品39、1946年-1947年）、『春の交響曲』（作品44、1949年）など一連の作品が作曲されたのもこの時期にあたる。

3作目のオペラとなる『ルクレティアの凌辱』（作品37、1945年-1946年）は前作とは異なった小編成の室内オペラで、1946年にグラインドボーン音楽祭で初演されたが、この経験に基づいて彼は室内オペラのジャンルに志向し、後の1947年に「イギリス・オペラ・グループ」の結成へと繋がった。1948年にはオールドバラ音楽祭を創設。音楽祭では自作の初演のみならず歌曲のリサイタルも行い、演奏活動に力を注いだ。

1956年2月、日本を訪れ、NHK交響楽団を指揮して自作を演奏した。また2週間滞在中に伝統芸能の能楽「隅田川」を鑑賞、深い感銘を受けて教会上演用の寓話『カーリュー・リヴァー』を生み出すことになる。

1960年から1961年にかけて作曲された『戦争レクイエム』（作品66）は、空襲で破壊されたコヴェントリー大聖堂の再建の献堂式のために書かれたもので、1962年に初演された。

1960年9月、チェリストのムスティスラフ・ロストロポーヴィチと初めて出会う。親交を結び、彼のために『チェロソナタ』（作品65、1961年）と『チェロ交響曲』（作品68、1963年）を作曲する。この2作はいずれもロストロポーヴィチが初演時にチェロを担当した。

晩年
晩年の1970年代には、創作の筆を落とすことなく最後のオペラ『ヴェニスに死す』（作品88、1973年）や弦楽四重奏曲第3番（作品94、1975年）などこの時期を代表する作品を生み出す一方で、健康の悪化にも悩まされていた。心臓を悪くしていた彼は1973年に手術をしており、以降は車椅子を使いながら生活を送るようになる。1976年には終身上院議員（貴族）に叙せられ、「ロード」の称号を授与された。なお音楽家としてこの栄誉を受けたのはブリテンが初である。

1976年12月4日、オールドバラにある棲家レッド・ハウスにてうっ血性心不全のため死去。63歳没。3日後の12月7日に葬儀が行われ、オールドバラの聖ペテロ聖パウロ教会の墓地に埋葬された。後にブリテンの墓の隣には公私のパートナーであったピーター・ピアーズ、後ろにはグスターヴ・ホルストの娘であるイモージェン・ホルストの墓も建てられている。

2003年に、彫刻家マギ・ハンブリング（英語版）によってオールドバラの海岸にブリテンを記念した彫刻"The Scallop"が作られた。女王エリザベス2世によって叙爵された時の称号も、この地に因んで Lord (Baron) Britten of Auldeburgh となっている。

人物
テノール歌手のピーター・ピアーズは盟友として知られ、『ピーター・グライムズ』や『戦争レクイエム』等ほとんどの歌劇・声楽曲は彼の演奏を前提に書かれており、彼が初演を担当した。ブリテンはピアニストでもあり、ピアーズの歌曲演奏では伴奏を担当することが多かった。またピアーズは演奏のみならず、作曲の段階においても関わった。しかし両者の死後、彼らが仕事の面のみならず私生活においても同性愛のパートナーであったことが公然と論じられるようになり、大きなスキャンダルとなったが、同世代の他の音楽家と比べて遅れて爵位を得た背景にはこのことも関係している、ともされる。

小惑星 (4079) のブリテンは、彼にちなんで命名された[1]。

作風
1910年代生まれの音楽家は、ジョン・ケージのような例外を除いて前衛の時代に馴染めず、また同世代が戦禍の犠牲になるなど不遇の者が多い。そのような状況下でブリテンは、イギリスの保守性を上手く活用し、機能和声語法を突き詰めることに成功した。ブリテンのせいでイギリスの音楽事情は世界から後退したというのは事実であるが、同時にイギリス人の音楽観をこれほど世界中に広めた人物も皆無である。

また先述のように彼本人はベルクへの弟子入りを計画するなど当時の前衛音楽にも関心を示し、自身の作品の中で無調的であったり、機能和声とは逸脱したパッセージを時折覗かせるなど当時の流行にも無関心ではなかった。そういった意味ではブリテンは新古典主義の潮流に近い作曲家と言えるであろう。

演奏家としてのブリテン
ブリテンは指揮者としても有能であった。比較的早いときから指揮者活動をしており、のちにイギリス室内管弦楽団を手兵として指揮活動を続けた。レパートリーも自作自演（ほとんどの作品について良好な音質・オーケストラで自作自演の録音を残した点ではレナード・バーンスタインと双璧）のほかにはハイドンやモーツァルト、バッハ、そしてイギリス作品などを得意にしていた。また、クリフォード・カーゾンやジュリアス・カッチェンといった名ピアニストとも共演を重ねている。早い時期から指揮活動をしていたせいであろうか、若い頃のある時、ブリテンはエイドリアン・ボールトの指揮ぶりを軽い乗りで批判したことがあった。これにボールトは激怒し、以後ブリテンの作品を完全に無視してしまった。

またピアニストとしても、ピアーズやロストロポーヴィチの伴奏やモーツァルトのピアノ協奏曲の指揮兼独奏などの録音がある。

2006年には日本で、デッカ（ユニバーサルミュージック）から没後30年を記念して、ブリテンの主要な録音がリリースされた。その中には、日本初お目見えのものも数点含まれていた。また2013年に生誕100年を迎えている。

日本との関係
1940年の皇紀2600年奉祝曲の企画に際してブリテンにも委嘱がなされ、『シンフォニア・ダ・レクイエム』を作曲したが、キリスト教的で「皇紀」に相応しくない、「レクイエム」は「奉祝」に相応しくない、などの議論がおき、結局演奏されなかった。その後1956年に2週間来日し、NHK交響楽団を指揮して同曲の日本初演を行っている。また、2月9日にピアーズとともにNHKホール（内幸町）で行った演奏は映像が残されている。また、1964年に発表された『カーリュー・リヴァー』は滞在時に鑑賞した隅田川（能楽）の印象を基にしている。

日本では、2006年11月22日に『日本ブリテン協会』が発足した。

主な作品

歌劇
「ポール・バニヤン」作品17 Paul Bunyan(1941)
「ピーター・グライムズ」作品33 Peter Grimes（1944〜45）
「ルクレティアの凌辱（英語版）」作品37 The Rape of Lucretia（1945〜46）
「アルバート・ヘリング（英語版）」作品39 Albert Herring（1947）
「乞食オペラ」作品43 The Beggar's Opera（1948）
「オペラを作ろう(小さな煙突掃除)」作品45 Let's Make an Opera(The Little Sweep)（1949）
「ビリー・バッド（英語版）」作品50 Billy Budd（1951/60）
「グロリアーナ（英語版）」作品53 Gloriana(1953)
「ねじの回転（英語版）」作品54 The Turn of the Screw（1954）
「ノアの洪水」作品59 Noye's Fludde（1957）
「夏の夜の夢」作品64 A Midsummer Night's Dream（1960）
「カーリュー・リヴァー」作品71 Curlew River（1964）
「燃える炉」作品77 The Burning Fiery Furnace　神秘劇(1966)
「放蕩息子（英語版）」作品81 The Prodigal Son(1968)
「オーウェン・ウィングレイヴ（英語版）」作品85 Owen Wingrave（1970）
「ヴェニスに死す（英語版）」作品88 Death in Venice（1973）

バレエ
「プリマスの町」 Plymouth town(1931)
「パゴダの王子」作品57 The Prince of the Pagodas(1956)

合唱曲
みどり児はお生まれになった 作品3 A Boy Was Born（1932-33/55）
聖母讃歌 A Hymn to the Virgin（1930/34）
大いなる神の栄光に Ad majorem Dei gloriam（1939）
キャロルの祭典 作品28 A Ceremony of Carols（1942）
婚礼のアンセム A Wedding Anthem（1949）
春の交響曲 作品44 Spring Symphony（1949）
戦争レクイエム 作品66 War Requiem（1960〜61）
聖コロンバ讃歌 A Hymn of St. Colomba（1962）
ウィールデン・トリオ A Wealden Trio（1929/67）

管弦楽曲
シンフォニエッタ 作品1（1932）
シンプル・シンフォニー 作品4 Simple Symphony（1933〜34）
ソワレ・ミュージカル 作品9（1936）
フランク・ブリッジの主題による変奏曲 作品10 Variations on a Theme by Frank Bridge（1937）
マチネ・ミュージカル作品24 (1941)
前奏曲とフーガ（18声の弦楽オーケストラのための）作品29 Prelude and Fugue（1943）
ピアノ協奏曲 作品13（1938/45）
ヴァイオリン協奏曲 作品15（1939/58）
シンフォニア・ダ・レクイエム 作品20 Sinfonia da requiem（1940、元々は皇紀2600年奉祝曲として、日本政府から委嘱を受けたものだが、内容がふさわしくないという理由で演奏されなかった）
左手のためのディヴァージョンズ（主題と変奏） 作品21 Diversions on a Theme for Piano (Left Hand) and Orchestra（1940/54）
4つの海の間奏曲 作品33a 4 Sea Interludes（「ピーター・グライムズ」より 1944）
パッサカリア 作品33b Passacaglia（「ピーター・グライムズ」より 1944）
青少年のための管弦楽入門（パーセルの主題による変奏曲とフーガ） 作品34 The Young Person's Guide to the Orchestra - Variations and Fugue on a Theme of Henry Purcell（1946）
チェロ交響曲 作品68 Symphony for Cello and Orchestra（1963）

室内楽曲
弦楽四重奏曲第1番ニ長調 作品25（1941年）
弦楽四重奏曲第2番ハ長調 作品36（1945年）
弦楽四重奏曲第3番 作品94（1976年）
チェロソナタ ハ長調 作品65 （1960）

器楽曲
無伴奏チェロ組曲第1番 作品72（1964）
無伴奏チェロ組曲第2番 作品80（1967）
無伴奏チェロ組曲第3番 作品87（1972）
チェロ交響曲を含む一連のチェロ作品はチェロの名手ロストロポーヴィチとの出会いに触発されたものである。
ラクリメ―ダウランドの歌曲の投影 作品48 Lachrymae - Reflections on a Song of John Dowland（1950）
ヴィオラとピアノのための作品で、作曲者自身による弦楽合奏伴奏の編曲が存在する。

ピアノ曲
12の変奏曲（1931）
組曲「休日の日記」 作品5（1934）
ソナティナ・ロマンティカ（1940）
ノットゥルノ（1963）

歌曲
この島国で 作品11 On This Island（1937）
ソプラノまたはテナーと弦楽のための「イリュミナシオン」作品18 Les Illuminations(1939)
ミケランジェロの7つのソネット 作品22 7 Sonnets of Michelangelo（1940）
テノール、ホルンと弦楽のためのセレナード 作品31 Serenade（1943）
テノール、ホルンとピアノのための「深紅の花弁は眠りにつき」 Now sleeps crimson petal (1943) テニスンの詩による。元々はセレナード作品31の中の1曲として作曲されたもので、1986年に発見された。

声楽曲
カンティクル 第1番《愛する人は私のもの》作品40 Canticle I: My Beloved Is Mine（1947）
カンティクル 第2番《アブラハムとイサク》作品51 Canticle II: Abraham and Isaac（1952）
カンティクル 第3番《なおも雨は降る》作品55 Canticle III: Still Falls the Rain（1954）
カンティクル 第4番《東方の博士の旅》作品86 Canticle IV: The Journey of the Magi（1971）
カンティクル 第5番《聖ナルキッソスの死》作品89 Canticle V: The Death of St. Narcissus（1975）
他多数

劇付随音楽
アテネのタイモン Timon of Athens
復活祭1916 Easter 1916
アガメムノン Agamemnon
F6登攀 The Ascent of F. 6
暗い谷 The Dark Valley
双頭の鷲 The Eagle Has Two Heads
アーサー王 King Arthur
支配者 The Dynasts
任命 Appointment
Out of the picture

映画音楽
王の切手 The King's Stamps（1935）
電報 Telegrams（1935）
トッカー（1935）
正餐の時間 Dinner Hour

編曲
「鱒」（原曲：フランツ・シューベルト。管弦楽伴奏）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%99%E3%83%B3%E3%82%B8%E3%83%A3%E3%83%9F%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%83%96%E3%83%AA%E3%83%86%E3%83%B3

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/774.html

[近代史6] ベンジャミン・ブリテン 弦楽四重奏曲 第1番 ニ長調 作品25
ベンジャミン・ブリテン 弦楽四重奏曲 第1番 ニ長調 作品25

String Quartet No. 1 in D Major, Op. 25
Britten Quartet

Benjamin Britten: String Quartets - YouTube
https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_nksxarGgUI22TDDie7IqoXnlWqM-DRf_8

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/775.html

[近代史6] サミュエル・バーバー（Samuel Barber、1910 - 1981)
サミュエル・バーバー（Samuel Barber、1910 - 1981)

交響曲

交響曲 第1番 ホ短調 Op.9 (1935〜36/1943改訂)
3.0点
明確な和声と構築感は１９世紀的だが、それに安住するわけではなく、ロマン派的な感性にプラスして２０世紀的な新鮮な叙情性がある。初期の作品なのでまだ個性の確立が足りない感じがあり、素晴らしいという程の場面は少ない。単一楽章といっても、楽章の区切りは割と明確に感じられるので、聞きやすい。

交響曲 第2番 Op.19 (1944/1947改訂)
3.0点
複雑で前衛的な響き、バーバリズム、オスティナートなど、意欲的な作品。激しさに圧倒される場面もある。しかし、まとまりと交響曲らしい総合性にどうにも欠けるので、聞き終わった後に物足りなさが残る。バーバーらしい洗練された知性は楽しめる。

管弦楽曲

序曲『悪口学校』 Op.5 (1932)
3.0点
バーバーらしい切れ味の良さと現代的な管弦楽の機能のさせ方を楽しむ曲だと思う。旋律に魅力はないし、強く印象に残る場面もないが、管弦楽でここまでできるのかという20世紀のスピード感に合わせた音楽の機動力には驚く。

弦楽のためのアダージョ Op.11 (1937)
3.8点
悲劇的なドキュメンタリー番組のバックグラウンド音楽のような曲。これが一番有名というのも作曲者には可哀想な話だ。とはいえ、非常に分かりやすいメロディーの流れの中に、純音楽としての和声等の工夫が忍ばせてあり、決してつまらない曲ではない。たまに聴きたくなる。

オーケストラのためのエッセイ第1番 Op.12
3.0点
2番や3番と違い、悲劇的で重厚な曲。断片的な切り取り方の感じは共通だが、この重さはエッセイという響きには合わない気もする。

オーケストラのためのエッセイ第2番 Op.17 (1937)
2.5点
ライトな音楽であり、映画音楽に聴こえる。軽快で、電車から見る自然の風景のような感じの雰囲気は悪くないが、心にぐっとくるものはない。

夜間飛行 Op.19a (1964)
3.0点
テーマが明確な音楽で、夜間飛行の小説のことは知らないが、場面とシチュエーションが目に浮かぶようである。この場面の作り方はカッコいいし、徹底的であるとともにキレが良いと思う。音楽としては渋いのだが、渋さが目的になっていないのがよい。渋いのにワクワクゾクゾクするような所がある。

オーケストラのためのエッセイ第3番 Op.47 (1942)
2.8点
映画音楽のような軽さのある曲。軽いテーマで書いた、断片的な情景の描写の曲と考えると、エッセイという命名はなるほどと思う。2番よりは内容がある。

クリスマスに Op.37 (1960)

協奏曲

ヴァイオリン協奏曲 Op.14 (1939〜40)
3.3点
抒情的であるとともに、アメリカ的なすっきりとした開放感と現代性があり楽しめる。技術をひけらかさず、高音も少なく耳に優しくて、歌わせる場面が多いのも好感度が高い。凡庸さはほぼなく、突き抜けた感じを楽しめる。2楽章の冒頭の旋律はなかなか良い。洗練された垢抜けた感じと抒情というバーバーの美点が活かされた好作。

カプリコーン協奏曲 Op.21 (1944)
2.5点
カプリコーンという楽器があるわけではなく、曲の愛称のようなものである。フルート、オーボエ、トランペットと弦楽合奏。全３楽章１４分。協奏曲という感じは少ない。即物的で新古典主義のような音であり、ストラビンスキーを連想する。音としては面白いものが続くが、よく理解出来ないまま次々と雰囲気を変える。他のバーバーの曲と大きく異なる雰囲気。

チェロ協奏曲 イ短調 Op.22 (1945)
2.3点
1楽章はかなり難易度が高そうなのは分かるが、曲が全然頭に入ってこない。前衛的ではないのに理解できない。2楽章も3楽章も同様であり、凡庸を拒否していることは分かるが、あまりに心に刺さるものが少なくて、まとまりのようなものも表現したい対象に対する意思も感じられず、楽しめない。

ピアノ協奏曲 Op.38 (1961〜1962)
3.5点
１楽章はプロコフィエフを彷彿とさせる切れ味鋭いモダニズムを混ぜた技巧的な楽章。２楽章はラヴェルのピアノ協奏曲を思い出す素朴で透明感のある曲。切ない後半部分には強く胸を締め付けられる。３楽章は野蛮な速いテンポの５拍子の曲で凄くカッコイい。

オーボエと弦楽のためのカンツォネッタ Op.48 (1977〜78)（オーボエ協奏曲の緩徐楽章として計画。未完。オーケストレーションはチャールズ・ターナーが補筆。）

室内楽曲・器楽曲

弦楽のためのセレナード Op.1 (1929/1944弦楽オーケストラ編)
2.5点
やけに悲劇的なセレナーデである。何をしたいのか掴みどころがなく、なんとなく曲が進んで終わる。新奇性も感じられず、習作の感が強い。

弦楽四重奏曲第1番 ロ短調 Op.11(1936/後に第2楽章を編曲（弦楽のためのアダージョOp.11））
3.3点
1楽章はなかなか切れ味があって、そこそこ楽しめる。2楽章は弦楽のためのアダージョ。各楽器が1台だと音の厚みが足りないから、合奏版の方が良いと思う。孤独感のあるチェロの旋律部分はいいかもしれない。3楽章は静と動の対比がすごい。締めもかっこよくてなかなかしびれる。2楽章と3楽章は優秀。

弦楽四重奏曲第2番 (1948)

夏の音楽 Op.31 (1956)
3.0点
管楽器の自由な音の絡みの幻想性が楽しい。思ったより長く続く。各楽器がバラバラに動くようでいて、統一されて、またバラバラになるのを繰り返す。それに翻弄されながら変化についていくのを楽しむ曲とも思った。

ヴァイオリン・ソナタ (1931)

チェロ・ソナタ Op.6 (1932)
3.0点
チェロの響きの活かし方のバランスが良い。曲は１楽章に関してはかなりロマン派に近く聞きやすく、なかなかのチェロ作品。ところが３楽章はモダンな響きが強くなり、なんだか掴み所のないよく分からない変な曲になってしまう。

ピアノ曲

ピアノ・ソナタ 変ホ短調 Op.26 (1949)
4.0点
ラフマニノフやスクリャービンを消化した現代的な洗練されたピアニズムと超絶技巧。無調的なモダニズム的な感覚と、その基盤となるバーバー的なロマンチシズム。どの楽章もカッコ良くてキレが良くて、センスも良い。１楽章と４楽章のかっこよさは特に凄い。間違いなく第二次大戦後を代表するピアノ曲。

バラード Op.46
2.5点
スクリャービンの影響で書いたのは一聴で明らか。より知的で都会的だが、ドロドロしたものが無く、何より単純に音数が足りない。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%90%E3%83%BC%E3%83%90%E3%83%BC

サミュエル・バーバー（英語: Samuel Barber、1910年3月9日 - 1981年1月23日）は、米国の作曲家。特に《弦楽のためのアダージョ》が有名。

生涯・作風
ペンシルベニア州ウェストチェスター出身。外科医の父とアマチュアピアニストの母の間に生まれる。19世紀のアメリカ東部で名声を博したオペラ歌手、ルイーズ・ホーマーの甥に当たる。その夫シドニーは19世紀のニューイングランドなどで人気の歌曲作曲家であった。

フィラデルフィアのカーティス音楽学校でロザリオ・スカレロに作曲を学ぶ他、ピアノ・声楽を専攻。また、フリッツ・ライナーに指揮も学ぶ。最優等を得て卒業した後、1935年に、ローマのアメリカ学士院より奨学金を得て、翌年よりイタリア留学を果たす。同地で《弦楽四重奏曲第1番ロ短調》を作曲、この第2楽章が後に弦楽合奏用に編曲され、《弦楽のためのアダージョ》として広く親しまれるに至った。

同世代のパリに留学したアメリカ人作曲家、たとえばコープランドやカーターなどとは違ってモダニズムや実験的姿勢に走らず、和声法や楽式において、かなり伝統に従っている。バーバー作品は豊かで華麗な旋律が特徴的で、新ロマン主義音楽の作曲家に分類されている。同じくイタリア留学組のハワード・ハンソンと並んで、「最後のロマンティスト」と評されるゆえんである。とはいえ、いくつかの作品、たとえば《ヴァイオリン協奏曲》のフィナーレにおける無調、《ピアノ・ソナタ》の中間楽章における12音、《ピアノ協奏曲》におけるプロコフィエフばりの打鍵主義など、現代的な要素が皆無というわけではない。

ピアノ伴奏ないしは管弦楽伴奏の歌曲集は、とりわけ英語圏出身の歌手にとっては不可欠の、20世紀の古典的レパートリーとなっている。初版では弦楽四重奏とバリトンのための《ドーヴァー・ビーチ》、中世アイルランド無名作家による詩に基づいた《隠者の唄》、ソプラノと管弦楽伴奏のための《ノックスヴィル、1915年夏》などは特に有名である。《この輝ける夜にSure on this Shining Night 》作品13-3は、エリー・アーメリングなどのレパートリーにも入った人気の歌曲で、後にオーケストラ伴奏版も作成された。バーバー自身は優れたバリトン歌手であり、声楽の訓練も受けたことがあった。声楽家兼作曲家としてカーティス四重奏団と共に自作の演奏旅行をしたり、《ドーヴァー・ビーチ》などの自作の録音を残し、レコードが発売されたこともある。ただし、バーバーの声楽家としての録音点数は少ない。大規模な合唱曲として、《キルケゴールの祈り》（1954年）と《恋人たち》（1971年）がある。また、《弦楽のためのアダージョ》にラテン語の典礼文を載せた《アニュス・デイ》といった秘曲もある。

バーバーはまた優れたピアニストでもあり、人前で舞台に立つことこそなかったが、1日の仕事を始める前に、バッハの《平均律クラヴィーア曲集》などを弾く習慣があり、とりわけスクリャービンやラフマニノフのピアノ曲に傾倒したと言われる。また、ラフマニノフの使っていたピアノを所有していた。《ピアノ・ソナタ》は1949年に作曲され、ホロヴィッツによって初演された。それゆえこの作品は、国際的に有名な演奏家によって公式に初演された、最初のアメリカ人作曲家によるピアノ曲と見なされている。またこの作品は、リチャード・ロジャーズとアーヴィング・バーリンが創設した楽譜出版社から出版されている。

その他の器楽曲のうち、純粋な管弦楽作品としては、弦楽合奏のためのセレナーデ、2つの交響曲（《第1番ホ短調》（1936年）、《第2番》1944年）、演奏会用序曲《悪口学校》（1932年）、《シェリーによる一景のための音楽》、3つの《管弦楽のためのエッセイ》（順に1938年、1942年、1978年）がある。

ほかに協奏曲では、《ヴァイオリン協奏曲 ト長調》、《チェロ協奏曲》、《ピアノ協奏曲》（1962年9月24日にジョン・ブラウニングとボストン交響楽団によりニューヨークで初演）がある。晩年にニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団からオーボエ協奏曲の作曲を依頼されたが、他界する前に緩徐楽章を遺すにとどまった。この作品は後に第三者（チャールズ・ターナー）によってオーボエと弦楽合奏のための《カンツォネッタ》として編曲されている。バーバーの没後の初演では、当初から予定されていたオーボエ奏者ハロルド・ゴンバーグが引退した直後であったが、特にその演奏のために独奏者として一回だけ復帰し、ズビン・メータ指揮で演奏された。また《カプリコーン協奏曲》は、いくつかの独奏楽器と弦楽合奏のための、近代化された一種のコンチェルト・グロッソである。

バーバーにはいくつかの歌劇があり、40年余りの間私生活のパートナーだったジャン・カルロ・メノッティの台本による《ヴァネッサ》は、ニューヨークにおいてメトロポリタン歌劇場において初演され、評論家筋や聴衆から圧倒的支持を受けて成功を収め、バーバーにピューリッツァー賞が授与された。しかしながらヨーロッパ初演では冷遇され、その後も国際的な檜舞台に上るまでには至っていない。1966年の《アントニウスとクレオパトラ》は、フランコ・ゼフィレッリの台本によるが、失敗。その後、ジャン＝カルロ・メノッティの改訂が加わり、再演された。マーサ・グラハムのために作曲されたバレエ音楽《メデアの瞑想と復讐の踊り》は、印象主義的な部分と表現主義的な部分の交錯する晦渋な作風をとり、近年では一種の交響詩（あるいは舞踊詩）として演奏されるようになりつつある。

1981年、リンパ腺癌によりニューヨーク市内の自宅にて死去。

主な作品リスト

舞台作品

歌劇 バラの一日
劇付随音楽 春の1日（紛失）(1935)
歌劇 ヴァネッサ（英語版） Op.32 (1957)
歌劇 ブリッジ遊び Op.35 (1959)
歌劇 アントニーとクレオパトラ（英語版） Op.40 (1965〜66)

バレエ音楽 メデア Op.23 (1945/1946組曲/1947改訂)
バレエ音楽 青いばら (1953)

交響曲
交響曲 第1番 ホ短調 Op.9 (1935〜36/1943改訂)
交響曲 第2番 Op.19 (1944/1947改訂)
1964年に撤回されるが、死後にパート譜が一揃い発見され、再び演奏されるようになっている。

管弦楽曲
序曲『悪口学校』 Op.5 (1932)
弦楽のためのアダージョ Op.11 (1937)
オーケストラのためのエッセイ第1番 Op.12 (1938)
オーケストラのためのエッセイ第2番 Op.17 (1942)
夜間飛行 Op.19a (1964)
撤回した交響曲第2番の第2楽章を改訂し、出版したもの。
オーケストラのためのエッセイ第3番 Op.47 (1942)
クリスマスに Op.37 (1960)

吹奏楽曲
コマンド・マーチ (1943)

協奏曲
ヴァイオリン協奏曲 Op.14 (1939〜40)
カプリコーン協奏曲 Op.21 (1944)
チェロ協奏曲 イ短調 Op.22 (1945)
ピアノ協奏曲 Op.38 (1961〜1962)
オーボエと弦楽のためのカンツォネッタ Op.48 (1977〜78)（オーボエ協奏曲の緩徐楽章として計画。未完。オーケストレーションはチャールズ・ターナーが補筆。）

室内楽曲・器楽曲
弦楽のためのセレナード Op.1 (1929/1944弦楽オーケストラ編)
弦楽四重奏曲第1番 ロ短調 Op.11(1936/後に第2楽章を編曲（弦楽のためのアダージョOp.11））
弦楽四重奏曲第2番 (1948)
夏の音楽 Op.31 (1956)
ヴァイオリン・ソナタ (1931)
チェロ・ソナタ Op.6 (1932)
弦楽四重奏曲（第2楽章のみ）(1949)

ピアノ曲
ピアノ・ソナタ 変ホ短調 Op.26 (1949)
夜想曲 Op.33 (1959)
組曲 思い出 Op.28 (1951)
メロディ (1917)
ラルゴ (1918)
子守歌 (1919)
メイン・ストリート (1926頃)
ファンタジー (1924)
カリヨンのための組曲 (1924)
2声-3声のフーガ (1927)
遠足 (1942〜44)

オルガン曲
前奏曲とフーガ (1927)
「素晴らしい愛」による変奏曲 Op.34 (1959)
祝典トッカータ Op.36(1960)

合唱曲
2つの合唱曲 Op.8 (1935〜36)
アニュス・デイ（Op.11）（1967　弦楽のためのアダージョ Op.11の編曲)
ストップウォッチと軍用地図 Op.15 (1940)
生まれ変わり Op.16 (1937〜40)
恋人たち Op.43 (1971初演)
神の威厳 (1938)
クリスマス・イヴ (1924)
アヴェ・マリア (1940)

管弦楽と声楽のための作品
ドーヴァー・ビーチ Op.3 (1931)
ノックスヴィル、1915年夏 Op.24 (1947)
キルケゴールの祈り Op.30 (1954)
アンドロマケの別れ Op.39 (1962)

歌曲
3つの歌 Op.2 (1927〜34)
3つの歌 Op.10 (1935〜36)
4つの歌 Op.13 (1937〜1940)
2つの歌 Op.18 (1942〜43)
ヌヴォレッタ Op.25 (1947)
過ぎ行きしものの歌 Op.27 (1951)
隠者の歌 Op.29 (1952〜53)
歌曲集 恨みと沈黙 Op.41 (1968)
3つの歌 Op.45 (1972)
Sometime
なぜ？
祈り
古い歌
狩の歌
メヌエット
夜
男性
月
日没
夜にさまよう者
セレナード
Peace
Farewill
Ask me to rest
我が祖国
物乞いの歌
マドンナの子守歌
あなたの愛
天と地を結ぶ弦

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B5%E3%83%9F%E3%83%A5%E3%82%A8%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%83%90%E3%83%BC%E3%83%90%E3%83%BC
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/776.html

[近代史6] サミュエル・バーバー『弦楽のためのアダージョ』
サミュエル・バーバー『弦楽のためのアダージョ』

Barber - Adagio for Strings - Toscanini, NBCSO (1938) (world premiere performance)

NBC Symphony Orchestra
Arturo Toscanini

Broadcast live on 5th November, 1938, NBC Studio 8H, New York

Barber Adagio for Strings (rec1940)

date 1940

orch NBC Symphony Orchestra
cond Arturo Toscanini

Barber Adagio for Strings (rec1942)

date 1942

orch NBC Symphony Orchestra
cond Arturo Toscanini

▲△▽▼

『弦楽のためのアダージョ』（Adagio for Strings）は、サミュエル・バーバーが作曲した弦楽合奏のための作品である。作曲者の名前をとって『バーバーのアダージョ』ないし『バーバーのアダージオ』とも呼ばれる。

元は、自身が作曲した『弦楽四重奏曲 ロ短調 作品11』の第2楽章を弦楽合奏用に編曲したものであり、また『アニュス・デイ』（英: Agnus Dei、神の子羊）という無伴奏混声合唱曲にも編曲された。

すすり泣くような旋律、中間部終わりの激しく突き上げる慟哭のようなクライマックスで知られる。なお、タイトルの『アダージョ』とは、楽曲に付けられた速度記号である。演奏時間は10分程度。

初演は1938年11月5日に、アルトゥーロ・トスカニーニ指揮、NBC交響楽団によって行われた。

また、DJのティエストによって編曲・アレンジが加えられた同名の曲も存在する[1]。

この曲を使用した例
アメリカでは、この曲が有名になったのは、ジョン・F・ケネディの葬儀で使用されてからである。そのため個人の訃報や葬送、惨事の慰霊祭などで定番曲として使われるようになったが、バーバー自身は生前「葬式のために作った曲ではない」と不満を述べていた。

日本においては、昭和天皇の崩御の際に、NHK交響楽団の演奏を放映した（他の曲目：バッハ「アリア」、ブラームス「交響曲第4番」）[2]。

機会音楽としての使用例
第二次世界大戦後のGHQ占領下の日本での最初のラジオ放送
ジョン・F・ケネディの葬儀
アメリカ同時多発テロから1年後に行われたニューヨーク市でのニューヨーク世界貿易センタービル跡地での慰霊祭
東北地方太平洋沖地震に起因する東日本大震災後の、仙台フィルハーモニー管弦楽団による復興コンサート（第1回 2011年3月26日、仙台市内の寺院にて）での演奏

映画
『プラトーン』
『エレファント・マン』
『ロレンツォのオイル/命の詩』
『アメリ』
『恋に落ちる確率』
『ヒミズ』

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%BC%A6%E6%A5%BD%E3%81%AE%E3%81%9F%E3%82%81%E3%81%AE%E3%82%A2%E3%83%80%E3%83%BC%E3%82%B8%E3%83%A7

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/777.html

[番外地9] 日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた
日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた
需給で大事なのは生活必需品の需給だけ、不要品や高級品まで入れたすべての商品の需給に意味は無い
労働生産性、GDP、需要・供給とか消費者物価指数は経済指標としては使えない
労働生産性というのは賃金額の事だよ、地方の生産性が低いというのは地方の賃金が安いというだけの事だ。
GDPというのは企業や金持ちの所得の事だ、労働者の所得とはあまり関係しない。

やっても やらなくてもいい仕事ばかりの需要・供給は生活必需品の需要・供給とはあまり関係しない。
消費者物価指数というのは高級酒や高級車や贅沢品の価格を反映する物価で、生活必需品の価格とはあまり関係しない。

従って、労働生産性、GDP、需要・供給とか消費者物価指数は経済指標としては使えないのです。

金利が上がらないのは日本だけでなく世界中で起きている現象で、階級社会が完成して内需が壊滅したのが原因です。
奥の院は今 資本主義をグレートリセットして地球人口を3億人まで減らそうとしています。

これから起きるのは共産革命か?、グレートリセットか?

資本主義というのは投資してその利子や配当で稼ぐシステムですが、今は世界中ゼロ金利になっているので、投資では稼げない、つまり資本主義システム自体が世界中で既に破綻しています。

理由は明らかで、国債には利子が付いていて、その金はすべて資本家の所に行くので、格差が開いてマルクスが預言した階級社会になってしまったのです。そうすると内需が壊滅して、新規事業しても稼げないので銀行から金を借りる人が居なくなる、それで金利がゼロなる。
これからは世界中で共産革命の嵐が吹き荒れる時代になります。今世界の支配層が取り組んでいるグレートリセットというのは、共産革命を起こしそうな人間をすべてデジタル管理して、反体制活動を始めたらすぐに抹殺するシステムです。

今は世界中が階級社会になってしまって内需が壊滅したので資本主義の時代はもう終わったと言われています。
銀行から金を借りて新規事業をやっても儲からないですからね。
それで資本主義のグレートリセットをやらないといけないという結論になったのです。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。

▲△▽▼

民間銀行は自己資金ゼロでも、顧客に借用書を書いてもらって、融資金額を顧客の銀行預金として記帳するだけでお金が無から生まれると思っているアホが多過ぎる。
そもそも民間銀行が自己資金も持っていないのに顧客に融資したとしたら、顧客が自分が借りた金を日銀券(円紙幣)で引き出したいと言った時に、全く金を持っていない民間銀行が顧客に日銀券を渡せる訳がないですね。
小学生でもわかる道理です。

民間銀行の信用創造というのは民間銀行が自分の持っている日銀当座預金口座の日銀当座預金を日銀券に変えるという意味です。日銀当座預金口座は政府と民間銀行しか作れないので、民間銀行に借金しないと日銀券を発行してもらえないのです。
それが、借金でお金を作る、という意味です。

ゼロからお金を作るのではなく、日銀当座預金を日銀券に変えているだけです。 銀行が顧客に金を貸せるのは、貸す金額と同額の日銀当座預金を持っている場合だけです。

融資が焦げ付いた場合、預金などの他人資本に手を付けるわけにはいかないので、銀行には一定水準以上の自己資本を持つことが義務付けられています。　

国際的な業務を営む銀行の場合、自己資本比率＝自己資本÷融資額（リスクアセット）×100 の下限は8％、
国内業務に限っている場合には4％

という「自己資本比率規制」があり、これを維持することがBIS（国際決済銀行）によって義務付けられています。

預貸率 ： 銀行の預金に対する貸出金の比率

日銀によると、2020年5月の国内銀行の預貸率は63.7%で、2カ月連続で過去最低を更新した。新型コロナウイルスの感染拡大を受け、政府が多額の給付金を支給したり企業が手元資金を厚くしたりしたため、預金が急増した。銀行も貸し出しを増やすが、預金の増加幅を下回る。5月の国内銀行の預金平均残高は前年同月比6.2%増の772兆535億円だった。

日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた
https://www.youtube.com/watch?v=20L9UD0qtwc

中国の元高為替操作によるコストプッシュ インフレが始まった
日本にも悪性の物価上昇が迫っている！
https://www.youtube.com/watch?v=ZhTgq_eGaI4

MMT論者も大西つねきを少し位見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=pcifNIAlVG0
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/863.html

[番外地9] 量的緩和・財政出動や企業支援金がデフレを生む _ 貧困層には援助しなければいけないが、企業救済はしてはいけない 中川隆
1. 中川隆[-16151] koaQ7Jey 2021年10月04日 12:46:49 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[7]
量的緩和・財政出動や企業支援金がデフレを生む _ 貧困層には援助しなければいけないが、企業救済はしてはいけない
一般的には量的緩和は紙幣を無制限に印刷するためインフレを生むのではないかと言われている。しかし実際には逆である。
量的緩和は短期的には良いことだと言えるかもしれない。だが長期的には債務には新陳代謝が必要だ。ゾンビ企業、非効率な企業を退場させる必要がある。だが、緩和のお陰でそれが起こらない。
これはデフレの一因だと言える。供給が過剰なのだから理屈が通るだろう。

市場経済では消費者の望む商品を作らない企業は淘汰される。しかしそれを政府が人為的に妨げると、消費者の望まないものを作り続けるゾンビ企業がどんどん増えることになる。

経済学では価格は需要と供給の兼ね合いで決まり、ゾンビ企業を生かすということは経済の供給（しかも不要な供給）を増やし続けるということである。供給の増加は当然ながら価格を押し下げる。つまりデフレになるのである。

デフレがインフレになる瞬間

しかし現在アメリカで懸念されているのはインフレであり、デフレではない。アメリカではコロナ禍で大量の現金給付を行なった結果、物価が上昇している。デフレが問題だったはずがいつの間にかインフレになっている。

それは何故か？　量的緩和を長年続けるとデフレと低成長が実現する。消費者の望まないものを作り続ける企業が増え続けるのだから当然である。インフレになる前に緩和は終了し、それで問題がないと人々は考える。

しかしそこにコロナショックのような衝撃が加わり深刻な景気後退に陥ると、インフレを引き起こす規模の刺激策なしには経済成長を支えられなくなる。インフレが起こると分かっていても緩和で経済を支えなければならなくなる状況に陥るのである。

これほどの現金をばら撒いた場合、消費がデフレ圧力に打ち勝ってしまう。

この状況に陥った経済は急激なデフレと急激なインフレを行き来する非常に不安定な状態となる。緩和を止めれば急激なデフレになり、緩和をすれば急激なインフレになるからである。

まさにこれが現在のアメリカ経済の状況である。アメリカでは3回行われた現金給付が今年3月を最後に途絶えると、アメリカ経済は途端にデフレに向かい始めている。

もうアメリカには選択肢が2つしかない。緩和を続けて物価高騰を受け入れるか、緩和を止めて不況を受け入れるかである。

この状況は短期的にはコロナだが、長期的には量的緩和が作り出したものである。量的緩和によるデフレと低成長がなければ、コロナ禍も経済的にはこれほど酷くはならなかっただろうからである。

量的緩和政策のそもそもの原因

そもそも何故量的緩和政策が行われたのだろうか？　量的緩和政策とは基本的に貸し手より借り手に有利な政策である。金利を押し下げることで莫大な借金を背負っている借り手は利払い義務が軽減される。

一方で貸し手はお金を貸しても金利が得られない状況に陥る。得られないどころか、銀行にお金を預けるとむしろ手数料を取られるというのが貸し手が置かれている状況である。

ここで考えてみてほしいのだが、経済における最大の借り手とは誰だろうか？　政府である。そして貸し手とは誰だろうか？　国民なのである。

つまり、量的緩和政策とは経済最大の借り手である政府が、貸し手である国民を犠牲にして自分を利する政策なのである。こうすることで政府は莫大な借金を背負っても、東京オリンピックやGO TOトラベルなどの政策で自分の支援者に金をばら撒くことが出来る。

そして奇妙なことにチャンネル桜の自称経済評論家や経済がわからない保守・右翼は無邪気にもそれを支持しているのである。人々が自分の置かれた状況についてどれだけ何も知らないかである。

量的緩和危機と中国恒大集団
非効率なビジネスを生かし続けた結果が、いま中国でGDP2%分の負債を抱えて破綻しかけている恒大集団である。

中国もまた消費者の望まないものを作り続ける企業を長い間野放しにしてきた。しかし報道によれば中国共産党は恒大集団を救済しない可能性が高いらしい。中国共産党傘下の環球時報は次のように主張している。

恒大集団は『大きすぎて潰せない』の原則に基づく政府による救済を期待すべきではない。

これは中国共産党がアメリカとは違う方向に舵を切ったことを意味する。不況か物価高騰か選べと言われたら、米国政府は迷わず物価高騰を選ぶだろう。

しかし少なくとも現状では中国共産党はゾンビ企業の末路を市場経済に委ねたように見える。一方で、どの企業が生き残るべきかを消費者ではなく政府が決定する量的緩和は共産主義の定義そのものである。

中国共産党は恒大集団の様なゾンビ企業の始末を市場に委ねようとしている。この意味では中国共産党は量的緩和を推進する日本の自民党よりよほど資本主義的である。

一方で、日本を含め多くの先進国の政治家は票田にばら撒くための政府予算にしがみつくためだけに緩和政策に執着して増税と量的緩和という社会主義政策を推し進めている。

▲△▽▼

量的緩和は政府債務を支えるために行われている。金利を低く抑えられなければ政府は膨大な借金の利払いで他の支出が出来なくなる。他の支出が出来なくなれば何故困るのか。政府予算に依存して利益を得ている人々が利益を得られなくなるからである。だからばら撒き政策は既得権益層をますます裕福にし、その恩恵は中間層には返ってくることはない。

大きな政府と小さな政府
増税と財政出動を組み合わせ、国民から大きく吸い取り大きく吐き出す政府のことを大きな政府と言うが、予算の大きな政府の政治家達が資金を吐き出す時には当然ながら彼らの利益となる場所に資金吐き出すことになる。

日本政府が消費増税を行いオリンピックやGO TOトラベルを強行する理由は何か。一般国民から吸い取って自分の票田である宿泊業界や大手メディア、広告代理店などに吐き出すためである。保守派とは伝統的にこうした政府の利権を認めず政府の予算を縮小しようとする立場のことを言うので、自民党は保守ではない。大半の日本人にはこれが分からないらしい。

MMT論者も大西つねきを少し位見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=pcifNIAlVG0 　
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/848.html#c1

[近代史6] レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ（Ralph Vaughan Williams, 1872-1958)
レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ（Ralph Vaughan Williams, 1872-1958)

交響曲

海の交響曲（A Sea Symphony、交響曲第1番） 管弦楽、ソプラノ、バリトン、合唱
3.5点
交響曲というよりは完全にオラトリオである。交響曲と称されているのは４楽章構成であるからというだけに聞こえる。華やかで立派だし初期らしいネチッこさのない純朴な爽やかさが心地いい。大規模さも音楽にうまく生かして非常に壮大になっており、音楽てんこ盛りのゴージャス感が楽しい気分になる。逆にいえばRVWらしさには欠けるとも言える。近代イギリスのオラトリオは素晴らしい。

ロンドン交響曲（A London Symphony、交響曲第2番）
2.5点
幻想的な音の雰囲気は好きだ。しかしながら、曲の長さと比較して、どう考えても密度も内容も薄い。ロンドンという題名であるが、都会を感じられない音楽で昔旅行したあの街と全くイメージが重ならない。現代の映画音楽らしい雰囲気だが、密度さえも映画音楽レベルになってしまい、BGM的だと思う。

田園交響曲（A Pastral Symphony、交響曲第3番） ソプラノ
3.0点
田園をあまり連想しない。神秘的な深い森といったところか。５音階や低音の持続音が印象的。後半の一部を除いて、静けさに包まれて瞑想的。聴きやすいし、この雰囲気に浸るのは楽しいが、前半はドラマが少なく交響曲としては物足りない。しかし後半になり鎮魂の雰囲気から大いなる感情の高まりのドラマが展開されて満足できる。とはいえ、いい音楽なのに何かが物足りない、名曲になりきれない曲というのが全体の印象。

交響曲第4番ヘ短調（Symphony No.4 in F minor）
2.5点
この曲だけ聴いてしまうと、とても２０世紀を代表する作曲家とは感じられないレベルの曲と感じた。不協和音を使った刺激的な短調の１楽章なのだが、かなり不自然さを感じる。２楽章以降は何をしたいのかよく分からない、何を感じてほしいのか伝わらない曲だと思った。それでいて、心地よさや幻想性といった美点はスポイルされてしまっている。失敗作だと思う。

交響曲第5番ニ長調（Symphony No.5 in D major）
3.8点
全４楽章。冬の薄明のような透き通った空気と幻想的な世界の美しさを堪能出来る。近代管弦楽の壮麗さとRVW一流の流麗さや作曲技術が合わさり、どっぷりと世界観に浸れる音楽になっている。踊りの要素が殆どなく、生身の感覚が非常に少ない代わりに、超越的で大自然と宇宙を音にしたようである。この曲は９曲の交響曲の中で、バランスが良くて表題に縛られず本格的で充実しており楽しみやすい。

交響曲第6番ホ短調（Symphony No.6 in E minor）
2.5点
戦争交響曲とも呼ばれる、不協和音が使われた激しい作品とされているようだが、それはあくまで本人の曲の中での比較。現代の耳で聞くと激しい曲と感想を持つ人は少ないだろう。まさにSF系の映画音楽そのもののような曲であり、現代の耳で聴くと、音の目新しさに欠けており、構成も弱いように感じてあまり面白くない。ただ、映画の中では動きの多い場面に合いそうだとはいえる。

南極交響曲（Sinfonia Antartica、交響曲第7番） ソプラノ、合唱
3.3点
映画音楽を再構成して作った交響曲。映画音楽としての純粋な楽しさがある。かなり古い曲にも関わらずやや古い映画音楽にそっくりで現代的とすら感じるのは、むしろ現代が彼の音楽の真似をしているのだろうか。自分の耳には目新しくは感じない。随所に工夫が見られる幻想的で冒険的な雰囲気に、未知の世界への好奇心をかき立てられながら聴ける。

交響曲第8番ニ短調（Symphony No.8 in D minor）
2.8点
小規模な交響曲。編成も小さくて、軽快さが目立つ。その中にも、卓越した技術を生かした詩情が込められている。はっとするような美しさとか、強い印象みたいなものはないのだが、マイナー交響曲としてのそれなりの魅力はある。でも、何度も聴きたいほどではない。

交響曲第9番ホ短調（Symphony No.9 in E minor）
3.3点
最後の交響曲ということで、作曲者もそれに少し気付いていたかのような切ない場面が多い。一方で大衆音楽の影響を受けたかのような軽快な場面もある。８番同様にコンパクトな作品だが、聴き応えはこちらの方がずっとある。名作とまではいかないが、交響曲では超然としていた作風の作曲者が最後に作曲者がたどり着いた境地として、私的な感情を盛り込んだ曲として感慨深い。

管弦楽曲

グリーンスリーヴスによる幻想曲（Fantasia on Greensleeves）
3.5点
美しいオーケストレーションによるグリーンスリーブスの編曲。RVW一流の美点が最大級に活かされている。中間のオリジナル部分も雰囲気を壊さず悪くない。

合奏協奏曲（Concerto Grosso）
3.0点
弦楽器だけなので、協奏曲らしい華やかさとは違うものがあり、想像していたもの違ってがっかりした。しかし、彼の独特の音像を弦楽器をたくさん重ねて音を動かして表現するさまは、案外と独創性が高いものであり、刺激も強い。それが理解できたら楽しめた。一級品の作品ではないと思うが。

イギリス民謡組曲（English Folk Song Suite）
3.0点
小さな曲集。現代ではNHKスペシャルなどのバックミュージックに聞こえてしまう。規模が小さすぎるし、旋律が特段優れているわけでもない。だが、軽快で楽しく聞くことはできる。

弦楽合奏曲
トマス・タリスの主題による幻想曲（Fantasia on a Theme by Thomas Tallis）
3.3点
３つの事なる規模の弦楽の組み合わせの響きは神秘的で教会的でもあるとともに、近代的でイギリス的な端正かつ端麗な弦楽の使い方を楽しめる曲。

協奏曲

ピアノ協奏曲ハ長調（Piano concerto in C）
3.0点
彼らしい音響空間と音像でピアノ協奏曲を書いたらどうなるかという予想の範疇にはある。ただ、ピアノは重音が多くて重おもしく、野蛮さも感じさせるところは驚いた。現代的なピアノ協奏曲の一つの解としての聴く楽しみはある。ただ、やや平板でリズムやフレーズのダイナミックさに欠ける欠点はここにもあり、協奏曲の華やかさを活用しても交響曲と同様という結果になってしまっている。凄いというほどではないが、楽しめる曲だと思う。

2台のピアノのための協奏曲 ハ長調（Concerto for Two Pianos and Orchestra）
3.3点
1台のピアノ協奏曲からの改作。楽器の使われ方としてはこの方が適切な感じがする。ピアノの音の厚さと管弦楽とのバランスが良くなっている。ピアノの音数もより増えて、迫力が増しているし、無理に酷使されず、表情も増えている。そうなると、曲としてより魅力的に聞こえてくる。2楽章なんてなかなか素敵に聴こえる。

揚げひばり（The Lark Ascending）
4.5点
前半部分の５音階に近い音階による夕映えの中の大空を飛ぶひばりのような雰囲気は大変に美しい。中間部分の活気のある部分もまた美しい。強烈な郷愁を誘い、幼い時に感じていた大自然の美しさを呼び起こしてくれる。大変に美しく感動的であり、通俗性は気になるのだが、それを吹き飛ばす圧倒的に強烈な印象を残してくれる。

バス・テューバと管弦楽のための協奏曲（Concerto for bass tuba and orchestra、テューバ協奏曲）
3.3点
まあ普通の曲ではあり個性的という感じではないが、チューバの楽しさを満喫できる。とくに前半は素直な音楽であり、チャーミングでもあり、とても楽しくチューバの魅力に酔える。作曲者の音楽性ととてもマッチしている。コンパクトで聴きやすいのも良い。後半すこしひねりが入って魅力が落ちてくると思った。

オーボエと弦楽合奏のための協奏曲イ短調（Concerto in A Minor for Oboe and Strings）
2.5点
オーボエらしい魅力も協奏曲の魅力も足りない。なんというか、ずっとオーボエが鳴っている管弦楽という印象しかない。これは期待はずれである。

室内楽曲

幻想五重奏曲 (Phantasy Quintet)
3.0点
前半はあまり創意を感じなかった。彼としてはありきたりの音楽と思う。後半の郷愁の強い念を音にしたような音楽は心をぐいっと掴むものがある。この場面ではが無ければかなりつまらない曲になっていたところ。しかしすぐ終わってしまう。展開としめくくりは予想の範疇を大きく出ない。

弦楽四重奏曲第1番ト短調 (String Quartet No.1 in G minor)
3.8点
1楽章は浮遊感や抽象画のような曖昧な色使いと形状の分かりにくさのなかに身をまかせるのが心地よい。室内楽の響きに適合していて素晴らしい出来だと思う。2楽章のエキゾチックな音形はメヌエットと言われると不思議だが、印象派を受け継いだような響きと思うとスッキリした。面白くてかなり楽しめる楽章。3楽章は感動した。灰色の孤独さの中で、不安な妄想が広がっていき、それが自由空間をあてもなく動いて旅をするような、パーソナルな精神世界の曲。4楽章もこれまでの流れと同じでよいし、最後の終わり方は鳥肌が立った。

弦楽四重奏曲第2番イ短調「ジーンの誕生日に」 (String Quartet No.2 in A minor "For Jean on her birthday")
4.0点
1楽章は強烈なパンチを喰らわせられる。前衛的なぐしゃぐしゃとした音楽で打ちのめされる。2楽章は、雨の中の孤独とでも呼びたい。人間が生活していて、人は周りにいても、心が繋がらないまま、傘をさして歩くような気分を連想した。これは音が動くようになっていくにつれ、雨は止むが環境音も消える。そこでは違和感と疎外の音楽になる。3楽章はエキゾチックな音楽で、心を疎外から動かして展開させる。4楽章は未来への希望が見えた感動的なアンダンテで始まる。ジワジワと押し引きを繰り返し、感動を強く呼ぶ。弦楽四重奏は1番もよかったが2番はさらに芸術性が高く驚異的な作品である。交響曲より好きだ。

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レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ（Ralph Vaughan Williams OM, 1872年10月12日-1958年8月26日） は、イギリスの作曲家。Vaughan Williams が姓であり、RVW または VW と略される。Ralph は通常「ラルフ」と読むが、本人が古風な発音の「レイフ」にこだわったという経緯から「レイフ」が用いられる。民謡の採集や教会音楽の研究を通して独特の作風を確立し、イギリス人による音楽の復興の礎を築いた。

年譜
1872年10月12日にグロスターシャー州ダウンアンプニーに生まれる。父は牧師であったが、RVWが3歳の時に他界。
6歳頃から叔母に音楽を学ぶ。7歳からヴァイオリンを習う。
1890年 王立音楽大学に入学。
1892年 王立音楽大学を休学し、ケンブリッジ大学トリニティ・カレッジに入学して音楽と歴史を専攻[1]。
1894年 ケンブリッジ大学で学士（音楽）を取得[1]。
1895年 ケンブリッジ大学で学士（文学）を取得[1]。
1897年 アデリーン・フィッシャーと結婚。翌年よりロンドンに居を構える。
1907年　評論家ミシェル・ディミトリー・カルヴォコレッシから作曲家モーリス・ラヴェルを紹介され、作曲とオーケストレーションのレッスンを受ける。
1910年 「タリスの主題による幻想曲」、「海の交響曲」（交響曲第1番）初演。
1919年 王立音楽大学の作曲科教授に就任。
1934年 親友の作曲家グスターヴ・ホルストが死去。
1935年 メリット勲章を受章。
1951年 妻のアデリーンが死去。
1953年 アーシュラ・ウッドと再婚。
1958年 交響曲第9番初演。8月26日にロンドンにて心臓発作のため死去。85歳没。

生涯

初期
ヴォーン・ウィリアムズは1872年10月12日、グロスタシャーのダウン・アンプニー（英語版）に生まれた。父のアーサー・ヴォーン・ウィリアムズ（Arthur- 1834年-1875年）は、この地で聖公会の教区主管者代理者を務めていた。ヴォーン・ウィリアムズ姓は、ウェールズに起源を持つハイフン無しの二重姓（英語版）である。父が1875年に死去すると、ヴォーン・ウィリアムズは母のマーガレット・スーザン（Margaret Susan 旧姓ウェッジウッド Wedgewood 1842年-1937年）に連れられてサリーへ向かった。母の曾祖父は陶器職人のジョサイア・ウェッジウッドであり、ウェッジウッド家（英語版）の実家で暮らすために、サリーの景勝地にあるレイス・ヒル・プレイス（Leith Hill Place）に引っ越したのである。このことからも分かる通り、ヴォーン・ウィリアムズはジョサイア・ウェッジウッドの玄孫にあたる。また、ダーウィン家も親戚であり、チャールズ・ダーウィンは彼の大おじである。知的な上位中産の特権階級に生まれながらもヴォーン・ウィリアムズはそれに甘んじることなく、生涯を通して自らの信念であった民主、平等主義の理想のために活動した[2]。

ダーウィン＝ウェッジウッド＝ガルトン家の家系図。ヴォーン・ウィリアムズとダーウィンやウェッジウッドとの関係が記されている。
6歳の時、ヴォーン・ウィリアムズはおばのソフィ・ウェッジウッド（Sophy-）からピアノと作曲の手ほどきを受けるようになった。7歳になるとヴァイオリンの演奏を開始している。彼が14歳の1887年1月、音楽表現を奨励していた当時にあっては数少ない学校のひとつであるチャーターハウス校に通った[3]。チャーターハウスを出ると、次は王立音楽大学においてスタンフォードの薫陶を受けている。彼はケンブリッジ大学のトリニティ・カレッジで歴史学と音楽を専攻し[4]、大学時代の同年代としては哲学者のジョージ・エドワード・ムーアやバートランド・ラッセルを挙げることができる。王立音楽大学に戻ったヴォーン・ウィリアムズはパリーの下で作曲を学び、彼とは親交を築いた。王立音楽大学時代の仲間には、1896年に共にウォルター・パラットからオルガンを学んだレオポルド・ストコフスキーがいる。ストコフスキーは後にヴォーン・ウィリアムズの6つの交響曲を演奏してアメリカの聴衆へ紹介し、1949年にはニューヨーク・フィルハーモニックと彼の「交響曲第6番」の初録音を実施、また1958年にカーネギー・ホールにおいて「交響曲第9番」のアメリカ初演を行っている。

王立音楽大学時代にヴォーン・ウィリアムズが作曲家となるにあたって重要な影響を与えた友人として、1895年に知り合った学生仲間のホルストがいる。この時以降、2人は互いが作曲中の作品を読みあって建設的な批評を行う「演習日」を幾度か共に過ごした[5]。

ヴォーン・ウィリアムズは作曲家として遅咲きであり、最初の出版作品である歌曲「Linden Lea」が世に出た時には彼は30歳になっていた。彼は作曲の他に指揮や講義を持つなどの活動も行っていた。また、音楽の収集、編纂も行っており、パーセルの作品や英国の讃美歌での業績は名高い。既に1897年にベルリンにてブルッフの指導を受けていた彼であったが、1907年から1908年にかけての間にパリで3か月間ラヴェルに師事したことで、彼の管弦楽の扱いは長足の進歩を遂げた[6]。

1904年、ヴォーン・ウィリアムズはイングランドの各地方に根付いていた民謡やキャロルが、地方での識字率向上や印刷楽譜の普及に伴って口頭伝承の影が薄くなっているために、急速に失われつつあることを見出した。彼は自ら田舎を訪ねて歩き、その多くを編曲して保存した。後年、彼はそういった音楽の美しさや普通の人々の日常の中で培われた名もない歴史に魅了され、自作の楽曲に歌曲や旋律の一部を取り入れている。彼の功績により、イングランドの伝統的な民謡や旋律はより高い評価を受けることになった。彼は後に英国民族舞踊民謡協会の会長を務めており、協会はこの分野における彼の早くからの重要な業績を称えて、彼の名を冠したヴォーン・ウィリアムズ記念図書館を有している。

1905年、ヴォーン・ウィリアムズはドーキング（英語版）で新たに開催されることになった、レイス・ヒル音楽祭の第1回演奏会を指揮した。彼は1953年までここでの指揮者を務め、ウィリアム・コールに指揮棒を託した[7]。

1909年、ヴォーン・ウィリアムズはケンブリッジ大学でアリストパネスの喜劇「蜂」が上演されるのに合わせて、劇の付随音楽を作曲した。翌年、「トマス・タリスの主題による幻想曲」[注 2]と合唱交響曲である「海の交響曲」（交響曲第1番）の初演を指揮した彼は、自身にとって初めてとなる大きな成功を収めた。さらに1914年にジェフリー・トイの指揮で「ロンドン交響曲」（交響曲第2番）が披露されると、彼はさらに大きな成功を手にすることになった。

2つの世界大戦

ドーキングにあるレイフ・ヴォーン・ウィリアムズの像
第一次世界大戦開戦時、ヴォーン・ウィリアムズは41歳になっていた。彼は兵役を完全に逃れることができたものの、自ら軍部に志願して王立陸軍医療軍団（英語版）に義勇兵として入隊した。フランスおよびマケドニア前線（英語版）において担架卒として悲惨な日々を過ごした後[8]、彼は1917年12月24日に王立砲兵守備隊[注 3]の少尉に任命される[9]。彼は、ある時には耐えがたい病に苦しみつつ、地を這いながらも任された砲台の指揮を執った[10]。砲火の爆音に長期にわたって晒されたことが、彼が老いると深刻になっていった難聴のきっかけとなった[2]。1918年、陸軍の音楽監督に任ぜられたことにより、彼は音楽活動を再開できるようになった。

戦後、しばらくの間ヴォーン・ウィリアムズが取り組んでいたのは、ヴィオラ独奏と小規模のオーケストラ、歌詞のない合唱のための幾分神秘的な「野の花」である。もう1曲は「田園交響曲」（交響曲第3番）で、この曲の第2楽章で聴かれるトランペットのカデンツァは、彼が義勇兵として衛生隊にいた頃にラッパ手が間違って7度の音程を繰り返し吹いていたのを聴いた記憶を元に、交響曲にそれとなく引用したものである。曲は1922年1月26日にロンドンでエイドリアン・ボールトの指揮の下、初演された。1924年からは彼の音楽は新たな段階に入り、生き生きとしたクロスリズム（英語版）と鋭い和声が特徴となる。この時期を彩るのは「行進曲風トッカータ」、バレエ「老いたコール王」、「ピアノ協奏曲」、オラトリオ「聖なる市民」（自作の合唱作品の中でも作曲者のお気に入りだった）、そしてバレエ「ヨブ:舞踏のための仮面劇」である。これは聖書のヨブ記に依るのではなくウィリアム・ブレイクのヨブ記への挿絵[注 4]が元になったものである。また、彼はコスモ・ゴードン・ラング（英語版）のカンタベリー大主教への就任式のためにト長調の「テ・デウム」を作曲している。この時期における彼の音楽は、1935年にBBC交響楽団によって初演された「交響曲第4番」で頂点を極めた。この交響曲は、彼の作風から連想される『田園風』の管弦楽曲とは大きく趣を異にするにするものである。事実、初演以来その和らげられることのない緊張、ドラマと不協和音が聴衆の度肝を抜いてきている。第4交響曲が変わった曲であることを認めたうえで、ヴォーン・ウィリアムズはこう述べている。「自分自身でも気に入っているかどうかはわからないが、曲は私の意図した通りのものである。」2年後、彼は自身唯一の商業音源となる歴史的な録音を、初演の楽団とこの曲を演奏してHMVに遺している。この時期に、彼はアメリカやイングランドを公演して回り、またバッハ合唱団（英語版）を指揮している。過去にはナイト叙勲を拒んだ彼であったが[2]、1935年にはメリット勲章を受けている[11]。さらに、彼はロンドンで私的に音楽を教えており、弟子の中にはアイルランドの作曲家アイナ・ボイルらがいた[12]。

ヴォーン・ウィリアムズは生涯を通して、イギリスの有名なピアニストであるハリエット・コーエンと友情を育んだ。彼が彼女に宛てた書簡は、大抵が彼女への数限りない口づけの想い出を語るような内容であり、2人の間の秘められた関係をうかがわせる。1931年に初のアメリカツアーに発つコーエンに対し、彼はこう書き送っている。「君がアメリカ人からあまりにも強く愛されてしまい、帰ってこられなくなることを恐れているよ[13]。」彼は日頃から彼女の家に通い、しばしばホームパーティに出席していた。彼女は「讃美歌前奏曲」の献呈を受け、1930年にこれを初演するとともに、その後演奏旅行の間にヨーロッパ中にこの曲を紹介した。1933年には彼の「ピアノ協奏曲」の初演も行っており、この曲もまたコーエンに捧げられた。この時期、コーエンは協奏曲の演奏を独占する権利を与えられていた。コーエンはヨーロッパ、ソ連、アメリカ中でヴォーン・ウィリアムズの作品を取り上げ、その普及に一役買ったのであった。

彼の音楽は成熟した抒情的な段階へと入り、「5つのテューダー朝の肖像」や「音楽へのセレナード[注 5]」といった作品が生み出された。そして1943年のプロムスで作曲者自身が指揮をした「交響曲第5番」もこの時期の作品である。ヴォーン・ウィリアムズはこの時70歳なっており、多くの人がこの曲を彼の白鳥の歌[注 6]になるものと考えた。しかし、彼は再び作風を一新して、実験的な和声と楽器法を伴う新たな創作期に入っていく。1946年の「交響曲第6番」は大きな成功を収め、初年度だけで100回も演奏された。この曲は彼を支持する者にも批判的な者にも驚きをもって迎えられた。なぜなら、多くの人にはこの交響曲（特に終楽章）が核戦争後の陰惨な情景ではないかと思われたからである。作曲者自身はいつもの通り、作品の背景に特定の筋書きが存在することを否定していた。

ヴォーン・ウィリアムズは第6交響曲から作曲家のロイ・ダグラスの仕事上で付き合うようになり、これは彼の生涯にわたって続いた。ダグラスの役割は音楽の助手および筆記者であった。彼はヴォーン・ウィリアムズの楽譜の判読可能な写譜を作成し、その過程では作曲者のしばしば難解な手稿譜を解読して未解決の管弦楽法の問題点を洗い出しては、作曲者に対して様々な改善提案を行った。ヴォーン・ウィリアムズは彼からの提案をほとんど受け入れていた[14]。ダグラスは「ヴォーン・ウィリアムズの音楽家としての技術を知る、最も重要な存命の目撃者」と評されていた[15]。

晩年

ドーキングの教区教会に掲げられたヴォーン・ウィリアムズの銘板。彼はこの地で1905年にレイス・ヒル音楽祭を立ち上げ、生涯にわたって関わり続けた。
ヴォーン・ウィリアムズは1958年にこの世を去るまでに、さらに3つの交響曲を完成している。7曲目の「南極交響曲」は1948年の映画「南極のスコット（英語版）」への音楽に基づいており、彼が楽器法と音響に対して新たな興味を抱いていたことが窺われる。「交響曲第8番」は1956年の初演で、1956年から1957年にかけてより重々しい「交響曲第9番」が続く。この最後の交響曲が初演されたのは1958年、作曲者の死のわずか3か月前のことであったが、当初はどっちつかずの評価を得るにとどまった。しかし、現在ではこの暗く謎に満ちた作品が、彼の交響曲の系譜を締めくくるにふさわしい楽曲であるとみなされている[16]。

また、ヴォーン・ウィリアムズは多くの器楽曲や合唱曲を仕上げている。「チューバ協奏曲」、マシュー・アーノルドの詩による「オックスフォード悲歌」、クリスマス・カンタータの「オディエ」などである。また、エリザベス女王の戴冠式のために「古い詩篇100のふし」を編曲している。「チェロ協奏曲」、オペラ「トーマス・ザ・ライマー」、クリスマス劇「最初のノエル」は彼の死後、未完のまま残されており、筆記者のロイ・ダグラスによって補筆完成された。

彼は教会音楽に少なからず関わっており、また多くの作品中には宗教的な題材が見出されるにもかかわらず、彼の2番目の妻は夫をこう評していた。「無神論者で（中略）後になって楽しげな不可知論に転向していった[17]。」彼がオペラ「天路歴程（英語版）」において、主人公の名前を原作者のジョン・バニヤンが付けた『クリスチャン』から『ピルグリム』へと改変したことは注目に値する。彼はバニヤンの讃美歌「Who would true valour see」に対しても、サセックスの伝統的な音楽である「Monk's Gate」を当てている。教会に通うものにとって、最も親しみ深い彼の楽曲はウィリアム・ウォルシャム・ハウ（英語版）の「For All the Saints」に書かれた讃美歌「Sine nomine」であろう。彼が中世の讃美歌「Discendi, Amor santo[注 7]」に作曲した楽曲は、自らの生地を称えて「ダウン・アンペイ」と名付けられた。

彼はバークベック・カレッジの教員としても働いた[18]。

1950年代に、ヴォーン・ウィリアムズはエイドリアン・ボールト指揮、ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団がデッカ・レコードに行った交響曲集の録音に際し、第9番を除く全作品を監修した[19]。謎めいた第6交響曲の最後のセッションで、彼は短いスピーチを行ってボールトとオーケストラの「これ以上なく心のこもった」演奏への感謝を述べた。デッカは、後のLP音源にこれを収録している[20]。彼はボールトによる第9交響曲の初録音（エヴェレスト・レコード（英語版）へのものだった）にも立ち会う予定であったが、録音セッション開始前夜の1958年8月26日にこの世を去った。ボールトは楽団員に対し、今回の演奏が作曲者を追悼するものになるだろうと告知した[21]。これらの演奏と作曲者やボールトのスピーチは、全てデッカからCD音源として再発売されている。

ヴォーン・ウィリアムズは多くの若い作曲家や指揮者らに指導や公演を行って、また交友関係を築くことで、イギリスの音楽の中心人物であった。彼はあらゆる人に対し、どれだけ簡単なものでも本当に自らで考えたのであれば、自分自身の音楽を作ろうとしばしば繰り返していた。そうした考えなどを綴った彼の音楽に関する著書は、今もって示唆に富むものである。ヴォーン・ウィリアムズはウェストミンスター寺院に眠っている。

結婚生活
ヴォーン・ウィリアムズは2回の結婚を経験している。最初の結婚相手はアデリーン・フィッシャー（Adeline Fisher[注 8]）で、1896年のことだった。アデリーンはルース・フィッシャー・デ・ロップの従姉妹で[22]、ルースは生化学者のロバート・ロップ（英語版）の母であった。ロバートの父はヨーロッパの貧窮した貴族で、息子の高校以降の学費を賄うことができなかった。そこで、ヴォーン・ウィリアムズ夫妻が助け舟を出してロバートを南ケンジントンにある王立科学大学（英語版）に通わせ、そこで生物学を専攻したロバートは博士号を取得した。ロバートはそのまま研究の道で成功して科学者となり、ヒトの潜在能力に関するよく知られた書物を著した[23]。アデリーンは長年にわたって手足の自由が利かなくなる関節炎に苦しんだ後、1951年に夫に先立った。

ヴォーン・ウィリアムズは、1938年から既婚の詩人であるアーシュラ・ウッドと不倫関係にあった。1942年に夫を亡くしたウッドは、ヴォーン・ウィリアムズの文学面での助言者、個人的な助手となってサリーの彼の自宅に移り住んだ。これは明らかにアデリーンの暗黙の了解の下で行われたことで、ウッドは1951年にアデリーンが死去するまで介助者として彼女に尽くした[24]。ウッドは合唱作品「光の御子たち」の台本を記しており、また「天路歴程」や「オディエ」の台本にも力を貸した[25]。ウッドとヴォーン・ウィリアムズは1953年に結婚し、ロンドンに移り住んだ。2人はヴォーン・ウィリアムズがこの世を去るまでの5年間、リージェンツ・パーク、ハノヴァー・テラス（Hanover Terrace）の10で暮らした。1964年、ウッドは「RVW: レイフ・ヴォーン・ウィリアムズの伝記」を出版した。彼女は2007年に亡くなるまで、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ協会の名誉会長を務めた。

作風
イギリスの田園風景を彷彿とさせる牧歌的な作風は、広くイギリス国民に愛されている。日本では『惑星』で知られるホルストに比べて知名度が低いが、欧米ではホルストより高く評価されている。生涯に9つの交響曲を遺し、また、イングランドの民謡を題材にした作品も多い。

ヴォーン・ウィリアムズの音楽は、しばしばホルスト、ディーリアス、バターワース、ウォルトンらの音楽と同様にイングランドの特徴を備えているといわれる[26]。ピーター・アクロイド（英語版）は著作「Albion: The Origins of the English Imagination」の中でこう記している。「もしそのイングランドらしさというものが言葉では完全に言い表せるものだとすれば、その言葉とは次のようなものになるだろう。表向きはよくある普通の音楽だが、抒情的、旋律的、憂鬱で郷愁を誘い、さらに時を超越しているばかりでなく、深遠かつ神秘的でもある。」アクロイドは、1911年以前にニューグローヴ世界音楽大事典の第2版の編集に関わったことで知られる音楽評論家のジョン・メイトランド（英語版）の言葉を引用している。メイトランドの考えでは、ヴォーン・ウィリアムズの作風は「聴いていて非常に古い音楽なのか非常に新しい音楽なのか分からなくなる」ようなものだった。

ヴォーン・ウィリアムズが民謡に魅了されて、深い造詣を獲得していることは作品から窺い知れる。その変容の様は、聴衆を地上にいる状態（彼自身は日々常にそうあろうとしていた）から天上へと誘い得るものである。同時に彼の音楽は、イングランドへの愛国心をわずかながらも垣間見せるが、それは古き風景と、人がその中で小さくとも完全には無視してしまうことのできない居場所を占めているという感覚から生まれるものである[2]。彼の初期作品は時おり、1908年のパリで3か月間指導を受けたラヴェルの影響を見せる。ラヴェルはヴォーン・ウィリアムズについて、自らの弟子の中で唯一ラヴェル風の音楽を書かなかった人物だと評した[26]。

生涯にわたってシベリウスを尊敬していたといわれ、第5交響曲はシベリウスに献呈されている。

主要作品

交響曲
彼は、ベートーヴェンと同じく9曲の交響曲を遺している。中でも『海の交響曲』は大規模なもので、構成的にはカンタータと見なせるようなものである。また、『田園交響曲』や『南極交響曲』でも声楽を取り入れているが、これには歌詞がなく一つの楽器として扱われている。

海の交響曲（A Sea Symphony、交響曲第1番） 管弦楽、ソプラノ、バリトン、合唱
ロンドン交響曲（A London Symphony、交響曲第2番）
田園交響曲（A Pastral Symphony、交響曲第3番） 管弦楽、ソプラノ
交響曲第4番ヘ短調（Symphony No.4 in F minor）
交響曲第5番ニ長調（Symphony No.5 in D major）
交響曲第6番ホ短調（Symphony No.6 in E minor）
南極交響曲（Sinfonia Antartica、交響曲第7番） 管弦楽、ソプラノ、合唱
この作品は、もともとは 映画 『南極のスコット』 のために作曲された音楽を交響曲の形に改作したものである。
交響曲第8番ニ短調（Symphony No.8 in D minor）
交響曲第9番ホ短調（Symphony No.9 in E minor）

管弦楽曲
グリーンスリーヴスによる幻想曲（Fantasia on Greensleeves）
1928年に完成した歌劇『恋するサー・ジョン』（Sir John in Love） の間奏曲（イングランド民謡「グリーンスリーヴズ」に基づく）をラルフ・グリーヴズが編曲したもの。

弦楽合奏曲
トマス・タリスの主題による幻想曲（Fantasia on a Theme by Thomas Tallis）
16世紀イギリスの作曲家トマス・タリスの『大主教パーカーのための詩編曲』の旋律を題材とした作品。

協奏曲
ピアノ協奏曲ハ長調（Piano concerto in C）
RVWの作品としては珍しくバルトークの影響が強い作品。あまりに演奏困難なため、2台のピアノのための協奏曲に改作している。
バス・テューバと管弦楽のための協奏曲（Concerto for bass tuba and orchestra、テューバ協奏曲）
これはロンドン交響楽団に捧げられた曲で、RVWの協奏曲作品としては今日、最も演奏の機会に恵まれている1つである。テューバのための協奏曲としては最も有名な作品の1つで、多くの著名な奏者が舞台上や録音でその技巧を披露している。第2楽章（ロマンツァ、Romanza）はチェロやファゴットでも演奏される。
揚げひばり（The Lark Ascending）
ヴァイオリン独奏と管弦楽のための協奏曲的な作品である。

吹奏楽曲
イギリス民謡組曲（English Folk Song Suite）
他者の編曲による複数の管弦楽版（特にゴードン・ジェイコブの編曲）も知られている。
行進曲「海の歌」（Sea Songs - March）
「プリンセス・ロイヤル」「ベンボウ提督」「ポーツマス」の3曲の民謡による演奏時間4分弱の小品。元々は「イギリス民謡組曲」の第2曲として作曲され、後に独立した曲として出版された。かつて短波で放送されていたBBC日本語放送のテーマ曲に中間部の「ベンボウ提督」の管弦楽編曲版が使用されていた、とされているが、実際は、トリオの「ポーツマス」のメロディが使用されていた。

室内楽曲
幻想的五重奏曲 (Phantasy Quintet)
ヴァイオリン2本、ヴィオラ2本、チェロによる編成の室内楽曲。
弦楽四重奏曲第1番ト短調 (String Quartet No.1 in G minor)
ラヴェル師事直後の作品で、印象派の影響も匂わせつつ、民謡風の旋律を織り込んだ作曲者自身の作風の確立において重要な作品。
弦楽四重奏曲第2番イ短調「ジーンの誕生日に」 (String Quartet No.2 in A minor "For Jean on her birthday")
戦中、マンジェス四重奏団 (Manges Quartet) のヴァイオリン奏者ジーン・スチュアートに捧げられた曲。ヴォーン・ウィリアムズの室内楽中最後の作品。

録音史
ヴォーン・ウィリアムズの楽曲は膨大な録音遺産に恵まれている。初期には各交響曲がヘンリー・ウッド（ロンドン交響曲）、ジョン・バルビローリ（第5番）、エイドリアン・ボールトとレオポルド・ストコフスキー（共に第6番）によって録音され、作曲者自身による第4番の録音も行われた。この後、数種類の交響曲全集が生まれることになる。ストコフスキーが1943年にNBC交響楽団と行った第4番の放送演奏や、1964年のBBCプロムスにおけるBBC交響楽団との第8番の公演もCDで発売されている。ユージン・グーセンスは1941年に、シンシナティ交響楽団と「ロンドン交響曲」の1920年版をRCAビクターへ録音したが、これはこの版による唯一の音源となっている。ボールトは初となる交響曲全集に取り組み、1950年代初頭のデッカへの第1番から第8番までと、1958年のエヴェレスト・レコードへの第9番によってこれを完成させた。彼は1967年から1972年にかけて、EMIへ2度目となる交響曲全集を録音している。他にも交響曲全集の録音ではアンドレ・プレヴィン、ベルナルト・ハイティンク、ブライデン・トムソン、ヴァーノン・ハンドリー、レナード・スラトキン、リチャード・ヒコックス（急逝により南極交響曲、第9番が未完）らが続いている。

他にも、他国の指揮者らもヴォーン・ウィリアムズの交響曲録音に取り組んでいる。ディミトリ・ミトロプーロスとレナード・バーンスタインは、ともに第4交響曲をニューヨーク・フィルハーモニック管弦楽団と録音しており、同楽団とはレオポルト・ストコフスキが1949年に第6番の初録音を行っている。第6番は、1966年にモーリス・アブラヴァネルとユタ交響楽団も録音を遺している。パーヴォ・ベルグルンドも第4番、第6番を録音した。他にもCD音源は存在し、第9番のポルトガル初演となったペドロ・デ・フレイタス・ブランコとポルトガル国立管弦楽団の演奏も発売されている。同様に、第9番のアメリカ初演となった1958年、カーネギー・ホールにおけるストコフスキの「ヴォーン・ウィリアムズ追悼演奏会」の様子も、カラ・レコード（Cala Records）より発売されている。

ヴォーン・ウィリアムズ自身による1952年の交響曲第5番の録音が、イギリスで近年になって初めて公式にサム・レコーディングズ（Somm Recordings）よりリリースされた。

デイヴィッド・ウィルコックス（英語版）は1960年代から1970年代にかけて、EMIに多くの合唱作品を録音した。弦楽四重奏曲ではナクソスの録音が賞を獲得し、ハイペリオン・レコードやシャンドスとともにこれまで顧みられなかった楽曲に光を当てている。そうした楽曲の中には、ブラスバンドのための作品ほとんど上演されないオペラなどがある。

EMIからは、ヴォーン・ウィリアムズの全作品をほぼ網羅し、同曲異演も含むCD30枚組（34時間以上）の廉価セットが発売されている。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%AC%E3%82%A4%E3%83%95%E3%83%BB%E3%83%B4%E3%82%A9%E3%83%BC%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%AA%E3%82%A2%E3%83%A0%E3%82%BA
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/778.html

[近代史6] レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ（Ralph Vaughan Williams, 1872-1958) 中川隆
1. 中川隆[-16150] koaQ7Jey 2021年10月04日 13:05:14 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[8]
ヴォーン・ウィリアムズ 『グリーンスリーヴスによる幻想曲』
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/949.html 　

ヴォーン・ウィリアムズ トマス・タリスの主題による幻想曲
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/947.html

ヴォーン・ウィリアムズ 『揚げひばり』
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/948.html 　
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/778.html#c1

[番外地9] 真珠湾攻撃は昭和天皇がみんなの反対を押し切って独断で決断したというのが学界の定説です 中川隆
1. 中川隆[-16149] koaQ7Jey 2021年10月04日 15:39:56 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[12]
大東亜戦争は昭和天皇が策謀した八百長戦争だった！ が正しい：
真珠湾攻撃は昭和天皇がみんなの反対を押し切って独断で決断したというのが学界の定説です
昭和天皇の侍従の話では、昭和天皇は、強力な独裁制の主唱者として登場してきたという。
彼は、卓越した知性の持ち主とも言われている。
どの話の中でも、彼は常に大臣の構想に遅れを取らずに助言を与え、
そして、彼が受け入れられるような推奨案へと舵取りしていたことが次々と語られている。

また、時には、反対する見解をも採用し、少数意見も受け入れ、あるいは、
ひとつの推薦案を丸々無視したとすらも認められていた。

裕仁天皇は、米国との戦争の布告に署名をしていた。それは、彼の意思にはそわずにされたものと言われていたが、戦争開始数ヶ月後の、近衛首相の退陣までに作成された記録には、そうした記述は残されていない。また、もし彼が戦争を差し止めようとしたならば、暗殺されたかもしれないとも言われている。しかし、こうした主張は、こじつけのようである。というのは、兵士も将校もすべて、天皇のために死ぬ備えをしており、彼を暗殺するほどにかけ離れた日本人は、戦争に反対の西洋化した銀行家や外交官だけであったからである。

　裕仁天皇は、1937年、軍隊を華北へ送る命令に判を押した。これも後に、意思にそわずに行われたものと言われ、また、その二ヵ月後には、華中、華南へ出兵する命令にも判を押した。

彼は参謀本部の躊躇した「軍国主義者」の忠告に従い、華南の命令の執行を不本意に延期した。彼は、戦局を自ら掌握できるよう、皇居のなかに、大本営を設置した。

当時の首相が天皇のあまりな傾倒に苦言を呈しているように、彼は戦争計画に没頭するようになった。

そして遂に、彼の伯父は、中国の首都、南京攻撃の命令を引き受け、南京のあるホテルに居を移し、彼の軍隊が、10万人を超える無防備の軍民双方の捕虜を殺しているのを傍観していた。それは、第二次大戦でおこなわれた最初の集団虐殺で、この伯父が東京に戻った時、裕仁は、自らでかけて、伯父への名誉の勲章を与えた。

　それをさかのぼる1931年から32年、裕仁は、満州領有に許可を与えた。これも後になって、不承々々のものとされたが、彼は、自らが代表する天皇の統帥機関により生じた企ての全的責任を負うことに躊躇していた、と当時の記録は明確に記録している。そしてふたたび、この領有が完了した時、彼はその実行者たちに勲章をあたえ、その大将を自分の侍従武官兼軍事輔弼〔ほひつ：天皇への助言者〕の主席にさせている。

　こうした明白な諸事実より、天皇裕仁の行為と、後年、彼について語られた言葉との間には、大きな食い違いがあると結論付けうる。

私は、資料文献を読みながら書き留めたノートのすべてを見直しかつ再考察し、日本の近世の歴史は、第二次大戦以来提起されているように、一部、参謀本部の逆諜報専門家や、一部、皇室取巻きの上層部によって、戦争末期に捏造された幻想に巧に由来している、と確信するようになった。

　こうした日本の表向きの物語は、何度も、すでに生じていたことがその結果にように引き合いに出され、論理的に逆転している。偶然な出来事や自然発生した大衆行動が、高官レベルで、それに先立つ数ヶ月あるいは数年前に、実際に議論されていたことを、その時々の資料は、一度となく示している。天皇の主席政治輔弼、内大臣（訳注）は、慣例のように次期首相を任命し、現職首相の職が危ういような政府の危機の際には、それに先立つ数週間ないし数ヶ月間は、「彼の特務期間」と呼ばれた。そのやり取りは記録として残されてもおり、その中で内大臣は、続く二代の政府の組閣構成やその成果を、正確に見通している。

終戦時、オーストラリア、ニュージーランドそして中国の高官はすべて、裕仁天皇は日本の君主であり、日本の戦争責任者のリストの先頭におかれるべきであることに同意していたことを、キャンベラの書庫で発見して、私には心をやわらげられるものがあった。彼らは、その後、マッカーサー将軍の決定――天皇を国際法の下の戦争犯罪人とするより日本の復興のために用いる――（私自身、これは賢明な決定と思う）に従った。

私の調べた確証から浮かび上がる天皇の姿は、公式の伝記にあらわれる姿とは、まるで写真のネガとポジのように異なっていた。

私の見方では、裕仁は、献身的で、衰えを知らず、利巧かつ細心で、そして忍耐力を備えた、卓越した戦争指導者だった。

彼は、アジアから白人を追放するというその使命を、大祖父から引き継いでいた。だが、国民は無関心かつ後進的であったので、人々をそうした役務にかりだすため、戦争の２０年前から、心理的、軍事的に準備を重ね、巧みにあやつっていった。

公式の人物像は、これとは逆に、裕仁を、魅力に乏しいところの多い、文化的な隠居した生物学者で、自らの公務は将官や総督にゆだね、そのすべてのエネルギーをおだやかに、きのこや小さな海洋生物につぎこむ人、と描いていた。

その年の一月、私の調査が終わろうとしていた時、原書房という東京の小さな出版社が、戦時中の陸軍参謀総長、杉山元〔はじめ〕大将が1940年から44年に書きとめた備忘録〔『杉山メモ』〕を出版した。これは、日本国家の最高位の軍事将校による歴然たる手書き資料である。杉山は日本が降伏した1945年に自殺しており、彼の記録を装飾する機会はなかった。記録のほとんどは、無味乾燥な軍事的詳細か、さらに単調な軍事用語で満たされていた。しかし、そのうちのいくつかは、裕仁との会話の言葉どおりの記述である。

それらは、裕仁が、真珠湾攻撃の数ヶ月前、軍事的、経済的計画について、詳細な質問をしていることを記していた。

それは、マッカーサー将軍が語ったという、裕仁が戦後将軍に告白した――1941年にはすべての軍事的、経済的事柄については無知であった――という発言と真っ向から食い違っていた。

　最も驚くべきことは、1941年1月、対米戦勃発の11ヶ月前、裕仁が独自に、真珠湾への奇襲攻撃のフィジビリティー調査を命じていることを、『杉山メモ』が記録していることである。

それ以前では、欧米の歴史家は、少なくとも1941年11月までは、裕仁は真珠湾奇襲攻撃計画については何も知らなかった、と信じていた。1941年当時の侍従長、鈴木貫太郎は、戦後、裕仁は真珠湾攻撃計画については、それが実行されるまでは知らなかった、とはばかることすらなく記している。

　『杉山メモ』はまた、裕仁は、真珠湾計画に、彼の公式軍事輔弼がそれを告知される丸六ヶ月前の段階で、参加していたことを明らかにしている。極東国際軍事法廷の連合軍判事たちに提示され、また、宣誓のもとでの目撃証言や緻密な調査によって検証された証拠は、裕仁を戦争にまで引きずり込んだとされる「軍国主義者」の誰もが、1941年8月まで、真珠湾計画を知らなかったと結論ずけている。

国際軍事法廷は、日本人指導者に「侵略戦争への陰謀」との判決を下し、1928年

1945年、連合軍がドイツを制圧した際、何百万ページもの国家文書が発見された。これに対し、連合軍が取り決められた日本の占領を始めた時、戦争終結からまだ2週間しかたっていないにもかかわらず、アメリカ人の手に入ったもので、何らかの重要性をもつ文書は、日本人によって自発的に提供されたものであった。

1937年より1945年まで皇居において天皇が議長を勤めて行なわれた天皇本部の会議議事録は、すべて焼却されたと言われている。陸軍参謀本部、海軍参謀本部、特高警察のファイル類の大半も、同様であった。

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故鬼塚英昭 氏 戦争はすべて八百長 『日本の真相』 - YouTube
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[番外地9] 天皇の戦争責任を暴いたバーガミニをアメリカが抹殺した理由は？ 中川隆
3. 中川隆[-16148] koaQ7Jey 2021年10月04日 15:41:14 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[13]
大東亜戦争は昭和天皇が策謀した八百長戦争だった！ が正しい：
アメリカでも昭和天皇が策謀した八百長戦争の実態を暴くと大学を追われる。
ディビットバーガーミニの間違いを指摘した研究者は一人もいない。というより他に昭和天皇の研究をした歴史学者自体が存在しないんだ。
ライスシャワーみたいな御用学者が貶めていただけだ：
天皇の戦争責任を暴いたバーガミニをアメリカが抹殺した理由は？
バーガミニの本がアメリカで出たら、凄い大ベストセラーになって色々な人が非常に高く評価した書評を書いたりしてるんです。ところが！　83年の新版に驚くべきことが書いてあります。
「天皇の陰謀が物書きとしての私の経歴をお終いにしてしまった」

この本が出た1971年以来、大ベストセラーになったんです。良く調べると、なんとこのバーガミニという人はアメリカの大学を出た後、ローズ奨学生になってオックスフォードに入学してます。ローズ奨学生のオックスフォード卒業生ですよ。これは欧米ではとてつもないエリートです。インサイダーの候補です。そういう人が、自分は日本に非常に縁が深いので昭和天皇の歴史を中心とした日本史を書いてみようという訳で、アメリカの有力な権力層から日本の多くのインサイダーへの紹介状を貰って、インタビューしたりして、本もたくさん買って、京都に住んで、京都の学生・卒業生とかを助手にして、非常に詳しい調査をして、日本のインサイダー、元将軍、元なんとかという人たちのインタビューをしたりして書いた本ですよ。これは凄い本だということで前途洋々かと思うと、とんでもない。この本を出したおかげで、自分の物書きとしての経歴がおしまいになったって言ってるんです。

内輪に見積もっても200万〜500万ドル。今のドルではなくて1970年代だからもう少し価値があったんじゃないでしょうか。200万〜500万ドルが、私を押さえつけておく賄賂ないしは監視料として使われたって言うんですよ。

「とりわけエドウィン・Ｏ・ライシャワーが、私を押しつぶす大きな蝿叩きを作るために手を貸した」って言うんですよ。ライシャワーは、気の赴くままに合衆国の大学に与える贈り物を持っていたし、日本での訓練期間中に彼に借りを作ったCIAの手の者達の中核の献身を受けていたって言うんです。つまり、ライシャワーを中心とする、アメリカのまさしく権力エリートが、バーガーミニを著述家として葬り去るために全力を尽くしたわけです。賄賂ないし監視料というのは、バーガーミニの著述家としての活動の全てに渡って完全に抹殺するように米国の権力が総力を挙げて襲いかかったんですよ。

本を5冊書いたけどね、出版社に持って行くと、すかさずその出版社に手がまわって、その賄賂ってわけで、これだけ金をやるからバーガーミニの本は出すな、どうのこうのって訳ですよ。アメリカの日本問題専門家は全部ライシャワーの息がかかってますからね。ライシャワーが命令して「あいつはもう一切相手にするな」って言うわけです。

そんな風にして、彼はあっという間に物書きから転落していくわけですよ。そうしてね、いまの私はマイクロコンピューターを売ったり、コンピューターのプログラムを作ったりすることで身を立てておりますって言うことになっちゃった。そして、彼は「私の愛国心は幻滅に帰した」、つまり、アメリカは自分の祖国と思っていたがとんでもない、自分が1冊の本を書いたが為に、アメリカという国家は自分に襲いかかって、自分を叩き潰そうと、もう叩き潰してしまった。愛国心ってのものは無くなったと、そう言ってます。

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大正天皇は精神を病んでいたといわれるが、西園寺は自分が仕えた４代（孝明〜昭和）の中で最も知性に優れていたと語っている。大正天皇はナポレオン、アレクサンダー大王を理想として日本を改造したかった。議会は廃止して天皇独裁にしたいと思っていた。日露戦争で莫大な外債を抱えていた。議会が予算を承認しないと困る。陸軍・海軍を増強して「帝国」にしたいのに障害になる。その天皇の考えに山県有朋は衝突した。

裕仁は大正天皇が不発に終わったクーデタを実行しようとした。立花隆の『天皇と東大』によると、上杉憲法学は議会の撲滅を主張していた。議会を大政翼賛会とし、日本を破壊するための軍国主義体制を整えるように「宮中」から指示をしていたのが裕仁である。日本を戦争に導くため、戦争反対派（皇道派）を一掃する「きっかけ」として利用されたのが二・二六事件だった。

絶対的天皇主義。それが完成したのが二・二六の後。二・二六事件までは陸軍の圧倒的多数は中国大陸での戦争に反対していた。中国に100万の軍隊を展開しながら、太平洋でアメリカと戦うのは、自滅の戦争であることが子供でもわかる状態だった。だが、それに反対するのは、天皇が許さない。そういった仕組みが二・二六で完成した。

中国への戦争に反対していた真崎大将を二・二六事件の「黒幕」だとして刑務所に閉じ込めている間に、統制派は中国との戦争に火をつけた（1937年の盧溝橋事件）。

二・二六事件の「蹶起趣意書」については、侍従武官長も、陸軍大将も、他の軍事参議官も、将官クラスも、ごく少数の非常に突拍子もないへんてこりんな軍人以外の、当時の日本の軍人・将校のほとんどが、この蹶起趣意書にすごく共感したわけです。

当時の日本の人口の6〜7割は農民ですけど、その農民は、第一次大戦後の軍が入ってきて、それから昭和4年(1929年）の世界経済大恐慌の前後からずっと続いてる、日本の経済恐慌の結果、農村は生きることも、死ぬこともできない様な塗炭の苦しみを味わってるわけですよ。兵隊はそういうところから出てくるんですから、将校はそれをひしひしと感じてるわけですよ。だから、多かれ少なかれ趣意書に書かれていることは、天皇の重臣などを殺したというのは、私利私欲、私的目的の為ではなく、こういう趣旨を掲げて、何とか変えてもらいたいと決起した志を酌むべきではないか、少なくとも天皇はその志を酌んで名誉を与えてもらいたいというのが、当時の（海軍は別ですけど）陸軍の首脳層のほぼ全員一致の考えです。

それでも、裕仁は全然問題にしないわけです。全然別の考えなんです。

バーガミニは、二・二六が起きた後、裕仁は単身、厳密に言えば一人じゃないですね、裕仁のそばにいた木戸幸一は、そのころ内大臣府秘書官長だった。二・二六で内大臣の斉藤実が殺されたでしょう。そのあと（1940年から）木戸幸一が内大臣になった。しかし木戸幸一１人じゃない。裕仁（昭和天皇）の摂政時代から、「十一会」という私的な結社を主宰してるんですよ、昭和天皇の顧問団。しかし、バーガーミニは、昭和天皇は単独で自分の考えを強行突破して、あらゆる反対、異論を押し潰して、いくつもの政治決戦に最終的に勝利したと評価してます。

近年になって公開された米国政府文書により、アメリカがわざと真珠湾攻撃に日本を誘い出したことは明かになっている。開戦時、日本側では、内大臣の木戸幸一が中国からの撤兵反対、米国との対戦を主張して、米国の謀略に合わせていた。

だが、木戸というより裕仁だ。近衛はその逆だった。終戦の半年前の昭和19年2月には「近衛上奏文」で戦争に導いてきた軍人たちの一掃を勧めているが、裕仁はこれを無視し、特攻隊、本土空襲、原爆投下をまねいている。

裕仁の売国奴ぶりは終戦後も続く。吉田茂は、日米講和条約が成立すれば米軍は撤退するものだと思っていた。ところが、吉田茂の知らないところで昭和天皇が裏取引し、ダレス（ロックフェラー財団の有力者）と秘密交渉、米軍が無期限に日本に駐留することにさせた。沖縄は半永久的に米国の領土として認めるといったことをダレスに言っている。

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故鬼塚英昭 氏 戦争はすべて八百長 『日本の真相』 - YouTube
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[近代史6] フランシス・プーランク（Francis Poulenc, 1899-1963)
フランシス・プーランク（Francis Poulenc, 1899-1963)

フランス六人組周辺のおしゃれな音楽の入門はこの人が良いと思う。フランス流エスプリの利いた軽妙洒脱で粋な都会的音楽。メロディーに溢れていて分かりやすく、まためまぐるしく雰囲気が変わるので飽きない。管楽器のソナタなどが素敵である。

管弦楽曲

バレエ音楽『牝鹿』
3.0点
組曲版で聴いた。スッキリとした軽やかなオーケストレーションと爽やかで瑞々しい詩情のある音楽である。しかし、メロディーの魅力がいま一歩と思うし、都会的な魅力もない。従って、それなりに良いのだが、あくまで若書き作品であり、もっと他に良い曲があると思って聴いてしまう。

『フランス組曲』（管楽器、打楽器、チェンバロ、ハープ）
3.5点
弦楽器が無くてチェンバロが入るという楽器編成が、古風な音の軽さを演出しており、非常に良い。ピアノ版と同様に楽しいし、管楽器の合奏の古風な楽しさはピアノ版には無いものである。

シンフォニエッタ
3.0点
メロディーに溢れていて軽妙であり、つまらなくはない。しかしニュアンスは平板で同じような雰囲気の上であれこれメロディーを流しているだけに感じられる。また、音楽が軽すぎて娯楽映画の音楽のようだし、管弦楽なので機敏さに欠ける。

協奏曲

クラヴサンと管弦楽のための田園のコンセール（田園協奏曲）(1927-1928)
3.0
近代のチェンバロ協奏曲という目新しい響きの音楽であることから、好奇心を満たしてくれる。やりたい放題と言いたくなるほど奔放な構成で、めまぐるしく変わる場面についていく楽しさはある。４分の1くらいの場面は確かに田園をイメージする。しかし、心に響くようないい音楽という感じは無い。あくまで好奇心のための音楽と思う。

2台のピアノと管弦楽のための協奏曲 ニ短調(1932)
3.3点
２台のピアノの豊富な音数が産み出す華麗さ楽しさはなかなかのもの。プーランクらしいめまぐるしさも有効に機能して、聴き映えの良さを増している。

ピアノ協奏曲 嬰ハ短調(1949)
3.3点
軽快な聴く人を楽しませるピアノの使い方は流石で、プーランクのピアノ協奏曲への適性の高さを感じるのだが、逆に予想外の凄さがない。彼ならやりそうな事をそのままやっている。そのため、いい曲ではあるが物足りなさが残る。

オルガン、弦楽とティンパニのための協奏曲 ト短調(1938)
3.0点
軽快さが売りのプーランクも、この曲はオルガンの音圧を活用した重たい音楽にしている。場面の転換は頻繁だが、変化の劇的さがあまり無い。でも作曲者らしいセンスの良さは感じる。この雰囲気は独特であるので、聴いてみて損は無い。

室内楽曲

六重奏曲（ピアノ、フルート、オーボエ、クラリネット、ホルン、ファゴット）
3.3点
軽妙さやメランコリーをうまくミックスしたプーランクの良さが出ている曲。管楽器とピアノの扱いの上手さが、この曲でも目立つ。集大成的な作品としての作者の意気込みを感じる。しかしながら、音の厚さや楽器の多彩さが思ったほど効果を挙げていない気がする。

ホルン、トランペット、トロンボーンのためのソナタ
3.0点
珍しい構成であるが、音や音楽はそれほど意外性がない。アンニュイな雰囲気や金管らしい合奏を楽しめる。それ以上の良さはあまりない。

ピアノ、オーボエ、ファゴットのための三重奏曲
2.3点
おどけたりメランコリックになったり、フリーダムな曲。掛け合いも即興的。自由すぎて聴いていて落ち着かない。オーボエもファゴットもプーランクに合っており良さが生きているので、この編成ならばもっといい曲が書けたのではと残念に思う。

ヴァイオリンソナタ
2.5点
諧謔的な雰囲気が強い。ヴァイオリンが狭い範囲の使い方しかされていない印象があり、あまり楽器の良さを生かせてない。メロディーもいまいちで、プーランクの良さもあまり出ていない。とはいえ軽妙さなど、一定の特質を生かせてはいる。

チェロソナタ
2.5点
それなりに楽しめるのだが、チェロとしては軽快すぎる音使いで、高音の明朗さの不足がそのまま弱点になってしまっている。深々とした渋い響きを楽しめる他の作曲家のチェロソナタやプーランクの管楽器のソナタの素晴らしさと比較するとイマイチ。

フルートソナタ
3.5点
アンニュイな１楽章。寂寥感あるメロディーが捻った形で出てきて微妙なニュアンスを表現する２楽章。独特の捻りとメロディーの横溢によるニュアンスの変化が面白い３楽章。

オーボエソナタ
4.5点
夜の都会の洒落たセンスの中に人生の苦楽を潜ませた１楽章。ドビュッシーのように始まりおどけた後、中間部は切なく叙情的ながらも都会的で美しい２楽章。悲しく始まり、夢の中に溶けて現実に引き戻されて終わる３楽章。ニュアンスに満ちていて強く引き込まれる最晩年の傑作。

2本のクラリネットのためのソナタ
3.0点
同質の楽器２つという限定された条件での面白いアンサンブルを楽しむ曲。アンニュイでまったりした雰囲気が面白い。

クラリネットソナタ
3.0点
憂鬱アンニュイとおどけた道化というクラリネットの２つの面を軸にした曲の作りで、得意の目まぐるしい雰囲気の変化がある。お洒落メランコリーの部分は曲の雰囲気に浸れてなかなか優秀。

クラリネットとファゴットのためのソナタ
3.5点
２つの管楽器という限定された条件だが、変化に富み和声も豊かで素晴らしい。ファゴットは主に伴奏だが非常にうまく活用されていると思った。

器楽曲

ピアノ連弾または2台のピアノのためのソナタ
3.0
もとは若い時の作品で、ドビュッシーやサティーの影響を感じるが、十分にプーランクの個性も発揮されており、音感やセンスの良さはさすが。短い曲だし楽しんで聴ける。

2台のピアノのためのソナタ
3.3点
２台用だが、静寂さを感じる場面が多い。アンニュイでメランコリックな繊細な精神を体験出来る場面が多いので、その楽しさで聴ける。

3つのノヴェレッテ（ピアノ）
3.5点
１曲目は穏やかな叙情性と中間の小気味良さが素晴らしい。２曲目は少し活発で小気味よい雰囲気と音使いが楽しい。３曲目は美しい夢と現実の狭間のようで感傷的。３曲ともコンパクトでいい曲。

フランス組曲
3.5点
ピアノ版を聴いた。冒頭からウキウキするような楽しい曲。どの曲も明るい中にエスプリが効いていて、親しみやすく誰でも楽しめるような作品。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%97%E3%83%BC%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%82%AF

フランシス・ジャン・マルセル・プーランク（プランク、Francis Jean Marcel Poulenc フランス語: [fʁɑ̃sis ʒɑ̃ maʁsɛl pulɛ̃k] 発音例,1899年1月7日 - 1963年1月30日）は、フランスの作曲家。「フランス6人組」の一人。声楽、室内楽曲、宗教的楽劇、オペラ、バレエ音楽、オーケストラ音楽を含むあらゆる主要な音楽ジャンルの楽曲を作曲している。その作風の広さは「修道僧と悪童が同居している」と形容される[1][注 1]。

来歴・人物
1899年にパリ8区マドレーヌ地区の裕福な家庭に生まれる。両親は敬虔なカトリック教徒であった（父エミールは、叔父のカミーユと共に製薬会社プーラン社の創設者）。5歳の頃から母親からピアノの手ほどきを受け、1914年（15歳）からはスペイン出身の名ピアニスト、リカルド・ビニェス（ドビュッシーやラヴェルのピアノ曲の初演を数多く手がけた）にピアノを師事し、多大な影響を受ける。

バレエ・リュス（ロシア・バレエ団）による『春の祭典』（1913年）、『パラード』（1917年、台本：ジャン・コクトー、音楽：エリック・サティ、美術：パブロ・ピカソ）の初演を見て感嘆する。

1917年頃ビニェスの紹介により、後のフランス6人組のメンバーであり同い年のジョルジュ・オーリックや、『パラード』の作曲者サティ、ポール・デュカス、モーリス・ラヴェル、声楽家のジャーヌ・バトリといった音楽家と出会う。中でもバトリとの出会いは重要で、プーランクは当時バトリの自宅に毎週のように集まる音楽家の一員となった。彼はそこでアンドレ・カプレやアルテュール・オネゲルとも出会う。当時、バトリは渡米したヴィユ・コロンビエ劇場の支配人の代理として劇場の運営を任されており、1917年12月には同劇場でジェルメーヌ・タイユフェール、オーリック、ルイ・デュレ、オネゲル、ダリウス・ミヨーの作品とともに、プーランクの『黒人の狂詩曲（FP 3）』の初演が行われた。プーランクは後に「これがその後の6人組の出発点となった」と語っている[2]。また、詩人ジャン・コクトーらのサロンに出入りするようになった。当時18歳だったプーランクは作曲を本格的に学習したいと考えたが、実業家であった父の反対によりパリ音楽院には進学せず、3年間の兵役についた。
この間、1920年に『コメディア』誌上に批評家のアンリ・コレが掲載した論文「ロシア5人組、フランス6人組、そしてエリック・サティ」によって「6人組」の名が広まった。

除隊後の1921年から1924年にかけて、ダリウス・ミヨーのすすめもありシャルル・ケクランについて本格的に作曲を学ぶ。1922年にはミヨーなどと共にウィーンのアルマ・マーラー宅を訪れ、そこでアルノルト・シェーンベルク、アントン・ヴェーベルン、アルバン・ベルクと会う。この年にはパリを訪れたバルトーク・ベーラとも会う。1923年にパリで行われたイーゴリ・ストラヴィンスキーの『結婚』初演の際の4人のピアニストの内の1人に予定されていたが、プーランクは病気となり初演には関われなかった（ストラヴィンスキーとは1916年にパリの楽譜店で出会って以来の友人であった）。

1923年、ミヨーとともにイタリア旅行中であった24歳のプーランクは、バレエ・リュスを主宰するセルゲイ・ディアギレフからの委嘱によってバレエ『牝鹿（FP 36）』を作曲し、翌1924年にモンテカルロにおいてバレエ・リュスによって初演された。脚本はコクトー、舞台と衣装はマリー・ローランサン、振付・主演はブロニスラヴァ・ニジンスカによるという豪華なものだった。
以来、軽妙洒脱で親しみやすいその作風は大衆に喜んで受け入れられたが、作曲活動だけでなく、バリトン歌手ピエール・ベルナックとによる自作歌曲のピアノ伴奏をはじめとして積極的に演奏活動もし、録音も残されている。

1927年、トゥレーヌ地方トゥール近郊ノワゼ (fr) に Le Grand Coteau を購入し、創作活動の場合ここに籠もり『ナゼルの夜会（FP 84）』などを完成させた。

初のオペラ作品『ティレジアスの乳房（FP 125）』は1948年に初演され、第2作の『カルメル派修道女の対話（FP 159）』（1957年1月ミラノ・スカラ座で世界初演、6月パリ・オペラ座でフランス初演）は、「ドビュッシーの『ペレアスとメリザンド』、ベルクの『ヴォツェック』に続く作品」と絶賛された[3]。

晩年には様々な楽器とピアノのためのソナタに取り組む。1962年には『クラリネットソナタ（FP 184）』、『オーボエソナタ（FP 185）』を作曲したが、1963年1月30日に心臓麻痺のためパリで死去した。

私生活では同性愛者とされ[注 2]、リシャール・シャンレール[5]、レイモン・デトゥッシュ[6]、リュシアン・マリウス・ウジェーヌ・ルベール[7]、ルイ・ゴーティエ[8]が交際相手として知られている。プーランクが好んだのは、中流以下のインテリではない男性であった[6]。

また、フランス滞在時のロシアの作曲家プロコフィエフとは、ピアノやブリッジを通じて親交が篤かった[9]。唯一のピアノの弟子としてカンヌ生まれフランスのピアニスト、ガブリエル・タッキーノを教えた。

音楽観など
1953年に行われたスイス・ロマンド・ラジオ放送のインタビューで、プーランクは自己の来歴や音楽観について語っている。その中で、若い頃に影響を受けた作曲家として、シャブリエ、サティ、ラヴェル、ストラヴィンスキーの4人を、音楽家のベスト5（無人島に持っていきたい音楽）として、モーツァルト、シューベルト、ショパン、ドビュッシー、ストラヴィンスキーを、生理的に受け付けない作曲家としてフォーレ、ルーセルの名を挙げている[10]。

プーランクはインタビューの中で「音楽でモーツァルトに勝るものはない」[11]と言いきっているが、これは幼少時の彼にピアノを手ほどきした母親の影響である。また、ストラヴィンスキーについては『春の祭典』ではなく、『プルチネルラ』、『妖精の接吻』、『カルタ遊び』などの「ヨーロッパ的」な作品に影響を受けたと語っている[12]。

プーランクの音楽体験はピアノから始まっているために作品にはピアノ曲が多いが、10歳の頃にシューベルトの歌曲に熱中したことがあり、このことが数多くの歌曲を生むきっかけとなった[13]。

ピアノ以外の楽器については、弦楽器よりも管楽器の音色を好んだ[14]ため、管弦楽曲では管楽器が重要な役割を演じることが多く、室内楽曲においても管楽器のための作品が多い。なお、プーランクはさまざまな楽器の組み合わせで室内楽曲を作曲しているが、その中に同一の組み合わせのものはない。

プーランクは生粋のパリっ子であり都会人であった。彼が作る曲は軽快、軽妙で趣味がよく[13]、ユーモアとアイロニーと知性があり「エスプリの作曲家」と言われる[14]が、敬虔なカトリック教徒であった両親の影響を受け、宗教曲や合唱曲も手掛けている。自身はこの分野について、「わたし自身の最良の部分、何よりも本来の自分に属するものをそこに注ぎ込んだつもりです。（略）わたしが何か新しいものをもたらしたとするならば、それはまさにこの分野の仕事ではないかと思います」と述べている[15]。

無調音楽が主流となった戦後も単純明快な作風の調性音楽を書き続けたプーランクであったが、一方でピエール・ブーレーズの主催する現代音楽アンサンブル「ドメーヌ・ミュジカル」の演奏会には常連として足繁く通うなど、前衛的な現代音楽にも理解を見せた。

作品の特徴
軽快で旋律に富むという面が、若き日の大家に見られた作風と共通するところから「モーツァルトの再来」と表現する者[誰?]もいた。また、音楽の従来のあり方が多様化し旋律が崩壊した後の時代と比較され「メロディーを持つ20世紀最後の作曲家」と呼ばれたこともあった（その後、従来のような旋律の振る舞いを復活させる新しい動きが20世紀内にも起こったため、その表現は実際に正しくはなくなった）。当時のストラヴィンスキーが好んだ大胆で鮮やかな複調の響きを彼も特に好んで取り込み、旋律同士や和音同士をその手法によって重ねることが多く見られる。

作品
管楽器やピアノのための室内楽曲、宗教曲に優れた作品が多い。

オペラ
『ティレジアスの乳房』
『カルメル派修道女の対話』
『人間の声』

管弦楽曲
バレエ音楽『エッフェル塔の花嫁花婿』（合作）
バレエ音楽『牝鹿』
バレエ音楽『模範的動物たち』
『フランス組曲』（管楽器、打楽器、チェンバロ、ハープ）
『2つの行進曲と間奏曲』（室内管弦楽）
シンフォニエッタ
マルグリット・ロンの名による変奏曲（合作）

協奏曲
クラヴサンと管弦楽のための田園のコンセール（田園協奏曲）
ピアノと18の楽器のための舞踊協奏曲『オーバード』
2台のピアノと管弦楽のための協奏曲 ニ短調
オルガン、弦楽とティンパニのための協奏曲 ト短調
ピアノ協奏曲 嬰ハ短調

室内楽曲
六重奏曲（ピアノ、フルート、オーボエ、クラリネット、ホルン、ファゴット）
ホルン、トランペット、トロンボーンのためのソナタ
ピアノ、オーボエ、ファゴットのための三重奏曲
ヴァイオリンソナタ
チェロソナタ（英語版）
フルートソナタ
オーボエソナタ
2本のクラリネットのためのソナタ
クラリネットソナタ
クラリネットとファゴットのためのソナタ
バガテル（ヴァイオリンとピアノ）
エレジー（悲歌）（ホルンとピアノ）
付随音楽「城館への招待」〜クラリネット、ヴァイオリン、ピアノのための三重奏曲

器楽曲
2台のピアノのためのソナタ
シテールへの船出（2台ピアノ）
主題と変奏 変イ長調
四手のためのピアノソナタ
3つのノヴェレッテ（ピアノ）
ナゼールの夜会（ピアノ）
15の即興曲（ピアノ）
第12番『シューベルトを讃えて』と第15番『エディット・ピアフを讃えて』が有名。

合唱曲
アヴェ・ヴェルム・コルプス Ave verum corpus (1952)
酒の唄 Chanson à boire (1922)
フランスの歌 Chansons Françaises (1945)
エクサルティ・デオ Exultate Deo (1941)
カンタータ『人間の顔』 Figure humaine (1943、P. エリュアール)
グローリア Gloria (1959)
パドヴァの聖アントニオの讃歌 Laudes de Saint Antione de Padoue (1959)
ロカマドゥールの黒い聖母への連檮 Litanies à la Vierge Noire (Notre-Dame de Rocamadour) (1936)
ミサ曲 ト長調 Messe en Sol Majeur (1937)
小さな声 Petites Voix (1936)
クリスマスのための4つのモテット Quatre motets pour le temps de noël (1952)
悔悛のための4つのモテット Quatre motets pour un temps de pénitence (1938/39)
『悔悟節のための』や『悔悟の時のための』と訳される場合もある。
アッシジの聖フランチェスコの4つの小さな祈り Quatre petites prières de Saint François d'Assise (1948)
サルヴェ・レジーナ Salve Regina (1941)
7つの歌 Sept Chansons (1936)
テネブレの7つの応唱 Sept Repons des Téneèbres (1961)
カンタータ『枯渇』 Sécheresses (1937、E. ジェイムス)
スターバト・マーテル Stabat Mater (1950)
小カンタータ『ある雪の夕暮れ』 Un soir de neige (1944、P. エリュアール)

歌曲（多数）

朗読とピアノ
小象ババールの物語
日本語にも翻訳されているジャン・ド・ブリュノフの絵本による音楽物語。

著書
『プーランクは語る――音楽家と詩人たち』 ステファヌ・オーデル編、千葉文夫訳、筑摩書房、1994年。ISBN 4-480-87244-2
Journal de mes Mélodies. Paris: Cicero, 1993.
Correspondance 1910-1963. éd. Myriam Chimènes, Paris: Fayard, 1994.

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%95%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%82%B7%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%83%97%E3%83%BC%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%82%AF

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/779.html

[近代史6] フランシス・プーランク オーボエとピアノのためのソナタ FP185

プーランク オーボエとピアノのためのソナタ FP185
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/924.html
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/780.html

[近代史6] アルテュール・オネゲル（Arthur Honegger,1892 - 1955）
アルテュール・オネゲル（Arthur Honegger,1892 - 1955）

フランス六人組の一人といってもスイス人であり、交響曲などかなり深刻で構築性がある。室内楽や協奏曲はそれぞれ雰囲気が違う。

管弦楽曲

交響詩『夏の牧歌』（1920年）
3点
よくありがちな典型的な交響詩。いい曲ではあるがあまりにノーマル過ぎてちょっと。。。

交響的黙劇『勝利のオラース』（1920年）
3.5点
オネゲルらしい、音の響きが渋くて象のようなゆったりとした歩みの中に壮大さと歌心をこめてドラマを作るという特徴がよく出ている作品。劇的であり、ローマ建国という歴史物に必要な古代感と威厳もよく出ていて、人間くささや物語性と背景描写を兼ねることができている。作風と作品のマッチングがうまくいった成功作だと感じる。

『テンペスト』のための前奏曲（1923年）

交響的断章（運動）第1番『パシフィック231』（1923年）
4.0点
蒸気機関車が徐々に動き出していく最初の場面は描写的で楽器の使い方がとても面白い。その後高速で走っている場面の力感の作り方もとても面白く、停車して曲が終わってしまうとがっかりする。本当に面白い曲。

交響的断章（運動）第2番『ラグビー』（1928年）
3.8点
ラグビーにしては玉がビュンビュンと飛び交うスピード感ある曲で、ハリーポッターのクィディッチのようである。この圧倒的な躍動感に身を委ねるのはかなり快感である。

交響的断章（運動）第3番（1933年）
2.8点
まさに断章(運動)という感じであり、音楽としてつまらなくはないが、まとまった作品としての出来の良さのようなものを感じない。

交響曲第1番（1930年）
3.3点
ラヴェルのように響きが軽やかで色彩的。ストラヴィンスキーのようにリズムが生き生きとしている。交響曲らしい重さは他の交響曲と比較すると少ないが、多少は感じられるし、最後の感動的なコーダで満足して聴き終えられる。

交響曲第2番（1941年）
4.0点
大戦中に書かれた、沈鬱な表情に支配された曲。人類の犯した間違いと悲劇に対する悲しみと絶望に満たされた音楽はかなりの重量感。フランス音楽では珍しい。戦闘の後の最後はトランペットの明るい未来を確信するような響きに感動。

交響曲第3番『典礼風』（1946年）
4.0点
深刻で、フランス版ショスタコーヴィチの交響曲という感じがある。しかしオネゲル風のサウンドも楽しめるし、ロシアのしつこさや野蛮さとは違い洗練されているところがある。がっちりとした重厚さがあって聞き応えを感じる。

交響曲第4番『バーゼルの喜び』（1946年）
3.8点
新古典派的な曲と呼ばれるだけあって割と明快で分かりやすい部分が多いが、とはいえ随所にオネゲルらしい独特のサウンドを楽しめる。深刻な箇所は少ないが薄っぺらいという事はなく、交響曲らしい一般性は十分。ただ、最後のあっけない軽い終わり方には驚く。

交響曲第5番『三つのレ』（1950年）
2.5点
暗くてはっきりしないモヤモヤが続く時間が長くて、あまり楽しめない。

協奏曲

ピアノ小協奏曲（1924年）
3.0点
とても軽いふわっとした雰囲気で同じフレーズを繰り返す場面で始まり、後半はかなり完全にジャズになって終わる。精神的な重さがほとんどない、イージーリスニングに近くて、エスプリの効いた筆致のオシャレな音楽。

チェロ協奏曲（1929年）
3.3点
映画音楽のような場面が続く。映画音楽としては、なかなかの雰囲気でいい曲ではないか。と思っているとカデンツァが入ってクラシックの協奏曲というのを思い出す。田舎のような素朴さの中に、チェロの包容力と郷愁を誘うような魅力をうまく活用している。

室内協奏曲（フルート、コーラングレと弦楽合奏のための）（1948年）
3.5点
コーラングレとフルートの夢見るような詩情や郷愁が印象的。２本の管楽器が絶妙に絡み合い、音楽的な複雑さと表情豊さを見せている。オネゲルのふわふわした感じや、渋いおしゃれ感覚と管弦楽曲で見せる音の説得力と楽器構成がマッチしている。

室内楽・器楽曲

ヴァイオリン・ソナタ第1番 嬰ハ短調（1918年）
3.5点
1楽章は、印象派的ともいえる静寂さに包まれた深々とした音楽。夢幻的だったり流麗さもありかなり素敵。中華的な音の雰囲気も時々感じられて面白い。2楽章はジェットコースターのようにめまぐるしい高速な両端部分と、中間部の夢幻的な美しいメロディーの対比が素敵。3楽章は沈鬱な序奏は良いが、その後の激しく情熱的な部分があまり面白くない。最後にまた沈鬱な音楽に戻る。

ヴァイオリン・ソナタ第2番 ロ長調（1919年）
2.5点
旋法や音階に頼って雰囲気を作っている印象である。１楽章と２楽章は根暗な陰鬱さがわざとらしく聞こえてしまう。３楽章で気分的に解決されるので全体に一応作品として納得はする。

ヴィオラ・ソナタ（1920年）
2.0点
４度を多用し、印象派の室内楽に似ている事が印象に残る程度で、音楽的に空疎で内容が無い。ヴィオラの良さも全然活かされていない。

チェロ・ソナタ ニ短調（1920年）
2.5点
ふわふわとした浮遊感のある楽想。チェロもはっきりしない中を低音をとりとめもなく演奏するような趣である。渋さを楽しめる。

ヴァイオリンとチェロのためのソナチネ（1932年）
2.8点
オネゲルの室内楽は、精神的に孤独であり独白のような趣である。静謐でどこかグロテスク。その雰囲気はこの構成だとうまくマッチしている。音は豊かで２台とは思えないほど。

クラリネットとピアノのためのソナチネ（1922年）
3.0点
オネゲルらしい繊細なお洒落さとグロテスクさが混ざった音感を頼りに書かれたようなソナチネ。3楽章全部で6分とコンパクトで聴きやすい。ソナチネといっても気の利いた小品に近いイメージであり、すごい曲という感じではないが、オネゲルに対する期待値を裏切らないレベルにはある。

無伴奏ヴァイオリン・ソナタ（1940年）
2.8点
バッハの影響を強く感じる。バッハ同様に音の一つ一つの価値が高く、真摯さと気高い精神性を感じさせる。最後の楽章のプレストでの締めくり方など、影響が強いどころか、バッハの作品を近代の語法でそのまま再現してみせたと言ってもいいかもしれない。従って、音楽的にはそれなりに優れているが、独創性などの観点で物足りなく感じる。

弦楽四重奏曲第1番 ハ短調 (1916-17)
3.8点
かなり本格派の作品。いきなり激しく始まる１楽章。12分の長さで切々と歌う２楽章はなかなか感動的であるとともに、感動一辺倒ではなくオネゲルらしい音の捻りが効果的で聴き映えもする。深刻であり人生と世界の深遠を垣間見せる３楽章は素晴らしく、特に遥か遠くを見つめながら平和を祈念するような最後の終わり方には感動する。ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲と同程度に広く聞かれるべき作品。

弦楽四重奏曲第2番 ニ長調 (1934-36)
3.5点
１楽章はやや地味である。しかし２楽章は非常に強烈な印象を残す圧倒的な曲。中間に向けて迫力を増して最高潮に達してからまた落ち着く形だが、世界を底の方でえぐり取るような痛烈さにびっくりする。３楽章は前半は不協和音が鋭いが、後半は鎮静化する。全体に恐ろしい音楽だが、端正なスマートさも忘れない所があり、それがまた良い。

弦楽四重奏曲第3番 ホ長調 (1936-37)
3.3点
全体にかなり晦渋な曲。１番と２番のような明快なドラマ性が少ない。１楽章と３楽章の強烈な不協和音には驚く。苦々しいフレーズを積み重ねる曲であり、音のインパクトや聴き応えは十分にあるが、聴後に残る印象は１番２番より落ちる。

ピアノ曲

３つの小品 H23
3.0点
ピアノ独奏の小品
１曲目　少し即物的で、悲劇的な気分
２曲目　ドビュッシーのような曲
３曲目　この曲もテンポが早いドビュッシーの曲に似ているが、曖昧模糊な雰囲気が少なくて聴きやすい。

舞台作品・合唱作品

交響的詩篇『ダヴィデ王』（1921年第1版、1923年第2版）

劇的オラトリオ『火刑台上のジャンヌ・ダルク』（1935年）
4.0点
歌詞やストーリーが分からなくても、音楽だけでものすごく面白い！舞台が目に浮かぶような効果的なフレーズが目白押し。

クリスマス・カンタータ（1953年）
4.0点
作曲者最後の作品。作曲者の技術の粋を尽くして書き上げた天才的にして感動的な作品。ひとつの世界の創造の域に達している。

歌劇 ユーディット(Judith)
3.0点
この人はジャンルにより音楽の雰囲気がかなり異なる。舞台系作品は独特の説得力がありかなりよい。この曲もしかり。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%82%AA%E3%83%8D%E3%82%B2%E3%83%AB

アルテュール・オネゲル（フランス語: Arthur Honegger、1892年3月10日 - 1955年11月27日）は、スイスとフランスの二重国籍を持ち[1]、主にフランスで活躍した作曲家である。フランス6人組のメンバーの一人。

生涯
1892年の3月12日にスイス人の両親の元、ルアーブルに生まれる。本来「オスカル＝アルテュール・オネゲル（Oscar-Arthur Honegger）」という名前であったが、「オスカル」の部分は使われることはなかった。父アルテュール・オネゲル＝ユルリックはコーヒーの輸入商社の支配人を務めていた人物で、母と同じく音楽の愛好家でもあった。音楽好きでピアノも得意だった母ジュリー・ユルリックから音楽の手ほどきを受け、最初ヴァイオリンを習うが、作曲の試みがこの最初の頃から行われていたとオネゲル自身が語っている[2]。また1904年頃には詩や小説の創作を試みたりしている。

1905年、教会のオルガニストを経て、ソートゥルィユに和声法と対位法の音楽理論の手ほどきを受けた。チューリッヒ・トーンハレ管弦楽団の創設者でチューリッヒ音楽院の院長でもあったフリードリヒ・ヘーガー（1841年 - 1927年）に勧められ作曲家を志す。1910年に故郷のルアーブルで最初の作品である『ピアノのための3つの小品』が出版される。1911年パリ音楽院に入学。ダリウス・ミヨーは同窓生で、以後生涯にわたって特別の親友となる。

第一次世界大戦の際はスイス軍に従軍し、一時国境警備などにも就くが、まもなくパリに戻り、以降生涯のほとんどをパリで暮らした。

1913年に生涯の伴侶となる妻アンドレ・ヴォラブールと出会い、数年後に結婚した。

フランス近代の作曲家と考えられるようになったのはこうした経歴と、コクトーのグループに属し、フランス6人組という形で世に出たことも影響している。しかし自身はプロテスタントで、チューリッヒに籍を持ち続け、ドイツ語圏のワーグナーなどに強い共感を持っていた。この点で反ワーグナーを標榜していた6人組の他のメンバーとは一定の距離を持っていた。

1921年に発表した『ダヴィデ王』によって、6人組ではなく独立した作曲家として高い評価を受け、1925年にパリでクーセヴィツキーによって初演された交響的断章（運動）第1番『パシフィック231』が大評判となり、一躍時代の寵児となった。

1934年から1935年にかけて、イダ・ルビンシュタインを想定し、ポール・クローデルの協力で生み出された劇的オラトリオ『火刑台上のジャンヌ・ダルク』が作曲・完成され、初演は熱狂的な大成功を収める。

1945年以降はあらゆる領域で新たな地平を発見する目的で、ドイツ、ベルギー、イギリス、オランダ、ポーランド、チェコスロヴァキア、イタリア、スペイン、ギリシャなどヨーロッパの主要な国へ旅行する。

1947年夏にアメリカへ自作の指揮と講演を行うために来訪していたが、ニューヨークで狭心症（心疾患）を患って倒れ、少しずつではあったが4ヶ月後に回復した。回復後もこの疾患はオネゲルの身体に大きな打撃を与え、帰国後はドイツやスイスに転地して療養し、治療の一環として食事療法を行った。この過酷な時期に作曲した最後の作品は『クリスマス・カンタータ』である。

1955年11月27日、パリのモンマルトルの自宅で医師の来診を待っていたオネゲルは、ベッドから起き上がろうとした途端、妻の腕の中で意識を失い、そのまま帰らぬ人となり、63年の生涯を閉じた。死因は血栓症であった。

遺体はモンマルトルの古い教会の近くにあるサン・ピエール小墓地に埋葬された。

作風・その他
『ダヴィデ王』の他にも『火刑台上のジャンヌ・ダルク』など、聖書や歴史上の人物を主題とした劇場作品や声楽入り作品を数多く残した他、全5曲の交響曲、室内楽から映画音楽まで、幅広く作品を残している。映画音楽でも1927年の長編無声映画『ナポレオン（英語版）』の音楽や『うたかたの恋』『魔の山』など50以上の映画に音楽を作曲しており、無声映画時代からトーキーまで長いキャリアを誇る。

著書に『わたしは作曲家である』がある。その中でオネゲルは、作曲家という仕事の報われなさや音楽の将来への悲観的意見を、西欧文明の未来への悲観と重ね合わせて語っている。

なおスイスでは、オネゲルは一般にスイス人として認知されている。母語はフランス語とスイス・ドイツ語（正確にはチューリッヒ・ドイツ語）であった。またその肖像は、1996年10月から発行されている、現行の第8次のスイス・フラン紙幣の20フラン紙幣に描かれている。

自作録音
1929年から1947年にかけてデッカ・レコードを含む複数のレーベルに自作の10作品をSP録音を行っている。『パシフィック231』や『ラグビー』、交響曲第3番『典礼風』を指揮して残している（ただし、オーケストラは「交響楽団」としか明記されていない）。また歌曲集も録音しており、オネゲルはピアノの伴奏を担当している。

エピソード

オネゲルがワーグナーの音楽に対して非常に心酔していた事実は周知の通りである。ある友人はワーグナーの『トリスタンとイゾルデ』が嫌いであるとはっきり言ったが、それに対してオネゲルは「それでは、あなたは恋愛をした経験がないのか」と言い返したという。

まだ母親から音楽の手ほどきを受けていた頃は、音楽を習うよりもむしろ港に行って船を眺めることが好きであったという。

若い頃はタバコのパイプを集めることが趣味であった。

1946年に作曲した映画音楽『幽霊』(H.188)には、オネゲル自身も出演している。

後年は若手作曲家のための国際マスタークラスを開講し、アラン・ペッタション、カレル・フサ、シメオン・テン・ホルトなど多くの人材を輩出したものの、「この男には才能などない」と一言で切って捨てられたのが若き日のヤニス・クセナキスであった。

主要作品

オペラ
フィリッパ（1903年）
聖女アルメンヌの死（1918年）
ユーディット（1925年 - 1926年）
アンティゴーヌ（英語版）（1924年 - 1927年）
鷲の子（1953年）

バレエ
真実と虚偽（1920年）
金属のばら（1928年） 一部分のみ現存、残りは消失
山の呼び声（1943年 - 1945年）

管弦楽曲
ニガモンの歌（1917年）
交響詩『夏の牧歌』（1920年）
交響的黙劇『勝利のオラース』（1920年）
喜びの歌（1923年）
『テンペスト』のための前奏曲（1923年）
交響的断章（運動）第1番『パシフィック231』（1923年）
交響的断章（運動）第2番『ラグビー』（1928年）
交響的断章（運動）第3番（1933年）
交響曲第1番（1930年）
交響曲第2番（1941年）
交響曲第3番『典礼風』（1946年）
交響曲第4番『バーゼルの喜び』（1946年）
交響曲第5番『三つのレ』（1950年）

協奏曲
ピアノ小協奏曲（1924年）
チェロ協奏曲（1929年）
室内協奏曲（フルート、コーラングレと弦楽合奏のための）（1948年）

室内楽・器楽曲
ヴァイオリンソナタ第1番 嬰ハ短調（1918年）
ヴァイオリンソナタ第2番 ロ長調（1919年）
ヴィオラソナタ（1920年）
チェロソナタ ニ短調（1920年）
ヴァイオリンとチェロのためのソナチネ（1932年）
クラリネットとピアノのためのソナチネ（1922年）
無伴奏ヴァイオリンソナタ（1940年）
牝山羊の踊り（無伴奏フルートのための）（1919年）
ロマンドの音楽帳（1923年）
呪文（オンド・マルトノのための）（1946年）

その他舞台作品・合唱作品
交響的詩篇『ダヴィデ王』（1921年第1版、1923年第2版）
劇的オラトリオ『火刑台上のジャンヌ・ダルク』（1935年）
死の踊り（独唱・合唱・管弦楽のための）（1938年）
クリスマス・カンタータ（1953年）

映画音楽
ナポレオン（フランス語版）（1927年）
レ・ミゼラブル（1933年）
うたかたの恋（1936年）
ピグマリオン（1938年）

著作（日本語訳）
『わたしは作曲家である』（吉田秀和訳 創元社 1953年 → 音楽之友社 1970年）
『音楽論』（塚谷晃弘訳 昭森社 1961年）
『化石への呪文』（塚谷晃弘訳 カワイ楽譜 1971年）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%AB%E3%83%86%E3%83%A5%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%82%AA%E3%83%8D%E3%82%B2%E3%83%AB
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/781.html

[近代史6] アルテュール・オネゲル クリスマス・カンタータ
アルテュール・オネゲル クリスマス・カンタータ

Arthur Honegger: A Christmas Cantata (Une cantate de Noël)

1996/12 NHK Symphony Orchestra
Charles Dutoit

▲△▽▼

クリスマス・カンタータ（Une Cantate de Noël）は、スイスの作曲家アルテュール・オネゲルの最後の作品である。

作曲の経緯
元々この曲は、1945年頃に着想した受難劇であったようだが、受難劇という形では完成されなかった。そして、既に心疾患を患っていたオネゲルは自らの死を目前にした1953年、この作品を予定の期日を大幅に遅れて完成させ、1955年に永眠した。

初演
1953年12月18日、パウル・ザッハー指揮、バーゼル室内管弦楽団、デリック・オルセン（バリトン）、バーゼル室内合唱団によりバーゼルにて初演された。

編成
バリトン独唱、児童合唱（ただしユニゾン）、混声合唱、フルート2（うちピッコロ持ち替え1）オーボエ2、クラリネット2、ファゴット2、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、ハープ、弦楽五部、オルガン。なお、独唱・合唱・管弦楽・オルガンを全て含めての完全な全合奏で響く部分は一度も無い。管弦楽のみの全合奏は、終結部にわずかにみられる。

作品の概要
テキストは、スイス人のオネゲルらしくフランス語・ドイツ語・ラテン語が用いられている。

全体は大きく3つに分かれ、「暗黒の時代」「キリスト生誕」「賛歌」のように考えられる。しかし、これは時代背景に置き換えると「戦乱」「平和」「人間賛歌」のように考えられないことも無い。

冒頭、オルガンがどっしりと不協和音を響かせる。チェロが断片的に動き、合唱におどろおどろしいヴォカリーズが現れる。この部分は変ホ短調と考えられる。木管楽器が絡み合う中、男声が厳かに「デ・プロフンディス（深き淵より）」を歌い、女声に受け渡される。しかし再びヴォカリーズとなり、やや速度を速めてファンファーレを伴って盛り上がる。頂点で速度を落とし「おお、来たれよ!」と悲痛に叫ぶと、児童合唱が変イ長調の穏やかで童謡風の旋律を歌う。この応答が繰り返されるとバリトン・ソロとなり、やがて児童合唱に賛美歌『エッサイの根より』が現れ、合唱が『神の子は生まれ給えり』と応じる明るい部分となる。この部分はホ長調である。この応答もしばらく続き、変イ長調のやや舞曲風の部分となる。速度を落とし、ロ長調に転じて4分の6拍子と8分の18拍子が同時に響く複雑を極める部分となり、賛美歌『きよしこの夜』が響いてくる。この部分はドイツ語とフランス語が交錯する。バリトン独唱に続いて、児童合唱の中の1人が「天使の声」を演じる。バリトンが『グローリア』を歌い、速度を速めてハ長調で合唱が「主をほめたたえよ！」と高らかに歌う。この部分ではバッハがカンタータ140番『目覚めよ、と呼ぶ声あり』に使用したフィリップ・ニコライ（Philipp Nicolai ）のコラールが対旋律として用いられている。合唱が歌い収めるとオルガンとトランペットが壮大に響き渡り、徐々に静まってゆく。そして、今まで出てきた旋律の断片を回想しつつ、オルガンが冒頭の和音を逆に辿り静かに消えてゆく。

主な録音

録音年 指揮 オーケストラ＆主な合唱団 バリトン オルガン 発売レーベル
1954 ジョルジュ・ツィピーヌ パリ音楽院管弦楽団＆エリザベート・ブラッスール合唱団 ピエール・モレ モーリス・デュリュフレ EMI
1954 パウル・ザッハー ラムルー管弦楽団＆エリザベート・ブラッスール合唱団 ミシェル・ルー モーリス・デュリュフレ フィリップス
1961 エルネスト・アンセルメ スイス・ロマンド管弦楽団＆ローザンヌ放送合唱団 ピエール・モレ （表記なし） デッカ
1966 セルジュ・ボド プラハ交響楽団＆チェコ合唱団 インドジフ・インドラーク ヤロスラフ・トヴルスキー スプラフォン
1971 ジャン・マルティノン フランス国立放送管弦楽団＆合唱団 カミーユ・モラーヌ アンリエット・ピュイグ＝ロジェ EMI
1982 リボール・ペシェク チェコ・フィルハーモニー管弦楽団＆合唱団 ヴァーツラフ・ジーテク ヤロスラフ・トヴルスキー スプラフォン
1987 マーティン・ニアリー イギリス室内管弦楽団＆ウィンチェスター大聖堂聖歌隊 ドナルド・スウィーニー ティモシー・バイラム＝ウィグフィールド EMI
1989 ミシェル・コルボ グルベンキアン管弦楽団＆合唱団 ジル・カシュマイユ ニコラス・マクネア エラート
2007 ティエリー・フィッシャー BBCウェールズ・ナショナル管弦楽団＆合唱団 ジェームズ・ラザフォード ロバート・コート ハイペリオン
2009 ウラディーミル・ユロフスキ ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団＆合唱団 クリストファー・モルトマン （表記なし） LPO

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%AF%E3%83%AA%E3%82%B9%E3%83%9E%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%82%AB%E3%83%B3%E3%82%BF%E3%83%BC%E3%82%BF

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/782.html

[近代史6] ダリウス・ミヨー（Darius Milhaud, 1892 - 1974)
ダリウス・ミヨー（Darius Milhaud, 1892 - 1974)

時代に即したフランスらしい機知を感じさせつつ、留学して吸収したブラジル的情熱も持っているところが個性となっている。悪くない曲を量産しているが分かりやすい代表作が無い。何から聴いたらいいのか分かりにくい。ほとんどの作品はバランスと総合性を兼ねた魅力作というレベルに達しておらず微妙な出来である。その点でやはり一流感が足りない。

管弦楽曲

Le Carnaval de Londres, op. 172 (1937)
ロンドンの謝肉祭：「乞食オペラ」の旋律による組曲
3.5点
平明で明るくて叙情的。ロンドンといっても、もっと田舎街の穏やかな盛り上がりを連想させる。陽光の眩しさが目に痛いほどの風景。祭りの楽しさに心がウキウキする。メロディーが分かりやすくて無駄な捻りがなく、素直に愉しい気分で聴ける。また聴きたくなる。演奏や録音がよいからかも。

バレエ音楽

屋根の上の牡牛　Op.58
3.3点
愉しい音楽だが、まだ初期で成長途上である感が強い。バレー音楽でのミヨーの美点との相性の良さ発既に強く感じられる。彼の南欧的な明るさやリズム感の良さやブラジル風や複調の活用や含む多くの要素が作品として結実してスタイルを確立している点で、重要な作品であるのが分かる。多彩で豊富な楽想のてんこ盛り感がよい。代表作と呼ぶに相応しい作品である。しかし、創作の頂点はまだこれからという感じである。

世界の創造
3.5点
黒人の音楽らしさは、ガーシュインやラヴェルほど分かりやすくないし、徹底的でもない。音の動きにエッセンスのようなものが時々登場する感じだ。とはいえ、このジャズをいち早く取り入れて世界の創造を表現する音楽を作るという創造性は高く評価したい。楽器編成が小さくて、室内楽的な楽しみもあり、各楽器が個別に躍動するのがまた良い。単純ではないが適度に聴きやすく分かりやすい。

青列車
3.0点
なんだろう。平明すぎてありきたりな場面が多すぎる。フットワークの軽さがない気もする。一流作曲家ならではの領域には届いていない気がする。とはいえ、バレー音楽におけるミヨーのスタイルは確立していて十分に楽しめるものではあるが、これなら他の作曲家でも書けそうな気がする。そこが物足りない。

吹奏楽
フランス組曲
3.3点
平明で聞きやすいとは思うが、ちょっと平明すぎて複雑さとか聞き応えのようなものが足りない。変化はあって楽しめる曲でありおそらく生演奏で聴くと感動できそうに思うが、音源で聴くとそれほど感動しない。とはいえ凡作ではなく、所々に聴きどころが用意されている。

交響曲

交響曲第1番 　Op.210 （1939/1940年初演）
3.3点
優美で田舎的な中にオサレが混じったような感じ。短いし、堅苦しくなくて分かりやすく聴きやすい。交響曲らしい力の入った感じというよりリラックスした曲と思ったが、楽章の構成や内容は割とすんなり交響曲として受け入れられた。わりと重厚で鋭角的なところと、舞台音楽的な派手さを併せ持つオリジナリティがある。後半が良い。田園的で舞台音楽のような活気と描写的な雰囲気のある１楽章。スケルツォに相当する映画音楽のようでヘンテコ要素がいい感じに入っていて面白い２楽章。３楽章の緩叙楽章も２楽章もオーケストラの使い方がよく、メロディーも楽しめてなかなか良い。４楽章は冒頭で派手にやったあと、バレエか映画音楽のような曲。通俗的だが、耳を楽しませる意味ではなかなか良い。

交響曲第2番 　Op.247 （1944/1946年初演）
2.5点
全然交響曲に聞こえない。組曲くらいにしておくべきでは。一般性や構築性がないし、楽章間の関連も感じられない。そして曲として何がしたいのか、という意思が自分には分からなかった。漫然と音が鳴っているように聴こえる。

交響曲第3番「テ・デウム」　Op.271 （1946/1947年初演）（合唱付き）
3.3点
鋭角的で壮大で重厚で神秘的。時間の流れもゆったりしている。ブルックナーのテ・デウムを強く連想した。歌曲の部分は特に非常に神秘的で驚く。近代的な管弦楽の響きであり、かなりイギリス音楽ふうなのだが、どこかフランス的な要素も入っている。いつもの楽天的な南欧風はない。

交響曲第4番 Op.281 （1947/1948年初演）
2.5点
映画音楽なみ、もしくはそれ以上に安易なドンチャン騒ぎで盛り上がる場面が異常に多い。ハイドンなら祝典交響曲と呼ぶべき内容かもしれない。小太鼓は軍隊的な印象を与える。しかし、ちょっとかなり内容が浅いし、響きが少し面白い複雑さを見せている以外は全然ダメだと思う。

交響曲第5番　Op.322 （1953/1955年初演）
3.0点
じわじわと雰囲気を変えていく詠唱の積み重ねが最初は延々と続く。ショスタコーヴィチなら歴史と人民の悲劇を表現する音楽になるところだが、ミヨーにとってこれが何を意味しているのかは耳だけでは判断できない。2楽章のテンポを速めたバッハの影響を感じる骨太さと四角くて対位法的な音の線の構成もまさにショスタコーヴィチそのもの。3楽章の低音の動きを使った躍動感と耳に刺さる高音も。全体に序破急形式のパロディーに近い曲だが、どちらかというと真似して真剣に書いているように聴こえる。驚いた。

交響曲第6番　Op.343 （1953/1955年初演）
2.8点
まるで北欧の音楽かと思うような、伸ばした音のなかに冷たさと明るさの柔らかさが混じった音楽が続く。大自然のような大きな世界である。そのなかにもミヨーらしい響きは入っているが、陽光の強さを感じない。面白いと最初は感心するが延々といつまでも続いて飽きてしまう。最後はその流れを受け継いだ妙な盛り上がりをみせるが、よく分からない音楽である。

交響曲第7番　Op.344 （1955/1956年初演）
2.5点
ミヨーの弦楽四重奏などに通じる独特の音使いで交響曲を仕立て上げた、という点では典型的に思える。ただ、やはり本人の音のフェチが主な素材になっており、これは万人向けでないどころか、強く好むのはかなり少ないようには思われる。刺激を受ける部分はあるものの、やはりオススメするには辛くて一回聴けばよい類の曲に思える。これはすべての楽章に言える。

交響曲第8番「ローヌ河」　Op.362 （1957）
2.5点
うーん、二流作曲家のマイナー交響曲のオーラしか感じない。巨匠的なものがなく、響きを少し捻っただけの面白くない曲と思う。ミヨーが南欧風の活力を失って北欧風の普通の交響曲を書いた感じで、気力が足りない。ただ、雰囲気に浸るとどこか心地よく感じられる場面はあって、途中で聴くのをやめたくはならなかった。後半は活動的で彼の得意分野になっている。楽章の対比が鋭くて昔ながらの交響曲の体をなしているのも良い。

交響曲第9番　Op.380 （1959/1960年初演）
2.8点
ミヨーらしい活力のある音楽で、変な音の使い方ながらも楽しめる。特に最後の楽章はバレエ音楽的でなかなかよい。しかし、マイナー交響曲らしいニッチなイマイチ感もぷんぷんと匂いを放っている。

交響曲第10番　Op.382 （1960/1961年初演）
3.0点
ミヨーらしい変な音使いは相変わらずなのだが、この曲では肥大化したロマン派末期や近代の管弦楽の機能を活かした音楽の世界になっており、なかなか派手で耳を楽しませるものがある。だから、親しみを感じるとともに、場面の転換の大胆で曲の雰囲気にバリエーションが豊かで多くを詰め込まれていることを愉しんで聴ける。ちょっと良いかもしれない。

交響曲第11番「ロマンティック」　Op.384 （1960）
3.0点
1楽章はいつもの感じ。2楽章の夜明け前の自然の森のような神秘性と美しさをもつロマンティックな音楽がなかなか気に入った。3楽章の舞台音楽的で不思議世界のお話のような音楽も面白い。

交響曲第12番「田舎風」　Op.390 （1961/1962年初演）
2.8点
最後の交響曲という先入観もあるが、気力がないように聴こえてしまう。なんだか躍動感と押しの強さがなく、ふわっとした音像の場面ばかりである。ミヨーらしい語法の扱いはなかなか楽しめる込み入ったものになっている。しかし、やはり気力不足で物足りない気分になる。

協奏曲

スカラムーシュ
3.8点
通俗的な名曲。1曲目は華やかで諧謔的でチャーミングで愉しい主要メロディー。2曲目はフランス的な美観を遺憾なく発揮した美しい詩情のある曲。3曲目は南国風の楽園的な雰囲気がとても愉しい。全体に、サックスの能力を発揮できているのかよく分からないが、とにかく愉しい。しかし、2台ピアノ版の方がもっと愉しいと思う。

エクスの謝肉祭
3.0点
カーニバル的な雑多な要素が集積して登場しては消えていく。ウキウキするような祭りの楽しさがある。南欧らしい明るい楽しさがここにもある。しかし、ピアノ協奏曲形式は本来なら華やかであるのだが、この曲の場合はオーケストラの多彩さとぶつかっていて、打ち消しあっているような気がする。だから、なぜか不思議と自分の心には刺さらなかった。演奏や録音のせいかもしれないが。

ピアノ協奏曲第1番　Op.127

ピアノ協奏曲第2番　Op.225
3.3点
コンパクトな中に明るい活気と叙情が詰め込まれてなかなかに魅力的。特に2楽章はラヴェルのような繊細な叙情がかなり心を強く捉えるものがある。心がキュンとなる。しかし、陳腐さは全くなく、かといって捻り過ぎでもない。最終楽章のお祭りも素敵だ。

ピアノ協奏曲第3番　Op.270
2.8点
2番より長いうえに曲の特徴が不明瞭であまり魅力を感じられないまま終わった。どの楽章も発想が鈍いと思う。

ピアノ協奏曲第4番　Op.295

ピアノ協奏曲第5番　Op.346
3.0点
2番に近い発想であるが、あれほど単純明快ではない。豪華な曲想の転換を愉しむことができる。2楽章も美しさとひねった展開の両方を楽しめて、旋律としては名作とは言えないが楽しめる度合いとしては悪くない。3楽章はまた祭の楽しさで、バレエ音楽にかなり近い。協奏曲の娯楽性を楽しめる。

室内楽曲

弦楽四重奏曲

弦楽四重奏曲第1番　Op.5（1912）
2.8点
明るい陽光の下のような世界であり気持ちいい。カルテット書きとしてのセンスは感じるが、書法はシンプルであり、声部を生かし切っている感じではない。そして全般に悪くはないのだが、いろいろな部分が少しずつ名作レベルに届いていないという微妙で中途半端な感じがもどかしい。

弦楽四重奏曲第2番　Op.16（1914〜15）
2.3点
四つの楽器の絡ませ方は割と上手いし、複調？のような響きは面白い。しかし、曲に締まりがなく、結局響きの面白さに頼ってウダウダやっているだけともいえる。ヴィラ＝ロボスの弦楽四重奏曲の劣化版の印象。

弦楽四重奏曲第3番　Op.32（1916）
3.0点
遅いテンポで慟哭をあわすような楽想でありながら、それほど暗くなく独特の音響が作り出す不思議な浮遊感もあり、なかなか面白い曲。しかしながら１０分を過ぎるとだんだん飽きてくる。１４分でようやく終わる。その後に女声独唱付きの曲が始まるが、テンポも雰囲気もかなり似ていて、同じ曲が続いているかのようである。神秘的で不思議な雰囲気は悪くない。最後まで遅いテンポのまま消えるように終わる。

弦楽四重奏曲第4番　Op.46（1918）
2.5点
３番と同様にヴィラ＝ロボスを連想する曲。１１分の短い曲なのにどことなく冗長なのは力量不足かも。断片を繋げた曲という印象である。優れている箇所もある。艶めかしくて内面にブラジル的な情熱を内包している点はよい。明るさが足りなくて中途半端な浮遊感が続くが、最後の楽章は活発に楽しく締める。

弦楽四重奏曲第5番　Op.64（1920〜21）
2.8点
１楽章の執拗な対位法的な音の重層的積み重ねで現代音楽的な効果を上げる手法はなかなかのアイデア。少ししつこいが。２楽章も各声部が複調で自在に動くので１楽章との連続性がある。３楽章は緩徐楽章だが、音楽の作りは前を踏襲している。中間は悪くないショスタコーヴイチのような悲劇性も表現されていてなかなかである。４楽章も同趣向で悪くはないが飽きる。

弦楽四重奏曲第6番　Op.77（1922）
2.3点
９分の短い曲。前半２つの楽章は元気の無い微妙な音楽が続く。３楽章は活発で気分転換出来るが内容は微妙。凡作の印象。

弦楽四重奏曲第7番　Op.87（1925）
2.3点
１１分。どの楽章もビミョーであり凡作の印象は拭えないが、微かに艶めかしさや開放感などの気分が感じられて、多少は楽しめる。

弦楽四重奏曲第8番　Op.121（1932）
1.5点
１楽章は意味不明に近い駄作。２楽章も思わせぶりなだけで内容がない駄作。３楽章もミヨーの弦楽四重奏の常道で早いテンポで活発に音が飛び回るような曲だが、この曲に関してはめちゃくちゃである。

弦楽四重奏曲第9番　Op.140（1935）
2.5点
変な音の使い方が、ちょっと面白くて「いいかも？！」と思った瞬間に登場し、それがたいして効果的でなく、でも全くダメでもない中途半端さ。文字通り変な音であるという効果だけの場合も多い。そしてまた新しい場面に突入して、魅力をみせて期待を高めては変な音になるを繰り返して聞き手を翻弄するという、典型的なミヨーの弦楽四重奏曲。駄曲の分類するべきかもしれないが、面白いので嫌いではない。

弦楽四重奏曲第10番　Op.218（1940）
2.3点
２楽章のピチカートの多用は新鮮。３楽章のジャカジャカジヤーンの不協和音と辛辣さがショスタコ風。４楽章の音の重ね方の激しさは悪くない。全体としてまとまりはないし、２楽章以外はあまり新鮮でない。

弦楽四重奏曲第11番　Op.232（1942）
2.5点
最後の楽章以外はまったりしなやかで、温かみのある音楽。変な音は控えめに使われており、聞き手の頭を一杯にする感じではない。田舎的なのどかで自然にあふれた世界を感じる。

弦楽四重奏曲第12番　Op.252（1945）
3.0点
ところどころに意図不明な複調などの捻りはあるものの、わりと正統派の意図が分かりやすくてよい曲に聞こえる。田園風景的な風光明媚さもある前半と、音が躍動する後半。音世界に入り込んで、コンパクトで室内楽らしさを楽しめる。

弦楽四重奏曲第13番　Op.268（1946）
2.8点
自由闊達に書かれていて、自由に動く音の楽しみと南国の要素のある明るさとエネルギッシュさがある。とはいえ、どの楽章も音楽の構成要素の作品化度合いは微妙であり、悪くないが微妙なものをくっつけて構成した曲であるため、よい曲とまではいえない。

弦楽八重奏曲　Op.291（1948〜49）（弦楽四重奏曲第14番、第15番を合わせて演奏する）
弦楽四重奏曲第14番　Op.291-1
弦楽四重奏曲第15番　Op.291-2

2.5点
合体させた弦楽8重奏しか聴いていないので面白さは理解出来ていないが、合体版を聞く限りはぜんぜん面白くない笑。違う曲を重ねただけあって、声部が多すぎて音がゴチャッと重なりすぎでぼんやりしている、ただそれだけと言っても過言でないシロモノである。弦楽四重奏の切れ味の良さはない。個別の14番と15番がどれくらい違う曲に聴こえるのだろうか。興味がある。

弦楽四重奏曲第16番　Op.303（1950）
2.5点
1楽章の弛緩した感じ。そのあとも冗長で意味の薄く支離滅裂感のあるフレーズを延々と続けるところに老いと衰えを感じてしまう。だから、聴いていてちょっと気持ちが沈んでしまった。コンパクトさが足りないから残念さが増えている。

弦楽四重奏曲第17番　Op.307（1950）
2.8点
1楽章はモヤモヤしたものをモヤモヤしたまま描いている。変な音の絡みが若干の痛々しさを感じるのはそのせい。2楽章は叙情的でこれは良いという美しい場面が所々にある。3楽章と4楽章は複調の活動的な曲で、いつも通りの微妙さだが内容はそれなりにある気がする。楽しんで聴けるところがある。

弦楽四重奏曲第18番　Op.308（1951）
3.0点
1楽章はショスタコーヴィチ風ミヨーと呼びたい孤独と悲哀の詠唱である。最後の曲に相応しいかもしれない。ミヨーにしては長大。2楽章は微妙だが、カオス感がいちおう楽しめる。3楽章はちょっと面白い。中庸な雰囲気が詩情を作っている。4楽章が再び詠唱的な曲であり、心が重力を与えられたかのようなずっしりとした重みがある。この楽章はこころに沁みるものがある。変な音の使い方は相変わらずだが、最後に相応しい佳作である。

ピアノ曲

スカラムーシュ　Op.165b（2台ピアノ）
3.8点
協奏曲のところにも書いたが、2台ピアノ版は素晴らしい出来であり、サクソフォーン協奏曲よりも楽しいと思う。

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%9F%E3%83%A8%E3%83%BC

ダリウス・ミヨー（Darius Milhaud [daʁjys mijo], 1892年9月4日 - 1974年6月22日）は、フランス人の作曲家。名はダリユス、ダリュスとも表記される。ピアニストや指揮者としても活躍し、自作の録音を残している。フランス6人組の一人。

南フランス、プロヴァンス地方のエクス＝アン＝プロヴァンスに生まれ、スイスのジュネーヴで没した[1]。第二次世界大戦期以降はアメリカでも活動した。

生まれつき小児麻痺を患っていたため、車椅子を使う機会が多かった。1920年代以降はリウマチにも悩んでいた。

作曲意欲は旺盛で、様々な楽器編成を試みたり、タンゴやジャズにも影響を受けたりした。また映画音楽にも筆を染め、創作活動は亡くなるまでその衰えを見せなかった。

生涯
i
1892年に、南フランスプロヴァンス地方のエクス＝アン＝プロヴァンスにおいて、アーモンド取引で財をなした富裕なユダヤ人の家庭に生まれる。父は商館をとりしきるかたわら地元の音楽協会の中心人物を務め、母はかつてパリで声楽を学んでいた[2]。このような環境の中、7歳で地元の音楽家レオ・ブルギエにヴァイオリンを学び、1904年からはブルギエの四重奏団で第2ヴァイオリン奏者となる[3]。この頃にクロード・ドビュッシーの弦楽四重奏曲を勉強し、1902年に初演されたばかりの『ペレアスとメリザンド』の楽譜を入手する。また同じ頃、地元の軍楽隊の音楽隊長から和声法を学びつつ作曲を始めるが、学んだ和声法は生かされず、独自の和声進行によるヴァイオリンソナタを書いた[4]。

1909年にパリ音楽院に入学。パリでは頻繁に演奏会に通い、モーリス・ラヴェルの『夜のガスパール』初演や、発足まもないバレエ・リュス（ロシア・バレエ団）の公演などに刺激を受け、ドビュッシー、モデスト・ムソルグスキーに傾倒する。その一方でリヒャルト・ワーグナーの作品には嫌悪感を覚え、生涯「反ワーグナー」の姿勢をとることになる[5]。

本来はヴァイオリンを学ぶための入学であったが、次第に作曲を本格的に学ぶようになる。音楽院ではポール・デュカスに管弦楽、ザビエル・ルルーに和声を師事するが、ミヨーは和声の成績がすこぶる悪かった。ある日ミヨーがルルーに自作のヴァイオリンソナタを見せたところ、ルルーは「君は私のクラスで何をしているのかね? 君は既に自分の和声語法を持っているのに、さらに因習的な和声を習おうとしているのか。クラスを去りたまえ」と言った[6]。ルルーのクラスを去った後、アンドレ・ジェダルジュに対位法、シャルル＝マリー・ヴィドルに作曲を師事。ジェダルジュのクラスでは、ジャック・イベール、アルチュール・オネゲルと同期であり、ヴィドルのクラスではジェルメーヌ・タイユフェール、ジョルジュ・オーリックと知り合う。

この頃、音楽を学ぶ一方でフランシス・ジャム、ポール・クローデルら文学者と親交を深め、彼らの作品をテキストとした歌劇や歌曲を作曲した。特に外交官でもあった詩人クローデルとの友情は生涯を通じて続いた。

ii
1914年に第一次世界大戦が始まると、健康上の理由で従軍は免れたが、戦争に関わる仕事を求めて「フランス・ベルギー親善協会」[7]に勤務する。同協会に務めていたミシア・ゴデブスキを通じて、ラヴェルの他、リカルド・ビニェス、エリック・サティ、レオン＝ポール・ファルグなどが出入りしていたシーパ・ゴデブスキのサロンに顔を出すようになる。

1915年、バッハの小さな二重奏のカノンに異なる2つの調が同時に存在することを見出し、これをきっかけに複調性や多調性について根本的な研究にとりくむ[8]。この成果は「和声の変奏曲」の副題を持つ『コエフォール』となって現れた。以後、複調性、多調性に基づくポリフォニーはミヨーの作風において重要な要素の一つとなる。

同年、フランス・ベルギー親善協会をやめ「新聞の家」で働き、新聞会館で再会したクローデルに誘われて外交官秘書となる。その後、ブラジル大使となったクローデルに随行し、1917年から1918年末までブラジルで生活する。クローデルとミヨーは1917年2月、カーニヴァル只中のリオデジャネイロに到着し、ミヨーはブラジル民謡特有のシンコペーションのリズムに強く惹きつけられた。ブラジル音楽の影響は、滞在中に作曲された『男とその欲望』や、帰国後の『ブラジルへの郷愁』、『屋根の上の牛』に現れている。1918年末、連合国経済使節団のフランス代表となったクローデルに従ってアメリカまで同行し、そのままニューヨークを経由して1919年にフランスに帰国。途中立ち寄ったプエルト・リコではギロを購入。後の『屋根の上の牛』などで活用した。

ミヨーがブラジルに滞在していた間、パリではバレエ・リュスの『パラード』の初演（1917年5月）がスキャンダルを引き起こし、ミヨーと既知のオネゲル、タイユフェール、オーリックなど若手作曲家は、エリック・サティ、ジャン・コクトーを中心として結集しつつあった。ブラジルから帰国したミヨーもその一員となり、彼らは毎週土曜日にミヨーの自宅に集まって友情を育んでいった。彼らの作品には共通の作風は見られなかったが、歌手ジャーヌ・バトリが主宰するヴィユ・コロンビエ劇場や、モンパルナスの画家のアトリエを改造した「ユイガンス・ホール」（サル・ユイガンス）などで連続的に取り上げられ、1920年1月26日の『コメディア』紙におけるアンリ・コレの記事「ロシア5人組、フランス6人組、そしてエリック・サティ」をきっかけに、デュレ、オネゲル、ミヨー、タイユフェール、プーランク、オーリックは「フランス6人組」として知られるようになった。

1919年、ブラジルの思い出から『屋根の上の牛』を作曲するが、ジャン・コクトーによる前衛的な演出を加えて上演（1920年2月）されたため、ミヨーは聴衆や批評家から「滑稽な作品を書く作曲者」というレッテルを貼られた。同年10月24日、12種類の調性が同時に鳴る部分を含む『交響組曲第2番』（付随音楽『プロテー』に基づく）がガブリエル・ピエルネ指揮コンセール・コロンヌによって初演されるが、聴衆の猛反発を招き、混乱した会場に警察や市警備隊が介入、新聞に「コンセール・コロンヌのスキャンダル」として報じられる事態となった。しかし、ミヨーは「熱狂でなくても強い抗議は作品によって刺激されている証拠[9]」であるとして自信を深めた。

ミヨーの音楽は当時一世を風靡していたバレエ・リュスの主催者セルゲイ・ディアギレフには好まれず、『男とその欲望』もディアギレフの食指を動かすには至らなかった[10]。このため、このバレエはバレエ・スエドワ（スウェーデン・バレエ団）によって1921年6月6日に初演された。翌年、バレエ・スエドワは、デュレを除くフランス6人組の合作によるバレエ『エッフェル塔の花嫁花婿』を上演した。

iii
1920年に『屋根の上の牛』を指揮するためにロンドンに渡ったミヨーは、ここでビリー・アーノルド楽団が演奏する、「ダンス音楽」にとどまらない本格的なジャズに触れ、その魅力に目覚めた[11]。1922年に自作の曲の公演の為にアメリカ合衆国を訪問した際にはハーレムのジャズや黒人音楽を研究し、そのリズムや音色を活かした室内楽曲を作ろうと考えた。その成果が、アルト・サクソフォンを含む17人の奏者による『世界の創造』（1923年、バレエ・スエドワによって初演）であり、ジャズのイディオムを用いた作品としてはジョージ・ガーシュウィンの『ラプソディー・イン・ブルー』（1924年）よりも早いものであり、このジャンルの成功例となった[12]。

1922年には合衆国への演奏旅行に引き続き、第一次世界大戦で途絶えていたオーストリアの音楽家たちとの交流を目的として、プーランクとともにウィーンのアルマ・マーラー宅を訪問。ここでアルノルト・シェーンベルク、アントン・ウェーベルン、アルバン・ベルクらと会う。アルマ・マーラー夫人の提案によりシェーンベルクとミヨーがそれぞれ『月に憑かれたピエロ』を指揮し、2通りの演奏の聴き比べが行われた[13]。

1920年代後半から1930年代にはリウマチの進行に苦しみながらも創作が続けられた。この時期には劇音楽に加えて映画音楽も担当[14]、また、イダ・ジャンケレヴィッチとマルセル・メイエールのために作曲した『スカラムーシュ』（1937年）は人気作品となり、その楽譜は異例の売れ行きを示した[15]。

iv
1940年、ユダヤ人であったミヨーは、前年に始まった第二次世界大戦を避けるためにアメリカ合衆国に逃れる。合衆国では、カリフォルニア州のミルス・カレッジで作曲を教えつつ[16]、サンフランシスコ交響楽団、シカゴ交響楽団、ニューヨーク・フィルハーモニック、ボストン交響楽団などで客演指揮を行った。この中には、シカゴ交響楽団創立50周年のための委嘱作品『交響曲第1番』（1940年）や、クーセヴィツキー夫人ナタリーを追悼するためクーセヴィツキー財団による委嘱作品『交響曲第2番』（1944年）の初演が含まれる。また、楽譜出版社からの依頼により、吹奏楽のための『フランス組曲』（1945年）が作曲された。1945年には歌劇『ボリヴァール』（シュペルヴィエル台本）を作曲。これまでに作曲していた歌劇『クリストフ・コロンブ』（1928年、クローデル台本）、歌劇『マクシミリアン』（1930年、ヴェルフェル他）と合わせ、「中南米三部作」と呼ばれる。

戦後、フランスに戻り、アンリ・ビュッセルの後任としてパリ音楽院の作曲家教授に任命されるが、ミルス・カレッジには1971年まで在職し、1年おきにフランスとアメリカを頻繁に行き来する生活を送った。

戦後の作品には、同時に演奏すると弦楽8重奏になる「弦楽四重奏曲第14番」と「第15番」（1948年-49年、ブダペスト弦楽四重奏団は同時録音を使って8重奏を初演した）、ミュージック・コンクレートによる『詩的練習曲』（1954年）、合唱、管弦楽に雑音を用いたカンタータ『紙とステロ板との結婚』（1956年）、奏者の自由な演奏による偶然性を狙った朗読と7つの楽器のための『4行詩の組曲』（1962年）などの新たな試みが見られる。

1956年、長年の友人であったオネゲルの死にショックを受け、追悼のために「弦楽五重奏曲第4番」（1.「死を悼む」2.「若き日の思い出」3.「長い友情の甘さ」4.「称賛の歌」）を作曲。また、オネゲルが務めていたフランス・ディスク・アカデミーの会長の後任となる[17]。

1971年にミルス・カレッジを辞し（後任はルチアーノ・ベリオ）、あらたな創作の場としてジュネーブに暮らす。80歳を超えても創作意欲は衰えなかったが、1974年6月22日、ジュネーヴで没する。81歳。前年に作曲された木管五重奏曲が最後の作品となり、その作品番号は443であった。故郷エクス＝アン＝プロヴァンスのサンピエール墓地に埋葬されている。

作品
弦楽四重奏曲18曲[18]、交響曲13曲、室内交響曲6曲、ピアノ協奏曲5曲、ヴァイオリン協奏曲3曲、その他膨大な作品がある。

吹奏楽の分野では「フランス組曲」が有名である。学生吹奏楽団での演奏を想定して書かれており、親しみやすく技術的な難易度も高くはない。

舞台作品

歌劇
迷える羊 Op.4（1910〜15/1923年初演）（3幕）
オルフェの不幸 Op.85（1925/1926年5月7日初演）（3幕）
カルパントラのエステル Op.89（1925）（2幕）
哀れな水夫（英語版）（1926）
短編オペラ エウロペの略奪 Op.94（1927）
短編オペラ 見捨てられたアリアーヌ（英語版） Op.98（1927）
短編オペラ 解放されたテセウス Op.99（1927）
クリストフ・コロンブ（英語版） Op.102（1928/1930年初演）（2部27景）
マクシミリアン Op.110（1930/同年初演）（3幕9景）
メデ Op.191（1938/1939年初演）（1幕）
ボリヴァール（フランス語版） Op.236（1943/1950年初演）（3幕）
ダヴィデ（フランス語版） Op.320（1954/同年演奏会形式で初演/1955年舞台初演）（5幕8場）
饗宴 Op.370（1958/同年初演）（1幕）
罪ある母（英語版） Op.412（1964/1966年初演）（3幕）
フランスの王、聖ルイ Op.434（1970〜71/1971年初演）（2部）

バレエ音楽
男とその欲望 Op.48
屋根の上の牡牛 Op.58
エッフェル塔の花嫁花婿 Op.70（合作）
世界の創造 Op.81
サラダ Op.83
青列車 Op.84
ジャンヌの扇 Op.95（合作、ポルカのみ作曲）
最愛の女 Op.101
夢 Op.124
花咲ける中世 Op.152
アメリカ作品2 Op.219
春の戯れ Op.243
鐘 Op.259
鏡の中のアダム Op.283
レモンの摘み取り Op.298b
葡萄の収穫 Op.317
風の薔薇 Op.367
鳥たちの枝 Op.374

劇付随音楽
アガメムノン Op.14（アイスキュロスのオレスティア第1部）
プロテー Op.17
コエフォール Op.24（アイスキュロスのオレスティア第2部）
ユメニード Op.41（アイスキュロスのオレスティア第3部，全編歌われる実質的な歌劇）
マリアへのお告げ Op.117
教皇の館 Op.120
Se plaire sur la Meme Fleur Op.131
創造の循環 Op.139
ほら吹き Op.145
ボリヴァール Op.148
天の狂女 Op.149
Tu ne m'echapperas jamais Op.151
ベルトラン・ト・ボルン Op.152
セビーリャのいかさま師 Op.152e
7月14日（合作）（1936）
征服者 Op.154
アマル、または王の手紙 Op.156
荷物を持たない旅行者 Op.157a
ジュリアス・シーザー Op.158
ダルマフィ侯爵夫人 Op.160
ロメオとジュリエット Op.161a
自由 Op.163（合作、序曲と序奏のみ）
空飛ぶお医者さん Op.165a
Naissance d'une Cite Op.173（合作、2曲のみ）
マクベス Op.175
エキュブ Op.177
プルートゥス Op.186
三色旗 Op.190
泥棒たちの舞踏会 Op.192
最初の家庭 Op.193
ハムレット Op.200
つまらなぬ小天使 Op.215
マリアへのお告げ Op.231
リドアール Op.264
ベルナルダ・アルバの家 Op.280（1947）（フェデリコ・ガルシーア・ロルカの劇のため）
シェエラザード Op.285
ロバンとマリオンの戯れ Op.288
冬の物語 Op.306
クリストファ・コロンブ Op.318
サウル Op.334a（1954）
ジュアニート Op.349
Mere Courage Op.379
ジュディット Op.392
カルパントラスのイェルサレム Op.419
トビーとサラの物語 Op.426

映画音楽
人でなしの女（1924）（楽譜は消失）
アクチュアリテ（ニュース映画） Op.104
リリーちゃん Op.107
ハロー・エヴリボディ Op.126
ボヴァリー夫人 Op.128
海馬 Op.137
タラスコンのタルタラン Op.138
幼時の声 Op.146
愛すべき放蕩者 Op.150
モルナール Op.174
沈黙の城砦 Op.176
大火 Op.182
天の征服 Op.184
皇帝の悲劇 Op.187
人質 Op.196
アイスランド Op.198
希望 Op.202
愛の騎馬旅行 Op.204
メキシコ湾流 Op.208
The private-affairs of Bel Ami Op.272
Man Ray Swquence of dreames that money can buy Op.273
ゴーギャン Op.299
人生は明日始まる Op.304
彼らはみんな志願兵 Op.336
いなかった女 Op.364
ビルマ・ロード Op.375

テレビ音楽
ペロンとエヴィータ Op.372（1958）
ポール・クローデル Op.427（1968）

その他の舞台作品
シャブリエのオペレッタ「受けそこなった教育」のためのレチタティーヴォ Op.82
音楽祭 Op.159
薮から棒 Op.118
ちょっと音楽を Op.119
少し練習を Op.133
序曲、マーチ、勝利の祭り Op.254
L'ours et la lune （1918）
「乞食オペラ」への歌 Op.171
プロメテ Op.341
アガメムノン（1938）
夢の国への旅 Op.203
聖書 Op.282
世界の終わり Op.297
7日目の休息 Op.301
サマエル Op.321
Le Dibbouk Op.328
詩的エテュード Op.333

交響曲
交響曲第1番 Op.210 （1939/1940年初演）
交響曲第2番 Op.247 （1944/1946年初演）
交響曲第3番「テ・デウム」 Op.271 （1946/1947年初演）（合唱付き）
交響曲第4番 Op.281 （1947/1948年初演）
交響曲第5番 Op.322 （1953/1955年初演）
交響曲第6番 Op.343 （1953/1955年初演）
交響曲第7番 Op.344 （1955/1956年初演）
交響曲第8番「ローヌ河」 Op.362 （1957）
交響曲第9番 Op.380 （1959/1960年初演）
交響曲第10番 Op.382 （1960/1961年初演）
交響曲第11番「ロマンティック」 Op.384 （1960）
交響曲第12番「田舎風」 Op.390 （1961/1962年初演）
クローデル的宇宙のための交響曲 Op.427 （1968）

室内交響曲
室内交響曲第1番「春」 Op.43（1917）
室内交響曲第2番「パストラール」 Op.49（1918）
室内交響曲第3番「セレナード」 Op.71（1921）
室内交響曲第4番 Op.74（1921）
室内交響曲第5番 Op.75（1922）
室内交響曲第6番 Op.79（1923/1926年出版）

管弦楽曲、吹奏楽曲
交響組曲第1番 Op.12
交響組曲第2番 Op.57
ブラジルの郷愁 Op.67b（全13曲）
プロヴァンス組曲 Op.152b
鳥 Op.181
フランス組曲 Op.248（吹奏楽／管弦楽に編曲）
組曲「パリ」 Op.284b
シンフォニエッタ（小交響曲） Op.363
劇場の音楽 Op.334b（劇音楽「サウル」より編曲）（吹奏楽）

協奏曲

ピアノ協奏曲
ピアノ協奏曲第1番 Op.127
ピアノ協奏曲第2番 Op.225
ピアノ協奏曲第3番 Op.270
ピアノ協奏曲第4番 Op.295
ピアノ協奏曲第5番 Op.346
カマグルの雅歌による詩曲 Op.13
バラード Op.61
5つの練習曲 Op.63
エクスの謝肉祭 Op.83b
田園の幻想曲 Op.188
協奏的組曲 Op.278a
2台のピアノのための協奏曲 Op.228
2台のピアノと管弦楽のための組曲 Op.300

ヴァイオリン協奏曲
ヴァイオリン協奏曲第1番 Op.93
ヴァイオリン協奏曲第2番 Op.263
ヴァイオリン協奏曲第3番「国王のコンセール」 Op.373
シネマ・ファンタジー Op.58b
春のコンチェルティーノ Op.135
3部の組曲 Op.234b

ヴィオラ協奏曲
ヴィオラ協奏曲第1番 Op.108
ヴィオラ協奏曲第2番 Op.340
ソナタのアリア Op.242
夏のコンチェルティーノ Op.311

チェロ協奏曲
チェロ協奏曲第1番 Op.136
チェロ協奏曲第2番 Op.225
ピエモンテ地方の民謡による北イタリア組曲 Op.332

その他の協奏曲
打楽器と小管弦楽のための協奏曲 Op.109
フルート、ヴァイオリンと管弦楽のための協奏曲 Op.197
クラリネット協奏曲 Op.230
マリンバ、ヴァイブラフォーンと管弦楽のための協奏曲 Op.278
ハープ協奏曲 Op.323
オーボエ協奏曲 Op.365
協奏交響曲 Op.376
クラヴサン協奏曲 Op.407
秋のコンチェルティーノ Op.309
ボストン市のための音楽 Op.414
スカラムーシュ Op.165c（サックスと管弦楽）
スカラムーシュ Op.165d（クラリネットと管弦楽）
イギリス組曲 Op.234
冬のコンチェルティーノ Op.327（トロンボーンと管弦楽）
スタンフォード・セレナード Op.430

室内楽曲

弦楽四重奏曲
弦楽四重奏曲第1番 Op.5（1912）
弦楽四重奏曲第2番 Op.16（1914〜15）
弦楽四重奏曲第3番 Op.32（1916）
弦楽四重奏曲第4番 Op.46（1918）
弦楽四重奏曲第5番 Op.64（1920〜21）
弦楽四重奏曲第6番 Op.77（1922）
弦楽四重奏曲第7番 Op.87（1925）
弦楽四重奏曲第8番 Op.121（1932）
弦楽四重奏曲第9番 Op.140（1935）
弦楽四重奏曲第10番 Op.218（1940）
弦楽四重奏曲第11番 Op.232（1942）
弦楽四重奏曲第12番 Op.252（1945）
弦楽四重奏曲第13番 Op.268（1946）
弦楽八重奏曲 Op.291（1948〜49）（弦楽四重奏曲第14番、第15番を合わせて演奏する）
弦楽四重奏曲第14番 Op.291-1
弦楽四重奏曲第15番 Op.291-2
弦楽四重奏曲第16番 Op.303（1950）
弦楽四重奏曲第17番 Op.307（1950）
弦楽四重奏曲第18番 Op.308（1951）
シバの女王 Op.207
イーゴル・ストラヴィンスキーの追悼 Op.435
エテュード Op.442

その他の室内楽曲
ヴァイオリン・ソナタ第1番 Op.3
ヴァイオリン・ソナタ第2番 Op.40
ヤコブの夢 Op.294（オーボエ、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス）
フルート、オーボエ、クラリネットとピアノのためのソナタ Op.47
ピアノ、ヴァイオリンとクラリネットのための組曲 Op.157b
組曲「ルネ王の暖炉」 Op.205（木管五重奏）
フルートとピアノのためのソナチネ Op.76
クラリネットとピアノのためのソナチネ Op.100
春 Op.18（ヴァイオリン）
エレジー Op.251（ヴィオラ）
四つの顔 Op.238（ヴィオラ）
即興曲 Op.91
セコビアーナ Op.366（ギター）
2つのヴァイオリンとピアノの為のソナタ

ピアノ曲
ピアノ・ソナタ第1番 Op.33
ピアノ・ソナタ第2番 Op.293
組曲「春」第1集 Op.25
組曲「春」第2集 Op.66
瞑想 Op.277
世界観光旅行者 Op.358
人生の喜び − ワトーを讃えて Op.360
スカラムーシュ Op.165b（2台ピアノ）
やわらかいキャラメル Op.68

オルガン曲
オルガン・ソナタ Op.112（1931）
パストラール Op.229（1941）
9つのプレリュード Op.231b（1942）
小組曲 Op.348（1955）（全3曲）

声楽を伴う管弦楽曲、合唱曲

カンタータ
放蕩息子の帰宅 Op.42（1917）
主をたたえるカンタータ Op.103（1928）
パンとシリンクス Op.130（1934）
人間博物館の落成式のためのカンタータ Op.164（1937）
平和のカンタータ Op.166（1937）
結婚カンタータ Op.168（1937/同年初演）
子供と母のカンタータ Op.185（1938）
四元素 Op.189b（1938）
栄光の冠 Op.211（1940）
戦争カンタータ Op.213（1940）
格言カンタータ Op.310（1951）
焔の城 Op.338（1954）
紙とステロ板との結婚 Op.357（1956）
慈悲の十字架のカンタータ Op.381（作曲年不明）
チョーサーのテキストによるカンタータ Op.386（1960）
成人式のカンタータ Op.388（1960）
天使ラファエルへの祈願 Op.395（1962）
ソネット組曲 Op.401（1963）
カロルス Op.402（1963）
アディユ Op.410（1964）
ヨブ記からのカンタータ Op.413（1965）
コメニウス讃 Op.421（1966）
詩篇カンタータ Op.425（1967）
アニ・マーミン、見つけられた歌 Op.441（作曲年不明）

その他
ガードナーの2つの詩 Op.35（1916〜17）
農機具 Op.56（1919）
アダージョ Op.120b（1932）
呪文 Op.201（1939）
航海 Op.393（1961）
地には平和 Op.404（1963/1963年初演）
アダム Op.411（1964）

歌曲
「フランシス・ジャムの詩」第1集 Op.1（1910〜12）
「フランシス・ジャムの詩」第2集 Op.1（1910〜12）
「フランシス・ジャムの詩」第3集 Op.6（1912）
レオ・ラティルの3つの詩 Op.2（1910〜16）
東方の認識からの7つの詩 Op.7（1912〜13）
「ロマン派詩人の3つの詩」第1集 Op.11（1913〜14）
アリッサ Op.9（1913／1931改訂）
「ロマン派詩人の3つの詩」第2集 Op.19（1914）
城 Op.21（1914）
ユージェニー・ド・ゲランの未刊のノートより Op.27（1915）
逍遥歌 Op.44（1917）
体温表 Op.65（1920〜21）
即興劇 Op.90（1926）
発声練習 Op.105（1928）
4行詩 Op.106（1928）
4行詩 Op.143（1935）
四元素 Op.189（1938）
猫 Op.356（1956）
愛は歌う Op.409（1964）

著書
ダリウス・ミヨー、クロード・ロスタン『音楽家の自画像』別宮貞雄訳、東京創元社、1957年
『ダリウス・ミヨー――幸福だった私の一生』別宮貞雄訳、音楽之友社、1993年
原語版 «Ma Vie heureuse» Darius Milhaud, Édition Zurfluh, 1998. ISBN 2-87750-083-7 (originalement: Édition Pierre Belfond, 1987)

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%80%E3%83%AA%E3%82%A6%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%83%9F%E3%83%A8%E3%83%BC
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/783.html

[近代史6] ダリウス・ミヨー スカラムーシュ Op.165b（2台ピアノ）
ダリウス・ミヨー スカラムーシュ Op.165b（2台ピアノ）

Milhaud. Scaramouche - Martha Argerich & Evgeny Kissin

I. Vif
II. Moderé 2:27
III. Brasileira 6:13

Live 2001, July 26. Salle Médran, Verbier.
Martha Argerich & Evgeny Kissin.

Martha Argerich & Cristina Marton playing Milhaud Scaramouche at Tonhalle Zürich

Piano Duo Martha Argerich & Cristina Marton playing Milhaud Scaramouche at Tonhalle Zürich 23rd December 2014

Scaramouche, Op. 165b

Artist: Martha Argerich
Artist: Gabriele Baldocci

Released on: 2013-07-30

Martha Argerich and Akiko Ebi - Milhaud - Scaramouche Suite

Martha Argerich and Akiko Ebi, pianos
October 23rd, 2008
Lyon - France
Live

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/784.html

[近代史6] モーリス・ラヴェル（Maurice Ravel 1875 - 1937)
モーリス・ラヴェル（Maurice Ravel 1875 - 1937)

精密で色彩感豊かな管弦楽法、機械的な精密さ、繊細で感傷的な感情、スペインの民族的な情熱、ジャズなど新しい音楽の要素など、多くの面を持った作曲家。

管弦楽作品

スペイン狂詩曲（Rapsodie espagnole,1907年）
3.5点
F-E-D-Cisの音形が印象的。それが効果的に扱われている夜の前奏曲が特に不思議さや色彩感が強くて印象に残る曲になっている。循環的に音形が現れるのが楽しい。数少ない管弦楽用のオリジナル曲として楽しめる曲。

マ・メール・ロワ（組曲：ピアノ曲からの編曲、1912年）
3.5点
詩情あふれる小品集。どの曲も短くてラヴェルにしては簡潔で聴きやすく、楽しめる。

『シェエラザード』序曲（Ouverture 'Shéhérazade'）

バレエ音楽

ボレロ（Boléro, 1928年）
5.0点
有名曲。同じメロディーを楽器を変えながら繰り返しているだけである。しかし、メロディーが非常に秀逸であるとともに、ほんの少しずつ盛り上げていくオーケストレーションの巧みさのため、飽きないどころか次の展開をドキドキワクワクしながら聴ける。

ダフニスとクロエ（Daphnis et Chloé, 1909年-1912年）
4.0点
管弦楽曲として最大の大作であり、音楽的には初期より磨きがかかっている。不思議な効果をかもし出す合唱が入るなどスケールも大きい。

ラ・ヴァルス（La Valse, Poème choréographique, 1919年-1920年）
4.0点
艶かしく情熱的で、かつ技巧的である。高雅さもあり間違いなくワルツではあるが、いろいろな要素が混ざっている複雑な大作で、聴いていて不思議な感覚を覚える。ラヴェル独特の高みに達している。

協奏曲
ピアノ協奏曲ト長調
5.0点
色彩感豊かで活き活きとしていて、ガラスの玉のような繊細な美しさも楽しめるなど、ラヴェルの良さが詰まった逸品。ムチの一発で始まるのは楽しいアイデア。玉手箱のように新しいアイデアが出てきてワクワクする。自由ながらも1楽章、2楽章、3楽章の使い分けは古典的であるところが聴きやすい。

左手のためのピアノ協奏曲
5.0点
東洋的な奥ゆかしさと美メロが印象的な前半と後半も、ラグタイム風の心が踊るような愉しい中間部分も、どちらも好きだ。片手で弾いているとは思えないピアノ書法はすごいし、まさに魔術師のような色彩的なオーケストレシーションの魅力も最高である。両手の協奏曲とは作りも雰囲気も全く違うのだが、甲乙付け難い名曲になっているのがすごい。

室内楽曲

弦楽四重奏曲ヘ長調
3.5点
表題のない純音楽ではラヴェルの中で大作。カルテットの扱いがなかなか優秀で、色彩感もあり刺激的で、バランスが良く、カルテットに適合した音楽になっている。精巧。ただしキャッチーではない。

序奏とアレグロ（Introduction et allegro）
3.0点
優雅な音楽向けの編成と実際に優雅な音楽。ハープが大活躍。印象派らしい聴きやすさがある。

ピアノ三重奏曲イ短調
3.5点
ラヴェルの大作。様々な要素を取り入れてまとめられてはおり、内容が豊富。他の室内楽と同様に渋くて愛嬌が少ないのだが充実の傑作と言える。３つの楽器の使い方やバランスもよく考えられていて、ピアノ三重奏にありがちなバランスの悪さは少なく、豊かな音楽になっている。

フォーレの名による子守歌（Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré）

演奏会用狂詩曲『ツィガーヌ』（Tzigane）
3.0点
ラヴェル主要作品で内容は最下位かもしれない。それでも情熱的で刺激的な内容は十分に聴く価値がある。

ヴァイオリンとピアノ・リュテアル（またはピアノ）のための作品。

ヴァイオリン・ソナタ
4.0点
一楽章は濃厚な印象派的音楽。二楽章はジャズやブルースの影響が大きい。三楽章は無窮動で情熱的な汗と印象派的な音使いを両立した曲。作曲に四年もかけただけあって、どの楽章も密度が濃い傑作。

ヴァイオリンとチェロのためのソナタ
3.5点
他の室内楽と違い、かなり奇妙な音楽で意図的にとっつきにくくしている感じ。しかし、たった二声が絡み合って作られた世界は他の室内楽同様に非常に濃厚で、慣れると聴くのが快感になってくる。どの楽章も内容豊富で磨き作り込まれており素晴らしい。

編曲

展覧会の絵（Tableaux d'une exposition; ムソルグスキーのピアノ曲を管弦楽編曲）
3.5点
グロテスクで野蛮で力強いムソグルスキーのピアノの原曲と、色彩感豊かなラヴェルの編曲版は少し雰囲気が違う。普通の人は音色を楽しめるラヴェル版がいいだろうが、個人的にはオリジナルの原曲の方が好きだ。

ピアノ作品

グロテスクなセレナード（Sérénade grotesque, 1893年頃）
3.0点
刺激的なフレーズを交えて、グロテスクな伴奏や音の動きを組み合わせて音楽を組み立てているところは、後年のスカルボを彷彿とさせるところがある。単品としてはたいした曲でないと思うが、初期にこのような曲を書いていたことが興味深い。

耳で聞く風景（Les sites auriculaires）

ハバネラ（Habanera）
3.0点
盛りあがって爆発するかと思ってもしないのを何度か繰り返す、聴いていてもどかしい曲。ハバネラらしさは楽しいのだが、やはり完成作品としては欲求不満が溜まる。

口絵（Frontispice）

古風なメヌエット（Menuet antique, 1895年）
4.0点
初期の曲だが、主題も中間部も素晴らしい内容。和声の進行など全然古風ではない。

亡き王女のためのパヴァーヌ（Pavane pour une infante défunte, 1899年）
4.0点
いとおしさと美しさを併せ持ったメロディーが秀逸な曲。美化された世界。全体の構成はラヴェルにしては秀逸な方と思わないが。

水の戯れ（Jeux D’Eau, 1901年）
3.5点
他の水を表した曲と比較して、この曲は抽象的な水という物質そのものの運動を音楽化した曲。描写音楽として素晴らしい出来であり美学的感性は刺激されるが、人間の心は登場しない。

ソナチネ（Sonatine, 1903年〜1905年）
5.0点
ラヴェルの魅力、ソナチネの魅力にあふれた佳品。精密機械のような細かい部分までゼンマイがぴったり噛み合っているような精巧さがある。そして、愛らしく幻想的で美しくせつないというラヴェルのメロディーメーカーの才能も発揮されている。構成的には古典的な３つの楽章であり、理想的に手際よく短くコンパクトにまとめられている中に、ラヴェルの魅力を多くを盛り込んでいる。密度が濃くて形式的に整っていながらも聞きやすく親しみやすい名曲。

鏡（組曲）（Miroirs, 1904年〜1905年）
全体に複雑で印象派の色彩が濃い。

蛾（Noctuelles）
3.0点
音の積み重ねで蝶のひらひらとした羽ばたきや可憐さを演出。

悲しい鳥（Oiseaux tristes）
3.0点
悲しげな感じがアンニュイ。

海原の小舟（Une barque sur l'ocean）
3.5点
波の感じや小舟の揺れる感じがよく描写されている

道化師の朝の歌（Alborada del gracioso）
3.5点
この曲に関してはタイトルに縛られず、ラヴェルらしい情熱や活発さ、また若干の諧謔性、それと印象派的な音楽の融合に成功した作品と捉えるべき。

鐘の谷（La vallée des cloches）
3.5点
夢幻的な世界でドビュッシーみたいな曲。美しい。

夜のガスパール（Gaspard de la Nuit,1908年）
オンディーヌ（Ondine）
3.5点

絞首台（Le Gibet）
3.5点

スカルボ（Scarbo）
4.0点
超絶的に難しいので有名な曲。長くて音が多く、グロテスクで全体に靄がかかったようにはっきりしない場面が多く地味なので慣れるのが大変。理解できると驚異的な内容の豊かさに感激する。

マ・メール・ロワ（組曲）（Ma Mère l'Oye,1908年〜1910年）
【眠りの森の美女のパヴァーヌ、親指小僧、パゴダの女王レドロネット、美女と野獣の対話、妖精の園】
4点
ラヴェルらしい歌心あふれるいい曲。

ハイドンの名によるメヌエット（Menuet sur le nom d'HAYDN, 1909年）
3.5点
上品で端正な美しさがある曲

高雅で感傷的なワルツ（Valses nobles et sentimentales, 1911年）
3点
短いワルツの曲集。印象派の音楽の良さを活用して、上品でし聴き映えのする曲に仕上げている。

ボロディン風に（A la manière de Borodine, 1913年）
3.5点
詩的で柔らかく美しい小品

シャブリエ風に（A la manière de Emannuel Chabrier, 1913年）
3.0点
大人しい短い曲

前奏曲 イ短調（Prélude, 1913年）
3.0点
断片的な曲

クープランの墓（Le Tombeau de Couperin, 1914年〜1917年）
【前奏曲（Prélude）、フーガ（Fugue）、フォルラーヌ（Forlane）、リゴドン（Rigaudon）、メヌエット（menuet）、トッカータ（toccata）】
3.5点
乾いた音で構成されたピアノ曲という印象。どの曲も同レベルであり、曲集として統一感がある。

パレード（Le parade, 1896年）

メヌエット嬰ハ短調（Menuet en ut dièse, 1904年）

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%A9%E3%83%B4%E3%82%A7%E3%83%AB

ジョゼフ・モーリス（モリス）・ラヴェル（Joseph Maurice Ravel フランス語: [ʒɔzɛf mɔʁis ʁavɛl] 発音例, 1875年3月7日 - 1937年12月28日）は、フランスの作曲家。バスク系フランス人であり、『スペイン狂詩曲』やバレエ音楽『ダフニスとクロエ』『ボレロ』の作曲、『展覧会の絵』のオーケストレーションで知られる。

生涯

1875年3月にフランス南西部、スペインにほど近いバスク地方のシブールで生まれる[1]。生家は、オランダの建築家により17世紀に建てられたもので、アムステルダムの運河に面する建物さながらの完全なオランダ様式を呈しており、現存している（写真）。母マリー(1840〜1917)はバスク人、父ジョゼフ(1832〜1908)はスイス出身の発明家兼実業家だった。同年6月に家族がパリへ移住したあと、弟エドゥアール(1878〜1960)が生まれた。ラヴェル自身が生後3カ月しか滞在しておらず、後の25年間戻ることがなかったことから、バスク地方の表現への直接的な影響については議論があった。だが、作家アービー・オレンシュタインによって書かれた伝記によれば、母親に非常に親しみを感じ、その存在を通じてバスクの文化的な遺産を学び、最初の思い出は母親が彼に歌ったバスク民謡だったという（成人後になると、定期的にサン＝ジャン＝ド＝リュズに戻り、休日を過ごしたり仕事をしたりした）。

出生地の対岸で写真におさまるラヴェル。

父親が音楽好きで幼少のころからピアノや作曲を学び、ラヴェルが音楽の道へ進むことを激励した。

幼い頃からわたしはあらゆる種類の音楽に敏感でした。わたしの父はおおくのファンよりもはるかに音楽に精通しており、わたしの趣味をどう発達させ、手ばやく情熱を刺激するかを知っていました （ラヴェル、Esquisse autobiographique、1928）

やがて両親はパリ音楽院へ送り出した。音楽院に在籍した14年のあいだ、ガブリエル・フォーレやエミール・ペサールらのもとで学んだラヴェルは、当時のパリの国際的で実験的な空気を背景に、若く革新的な芸術家と行動を共にし、強い影響と薫陶を受ける[2]。

1898年3月5日の国民音楽協会第266回演奏会から公式デビューを果たしたラヴェルは[3]あくる20世紀にさきんじて作曲家として認められ、その作品は議論の対象となった。いっぽうで作曲の大胆さと自身が「解放者」と目すシャブリエとサティへの賞賛は、伝統主義が支配的なサークル内でおおくの反目を買った。

1901年、ラヴェルの個性が確立された「水の戯れ（Jeux d’eau）」が書かれ、曲は当時の音楽的流行から自立したものとなった。表現的慎ましさ、謙虚さ、エキゾチックでファンタジックな好み、形式的な完璧さに対するほとんど強迫観念とも言える探求により1901年から1908年のあいだにおおくの作品がうみだされた。 ソナチネ（Sonatine、1903年）、序奏とアレグロ（Introducción et allegro（1906））、スペイン狂詩曲（Rapsodie espagnole、1907年）、マ・メール・ロワ（組曲）（Ma Mère l'Oye、1908年）、夜のガスパール（Gaspard de la Nuit、1908年）は、アロイジウス・ベルトランの詩に触発されて書かれた。

前衛作曲家エリック・サティ。ラヴェルは伝統主義に抗って、サティを称賛、擁護した。
1900年から5回にわたって、有名なローマ大賞を勝ち取ろうと試みる。1901年、2回目の挑戦ではカンタータ『ミルラ』で3位に入賞したものの、大賞は獲得できなかった[4]。1902年、1903年は本選において入賞を逃し[5]、1904年はエントリーを見送った。翌1905年は、年齢制限によりラヴェルにとって最後の挑戦となったが、大賞どころか予選段階で落選してしまった。すでに『亡き王女のためのパヴァーヌ』『水の戯れ』などの作品を発表していたラヴェルが予選落ちしたことは大スキャンダルとなり、この「ラヴェル事件」により、パリ音楽院院長のテオドール・デュボワは辞職に追い込まれ、後任院長となったフォーレがパリ音楽院のカリキュラム改革に乗り出す結果となった[6]。

1907年、歌曲集『博物誌』の初演後、エドゥアール・ラロの息子ピエール・ラロはこの作品をドビュッシーの盗作として非難し、論争が起こった。しかし、『スペイン狂詩曲』が高い評価で受け入れられると批判はおさまった。そしてラヴェルは、バレエ・リュス（ロシア・バレエ団）の主宰者セルゲイ・ディアギレフからの委嘱により『ダフニスとクロエ』を作曲した。

1909年4月、ロンドンで初めての海外ツアーに参加し、自身が海峡のむこうで高く評価されていることを知る。1910年、保守的な「国民音楽協会」と決別、シャルル・ケックランらと現代的な音楽を促進、新しい音楽の創造を目指す団体「独立音楽協会」を旗揚げし、創立者のひとりとして名を連ねた。1911年、詩人フラン＝ノアンによって台本の書かれたオペラ「L'Heure espagnole（スペインの時）」の初演が催されたが、大衆、とりわけ批評家から「ポルノ」呼ばわりされ、不評裡に終わった。当時は台本のユーモアも、ラヴェルの大胆なオーケストラもほとんど理解されなかった。

第一次世界大戦。トラック輸送兵として参戦したラヴェルは終戦後、以前のような旺盛な創作欲を発揮することはなくなってしまう。
第一次世界大戦勃発後、パイロットとして志願したが、体重が規定に「2キロ」満たなかったことからその希望は叶わなかった。1915年3月にトラック輸送兵として兵籍登録された[7]。ラヴェルの任務は砲弾の下をかいくぐって資材を輸送するような危険なものであり[8]、当時の前線ヴェルダン 付近まで到達した。道中、腹膜炎となり手術を受けた。結局、終生戦争の傷から回復することはなかった。

大戦中の1917年1月15日、最愛の母親が76歳でこの世を去る。生涯最大の悲しみに直面したラヴェルの創作意欲は極度に衰え、1914年にある程度作曲されていた組曲『クープランの墓』[9]を完成（1917年11月）させた以外は、3年間にわたって実質的な新曲を生み出せず、1920年の『ラ・ヴァルス』以降も創作ペースは極端に落ちてしまった[10]。母の死から3年経とうとした1919年末にラヴェルがイダ・ゴデブスカに宛てた手紙には、「日ごとに絶望が深くなっていく」と、痛切な心情が綴られている[11]。

こうしてラヴェルの「偉大な時代」は終わりを告げる。かわって、慎重に計算された愛情と優雅さの背後に隠された、自発的に冷たく控えめな男―「ダンディな男ラヴェル」のイメージが一般に広まるようになった。

1920年1月、レジオンドヌール勲章叙勲者にノミネートされたが、これを拒否したために物議を醸し、結果的に4月に公教育大臣と大統領によってラヴェルへの叙勲は撤回された。

1920年代のフランスでは、エリック・サティを祖とするより前衛的な「フランス6人組」の登場や、複調・無調・アメリカのジャズなど新しい音楽のイディオムの広まりによって、ラヴェルの音楽は時代の最先端ではなくなった。さかんに演奏旅行を行う一方、ラヴェルの創作活動は低調になり、1923年には『ヴァイオリンソナタ』のスケッチしか残せていない[12]。

1928年、初めてアメリカに渡り、4か月に及ぶ演奏旅行を行なった。ニューヨークでは満員の聴衆のスタンディングオベーションを受ける一方、黒人霊歌やジャズ、摩天楼の立ち並ぶ町並みに大きな感銘を受けた。この演奏旅行の成功により、ラヴェルは世界的に有名になった。同年、オックスフォード大学の名誉博士号を授与される。

オペラ「ジャンヌ・ダルク」。病気に冒されたラヴェルの叶わぬ夢となった。 「だがこのオペラを完成させることはできないだろう。僕の頭の中ではもう完成しているし音も聴こえているが、今の僕はそれを書くことができないからね...」と供述している。
アメリカからの帰国後、ラヴェルが生涯に残せた楽曲は、『ボレロ』（1928年）、『左手のためのピアノ協奏曲』（1930年）、『ピアノ協奏曲 ト長調』（1931年）、『ドゥルシネア姫に心を寄せるドン・キホーテ』（1933年）の、わずか4曲である。

1927年ごろから軽度の記憶障害や言語症に悩まされていたが、1932年、パリでタクシーに乗っているときに交通事故に遭い、これを機に症状が徐々に進行していった。タクシー事故に遭った同年に、最後の楽曲『ドルシネア姫に想いを寄せるドン・キホーテ』の作曲に取りかかるが、楽譜や署名で頻繁にスペルミスをするようになり、完成が長引いている。字を書くときに文字が震え、筆記体は活字体になり、わずか50語程度の手紙を1通仕上げるのに辞書を使って1週間も費やした。動作が次第に緩慢になり、手足をうまく動かせなくなり、それまで得意だった水泳ができなくなった。言葉もスムーズに出なくなったことからたびたび癇癪を起した。また渡されたナイフの刃を握ろうとして周囲を慌てさせたが、自身の曲の練習に立ち会った際には演奏者のミスを明確に指摘している（どんな病気にかかっていたか、またその原因が交通事故によるものなのかどうかは諸説ある[13]）。

1933年11月、パリで最後のコンサートを行い、代表作『ボレロ』などを指揮するが、このころには手本がないと自分のサインも満足にできない状態にまで病状が悪化していた。コンサート終了後、ファンからサインを求められたラヴェルは、「サインができないので、後日弟にサインさせて送る」と告げたという。1934年には周囲の勧めでスイスのモンペルランで保養に入ったが一向に回復せず、病状は悪化の一途をたどった。1936年になると、周囲との接触を避けるようになり、小さな家の庭で一日中椅子に座ってぼんやりしていることが多くなった。たまにコンサートなどで外出しても、無感動な反応に終始するか、突発的に癇癪を爆発させるなど、周囲を困惑させた。

病床にあって彼はオペラ『ジャンヌ・ダルク』などいくつかの曲の着想を得、それを書き留めようとしたがついに一文字も書き進めることができなくなったと伝えられる。あるときは友人に泣きながら「私の頭の中にはたくさんの音楽が豊かに流れている。それをもっとみんなに聴かせたいのに、もう一文字も曲が書けなくなってしまった」と呟き、また別の友人には『ジャンヌ・ダルク』の構想を語ったあと、「だがこのオペラを完成させることはできないだろう。僕の頭の中ではもう完成しているし音も聴こえているが、今の僕はそれを書くことができないからね」とも述べたという。

同時期、失語症などの権威だった神経学者テオフィル・アラジョアニヌの診察を受けるが、博士は失語症や理解障害、観念運動失行[14]など脳神経学的な症状であると判断した。しかし脳内出血などを疑っていたラヴェルの弟のエドゥアールや友人たちはその診断に納得せず、1937年12月17日に血腫や脳腫瘍などの治療の専門家として名高かった脳外科医クロヴィス・ヴァンサンの執刀のもとで手術を受けた。しかし腫瘍も出血も発見されず、脳の一部に若干の委縮が見られただけだった。もともと万が一の可能性に賭けて手術という決断をしたヴァンサンは、ラヴェルが水頭症を発症していないことを確かめると萎縮した脳を膨らまそうとして生理食塩水を注入した。手術後は一時的に容体が改善したが、まもなく昏睡状態に陥り、意識が戻らぬまま12月28日に死去 (満62歳没) 。会葬にはダリウス・ミヨー、フランシス・プーランク、イーゴリ・ストラヴィンスキーらが立ち会い、遺体はルヴァロワ＝ペレ（パリ西北郊）に埋葬された。

晩年を過ごしたイヴリーヌ県モンフォール＝ラモーリーにあるラヴェルの最後の家は、現在ラヴェル博物館（Musée Maurice Ravel）となっている。浮世絵を含む絵画や玩具のコレクション、作曲に用いられたピアノなどが展示されている。

ラヴェルは一生独身を貫き、弟のエドゥワールも晩婚で子どもをもうけなかったため、ラヴェル家の血筋はエドゥワールの死（1960年）をもって途絶えた。

作風
オーケストレーションの天才、管弦楽の魔術師と言われる卓越した管弦楽法とスイスの時計職人（ストラヴィンスキー談）と評された精緻な書法が特徴。入念な完璧さへの腐心と同時に人間的豊かさを併せ持った表現力は「知性の最も微妙なゲームと心の深く隠された領域に沁み入る」とされた（ディクシオネール・ル・ロベール）。

母方の血筋であるスペインへの関心はさまざまな楽曲に見出だされ、『ヴァイオリン・ソナタ』『左手のためのピアノ協奏曲』『ピアノ協奏曲 ト長調』などにはジャズの語法の影響も見られる。常に新しい音楽的刺激を追い求めジプシー音楽にも熱狂し、それが『ツィガーヌ』（1924年）へと繋がった。

ラヴェルはドビュッシーとともに印象派（印象主義）の作曲家に分類されることが多い。しかし、その作品はより強く古典的な曲形式に立脚しており、ドビュッシーとは一線を画すと同時にラヴェル本人も印象派か否かという問題は意に介さなかった。ただし自身への影響を否定はしながらも、ドビュッシーを尊敬・評価し、1902年には対面も果たしている。また、ドビュッシーもラヴェルの弦楽四重奏曲ヘ長調を高く評価するコメントを発表している。

ラヴェル自身はモーツァルトおよびフランソワ・クープランからはるかに強く影響を受けていると主張した。また彼はエマニュエル・シャブリエ、エリック・サティの影響を自ら挙げており、「エドヴァルド・グリーグの影響を受けてない音符を書いたことがありません」とも述べている。さらに先述のようにスペイン音楽・ジャズに加え、アジアの音楽およびフォークソング（民謡）を含む世界各地の音楽に強い影響を受けていた。アジアの音楽については、パリ音楽院に入学した14歳の春に、パリ万国博覧会で出会ったカンボジアの寺院、タヒチ島の人々の踊り、インドネシアのガムランなどに大きな影響を受けている。

また、リヒャルト・ワーグナーの楽曲に代表されるような宗教的テーマを表現することを好まず、その代わりにインスピレーション重視の古典的神話に題を取ることを好んだ。

『ピアノ協奏曲ト長調』について、モーツァルトおよびサン＝サーンスの協奏曲がそのモデルとして役立ったと語っている。1906年ごろに協奏曲『Zazpiak Bat』（「バスク風のピアノ協奏曲」（直訳では「7集まって1となる」というバスク人のスローガン）を書くつもりだったが、結局それが完成されることはなかった。ノートの残存や断片から、バスクの音楽から強い影響下にあることが確認される。ラヴェルはこの作品を放棄したが、かわりにピアノ協奏曲などほかの作品のいくつかの部分で、そのテーマとリズムを使用している。

ラヴェルは「作曲家で音楽理論家アンドレ・ジュダルジュ（André Gedalge）[15]がわたしの作曲技術の開発において非常に重要な人でした」とコメントしている（ジュダルジュは対位法教程を残した最初期の作曲家でもある）。

また、ラヴェルは自身の創作姿勢については以下のように説明している。

「わたしは単純に芸術家の意識の錯乱を拒否します。 わたしたちは良い労働者であるべきです。 わたしの目標は「技術的な完成度」です。 そこにはけして到達できないと確信しているため、無限に到達しようと試みることができます。 重要なことは常に近づいていくことです。 まちがいなく芸術(作品）は作者以上の影響力を持っていますが、私の意見では、そこに別の目的を差し挟んではいけません」 （ラヴェル、Esquisse autobiographique、1928）

当時、一部の批評家はラヴェルの音楽を冷たく、空虚で人工的と評した。 芸術とメカニズムへの愛をけして否定しなかったラヴェルは、作家エドガー・アラン・ポーを引用し「感性と知性の中間点」と言う有名なフレーズで此れに反駁した。

「それにしても、人々は私が「自然に人工的」であるということを理解できないのだろうか？[16]」

後世への影響
「作曲家は創作に際して個人と国民意識、つまり民族性の両方を意識する必要がある」というのがラヴェルの考え方だった。1928年、アメリカとカナダの25都市の大きなコンサートホールでピアノ公演を行うために渡米した際も、アメリカの作曲家たちに「ヨーロッパの模倣ではなく、民族主義スタイルの音楽としてのジャズとブルースを意識した作品を作るべきだ」と述べており、一説によればオーケストレーションの教えを乞うたジョージ・ガーシュウィンに対して「あなたはすでに一流のガーシュウィンなのだから、二流のラヴェルになる必要などない」と言ったといわれている。

彼の曲を得意とするピアニストはマルグリット・ロンや彼女の弟子のサンソン・フランソワなどがいるが、特にラヴェル本人から楽曲について細かいアドヴァイスを受ける機会があったヴラド・ペルルミュテールは、ラヴェルの意図を忠実に再現したラヴェル弾きと言われる。

代表的な作品
※括弧内の西暦は作曲年

ピアノ作品
グロテスクなセレナード（Sérénade grotesque、1893年ごろ）
自筆譜では単に「セレナード」という題である。
耳で聴く風景（Les sites auriculaires）
ハバネラ（Habanera）
ドビュッシーが『グラナダの夕べ』に盗作したのではないかと物議を醸した作品。のちにオーケストレーションして『スペイン狂詩曲』の第3曲に使われている。
鐘の鳴るなかで（Entre cloches）
口絵（Frontispice）
古風なメヌエット（Menuet antique、1895年）
亡き王女のためのパヴァーヌ（Pavane pour une infante défunte、1899年）
水の戯れ（Jeux D’Eau、1901年）
ソナチネ（Sonatine、1903年 - 1905年）
中庸の速さで（Modéré）
メヌエットの速さで（Mouvement de menuet）
生き生きと（Animé）
メヌエット嬰ハ短調（Menuet en ut dièse、1904年）
鏡（組曲）（Miroirs、1904年 - 1905年）
蛾（Noctuelles）
悲しい鳥（Oiseaux tristes）
海原の小舟（Une barque sur l'ocean）
道化師の朝の歌（Alborada del gracioso）
鐘の谷（La vallée des cloches）
夜のガスパール（Gaspard de la Nuit、1908年）
オンディーヌ（Ondine）
絞首台（Le Gibet）
スカルボ（Scarbo）
マ・メール・ロワ（組曲）（Ma Mère l'Oye、1908年 - 1910年）
眠りの森の美女のパヴァーヌ（Pavane de la belle au bois dormant）
親指小僧（Petit Poucet）
パゴダの女王レドロネット（Laideronnette, Impératrice des Pagodes）
美女と野獣の対話（Les Entretiens de la Belle et de la Bête）
妖精の園（Le Jardin Féerique）
ハイドンの名によるメヌエット（Menuet sur le nom d'HAYDN、1909年）
高雅で感傷的なワルツ（Valses nobles et sentimentales、1911年）
モデレ（Modéré - Très franc）
アッセ・ラン（Assez lent）
モデレ（Modéré）
アッセ・ザニメ（Assez animé）
プレスク・ラン（Presque lent）
アッセ・ヴィフ（Assez vif）
モワン・ヴィフ（Moins vif）
エピローグ、ラン（Épilogue: Lent）
ボロディン風に（A la manière de Borodine、1913年）
シャブリエ風に（A la manière de Emannuel Chabrier、1913年）
前奏曲 イ短調（Prélude、1913年）
クープランの墓（Le Tombeau de Couperin、1914年 - 1917年）
前奏曲（Prélude）
フーガ（Fugue）
フォルラーヌ（Forlane）
リゴドン（Rigaudon）
メヌエット（menuet）
トッカータ（toccata）
パレード（Le parade, 1896年）

協奏曲
ピアノ協奏曲ト長調（Concerto pour piano et orchestre, sol majeur）
アレグラメンテ（allegramente）
アダージョ・アッサイ（adagio assai）
プレスト（presto）
もともとはバスク風協奏曲として計画されていたもの。
左手のためのピアノ協奏曲（Concerto pour la main gauche）
第一次世界大戦で右手を失ったピアニスト、パウル・ウィトゲンシュタイン（哲学者として知られるウィトゲンシュタインの兄）の依頼によるもの。ジャズの影響が色濃い。

管弦楽作品
スペイン狂詩曲（Rapsodie espagnole、1907年）
夜への前奏曲（Prélude à la nuit）
マラゲーニャ（Malagueña）
ハバネラ（Habanera）
祭り（Feria）
マ・メール・ロワ（組曲：ピアノ曲からの編曲、1912年）
クープランの墓（組曲：ピアノ曲からの抜粋編曲、1919年）
前奏曲（Prélude）
フォルラーヌ（Forlane）
メヌエット（Menuet）
リゴードン（Rigaudon）
亡き王女のためのパヴァーヌ（ピアノ曲からの編曲、1910年）
古風なメヌエット（ピアノ曲からの編曲、1928年）
『シェエラザード』序曲（Ouverture 'Shéhérazade'）
海原の小舟（Une barque sur l'océan）（「鏡」第3曲からの編曲）
道化師の朝の歌（Alborada del gracioso）（「鏡」第4曲からの編曲）

オペラ
スペインの時（L'heure espagnole）
1幕のオペラ。時計屋の女房に言い寄る男たちをコミカルに扱った歌劇。
子供と魔法（L'enfant et les sortilèges）
『子供と呪文』という場合もある。2幕のオペラ。

バレエ音楽
ボレロ（Boléro、1928年）
ラヴェルの作品の中でもっとも有名な曲である。
ダフニスとクロエ（Daphnis et Chloé、1909年 - 1912年）
合唱付きの全曲版、および合唱のない全曲版から抜粋した第1組曲、第2組曲がある。
ラ・ヴァルス（La Valse, Poème choréographique、1919年 - 1920年）
マ・メール・ロワ（全曲版）
ジャック・ルーシェの依頼によるバレエのための編曲。組曲版とは順番が違い、前奏曲と間奏曲が付加され、全体が続けて演奏される。1912年に初演。
前奏曲（Prélude）
第1場: 紡ぎ車の踊りと情景（Danse du rouet et scène）
第2場: 眠りの森の美女のパヴァーヌ（Pavane de la belle au bois dormant）
第3場: 美女と野獣の対話（Les entretiens de la Belle et de la Bête）
第4場: 親指小僧（Petit poucet）
第5場: パゴダの女王レドロネット（Laideronnette, impératrice des Pagodes）
アポテオーズ: 妖精の国（Le jardin Féerique）
高雅で感傷的なワルツ（アデライド、または花言葉）（ピアノ曲からの編曲、1912年）

室内楽曲
ヴァイオリンソナタ（遺作）（1897年作曲、単一楽章）
弦楽四重奏曲ヘ長調
序奏とアレグロ（Introduction et allegro）
ピアノ三重奏曲イ短調
フォーレの名による子守歌（Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré）
演奏会用狂詩曲『ツィガーヌ』（Tzigane）
ヴァイオリンとピアノ・リュテアル（またはピアノ）のための作品。ヴァイオリンと管弦楽にも編曲された。
ヴァイオリン・ソナタ
ヴァイオリンとチェロのためのソナタ
ドビュッシーの墓（トンボー）（Le tombeau de Claude Debussy） - ヴァイオリンとチェロのためのソナタの第1楽章となった。

声楽曲
暗く果てしない眠り
聖女（Sainte）
クレマン・マロのエピグラム（2 Épigrammes de Clément Marot）
クレマン・マロの2つの風物詩とも。
私に雪を投げるアンヌへの（D'Anne qui me jecta de la neige）
スピネットを弾くアンヌへの（D'Anne jouant de l'epinette）
シェエラザード（Shéhérazade）
アジア（Asie）
魔法の笛（La flûte enchantée）
つれない人（L'indifférent）
おもちゃのクリスマス（Le Noël des jouets）
5つのギリシア民謡（5 Mélodies populaires grecques）
博物誌（Histories naturelles）
くじゃく（Le paon）
こおろぎ（Le grillon）
白鳥（Le cygne）
かわせみ（Le martin-pêcheur）
ほろほろ鳥（La pintade）
ハバネラ形式のヴォカリーズ（Vocalise - étude en forme de habanera）
草の上で（Sur l'herbe）
トリパトス（Tripatos）
民謡集（4曲; Chants populaires）
スコットランドの歌（Chanson écossaise）
ステファヌ・マラルメの3つの詩（3 Poèmes de Stéphane Mallarmé）
ため息（Soupir）
むなしい願い（Placet futile）
壷のなかから一飛びに躍り出た（Surge de la croupe et du bond）
ドビュッシーが同時期に、第1曲、第2曲と同じ詩に作曲している。
無伴奏混声合唱のための3つの歌（3 Chansons）
ニコレット（Nicolette）
3羽の美しい極楽鳥（3 Beaux oiseaux du paradis）
ロンド（Ronde）
2つのヘブライの歌（2 Mélodies hébraïques）
カディッシュ（Kaddish）
永遠の謎（L'énigme éternelle）
マダガスカル島民の歌（Chansons madécasses）
ナアンドーヴ（Nahandove）
おーい（呼び声）（Aoua !）
休息-それは甘く（Repos - Il est doux）
ドゥルシネア姫に思いを寄せるドン・キホーテ（Don Quichotte à Dulcinée）
ロマンティックな歌（Chanson romanesque）
勇士の歌（Chanson épique）
乾杯の歌（Chanson à boire）
もともと映画「ドン・キホーテ」の劇中歌として作られたが、映画では使用されなかった（イベールの曲が採用された）。
アリッサ（Alyssa、1903年）
アルシオーヌ（Alcyone、1902年）

合作
ジャンヌの扇（L'éventail de Jeanne）
ジャック・イベール、アレクシス・ロラン＝マニュエル、アルベール・ルーセル、ダリウス・ミヨー、フランシス・プーランク、ジョルジュ・オーリック、フロラン・シュミット、マルセル・ドラノワ、ピエール・フェルーとの合作。そのうち1曲目のファンファーレを担当。

編曲
展覧会の絵（Tableaux d'une exposition、ムソルグスキーのピアノ曲を管弦楽編曲）
謝肉祭（1914年にヴァーツラフ・ニジンスキーの委嘱によりシューマンのピアノ曲を管弦楽編曲。ただし現在楽譜が残されているのは、「前口上」「ドイツ風ワルツ―パガニーニ」「ペリシテ人と闘うダヴィッド同盟の行進曲」のみ）
夜想曲（ドビュッシーのオーケストラと女声合唱のための曲を2台のピアノのために編曲。着手は1901年だが、完成は遅く1909年。同年に出版された[17]）
牧神の午後への前奏曲（ドビュッシーのオーケストラ作品を連弾用に1910年に編曲[17]）
サラバンド（ドビュッシーのピアノ曲を管弦楽編曲）
舞曲（スティリー風タランテラ）（同上。1922年編曲[17]）
華やかなメヌエット（シャブリエのピアノ曲を管弦楽編曲）

私家作品（未完、断片など）
フーガ（紛失）
マズルカ（1ページの断片）
交響曲のスケッチ
モーヌ大将（構想のみで現存はしないが、作曲はしたという説あり）
スケート滑り（断片）
組曲（第1ピアノ部分欠落）
「室内」のための前奏曲（オペラ「室内」の未完原稿）
グリーグの主題による変奏曲
カリロエ（現存せず）

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%A2%E3%83%BC%E3%83%AA%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%83%A9%E3%83%B4%E3%82%A7%E3%83%AB
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/785.html

[近代史6] モーリス・ラヴェル（Maurice Ravel 1875 - 1937) 中川隆
1. 中川隆[-16147] koaQ7Jey 2021年10月04日 18:10:17 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[14]
モーリス・ラヴェル 『亡き王女のためのパヴァーヌ』
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/897.html

ラヴェル 自作自演
http://www.asyura2.com/20/reki4/msg/703.html

ラヴェル 組曲「鏡」
http://www.asyura2.com/18/reki3/msg/976.html
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/785.html#c1

[近代史6] エイトル・ヴィラ＝ロボス（Heitor Villa-Lobos, 1887 - 1959）
エイトル・ヴィラ＝ロボス（Heitor Villa-Lobos, 1887 - 1959）

ブラジル風バッハ

第1番: 1930年。8本のチェロのための作品。
3.3点
チェロ8本の合奏という特殊編成。3つの楽章に分かれている。チェロの情熱的で艶めかしくも渋い特性が見事に活かされた作品であり、音楽の新しい可能性を切り開いている。ショーロスを全て書いた後にこのシリーズは作り始められるわけだが、この曲はメロディーに通俗性がなく、マニアックであり決して分かりやすい曲ではない。標題のとおり確かにバッハ的な歌心や魂と骨太な力強さを感じるが、非常に奥深い部分でのインスパイアの成果物であり、表面的にパッと分かるものではない。そこがいいと思う。低音ばかりだが暗くはなく、独特の華があり、インスピレーションに溢れた曲。生で聞いたら感動しそう。

第2番: 1933年。オーケストラのための作品。
3.3点
特殊編成でないことによる面白みの少なさはあるものの、1番と同じくらい曲は良いと思う。バッハの微かなインスパイアをもとに、バスを効かせる威厳のパワーを情熱や深遠さに転換する独特の詩情を見せつつ、単一楽章の中で多くの場面をつなげていく。通俗性に墜ちずに、独創的な場面を続ける気力には感服する。不思議な魅力がある。

第3番: 1934年。ピアノとオーケストラのための作品。
3.5点
ショーロス11番よりもピアノ協奏曲としてはるかに成功している。かなりセンスが良くてカッコいい。ピアノの使い方にセンスがある。ブラジル風バッハらしいかっこよさを存分に活かしている。スケール感が良い方向に使われている。4つの楽章で33分にも及ぶ大作だが、自分はかなりゾクゾクしっぱなしで聴いた。ピアノ協奏曲でありながら、それに縛られしぎていないで楽想を豊かに提示しているのが見事だ。

第4番: 1930-41年。ピアノ独奏曲。1941年にはオーケストラ作品に編曲されている。
2.5点
あまりにも古典主義的すぎる。調性が明確すぎ、メロディーが分かりやすすぎ。それに見合う感動があるかというと、平凡すぎて感動も足りないと思う。あと、1曲目の前奏曲が長すぎてバランスも悪い。元がピアノ曲として構想されていたからか、声部が足りないのが原因かもしれない。

第5番: 1938年（1945年に改訂）。ソプラノ独唱と8台のチェロのための作品。のちにソプラノとギターのためにも編曲されている。
3.5点
女声の独唱の艶めかしい情熱の表現は、流麗な前半も、妖艶な後半も印象的でゾクゾクするような魅力がある。冒頭のヴォカリーズは有名だそうだ。一般的な名旋律というものではないにしても、何か不思議と心を捉えて記憶が上書きされない魅惑的なものがある。ブラジル風バッハの一連の作品はある程度連作としての雰囲気も含めた類似性があるが、その中で魅力的という点で成功していると感じる。コンパクトなのも良い。

第6番: 1938年。フルートとファゴットのための作品。
3.3点
軽妙な管楽器の二重奏が愉しい。ブラジル風でありバッハの香りもほのかに感じる。ごく気楽に楽しむ曲。ブラジル風バッハの音楽の素の部分が明確になる分かりやすい曲。情熱的なメロディーと対位法的な扱いの妙や、リズムの扱いが面白い。

第7番: 1942年。オーケストラのための作品。
2.8点
新古典主義的どころか、映画音楽的な軽さとおおらかさが多くの部分を占めている。あまりバッハ風を感じない。ある種のダイナミックさを楽しめるとは言えるが、これでは他の作曲家でも書けそうだ。かなり平明な音楽だ。せめて同じ平明でももう少し濃厚さがないと物足りなく感じる。生で聞けばそれなりに楽しめるであろう娯楽性はある。

第8番: 1944年。オーケストラのための作品。
2.5点
7番に似た印象である。少しリズミカルで複雑さは高いが、なんだがNHK大河ドラマの音楽のようにも聞こえてしまう安易なノリの良さやコブシの聞き方と壮大さだと感じてしまう。音の密度が薄い。生で一度聴く分には楽しめるかもしれないが、それ以上の価値を感じない。

第9番: 1945年。無伴奏合唱、または弦楽合奏のための作品。
2.8点
弦楽合奏版で聴いた。情熱的なねちっこいフレーズをとにかく対位法的にひたすら重ねて繰り返す曲。7番8番があっさりしているのとは対照的だが、あまりにもコブシが効いていてしつこくて、うんざりしてしまう。タイトル通りちゃんとバッハ風であるのは良いことだと思う。しかし、何度も聴きたいという感じの曲ではない。

ショーロス

ギターとオーケストラのためのショーロスへの序奏: 1929年。

第1番: 1920年。ギター独奏曲。
4.0点
ギター独奏の４分の小品で、この後のショーロス作品群とは大きく構成が違う。それにしても、非常に素敵な名曲だと思う。ギターの魅力を最大限に発揮しており、素敵なメロディーで何度も聴きたくなる。渋くて哀愁のあるメロディー。

第2番: 1921年。フルートとクラリネットのための作品。
3.3点
2分台の短い曲。音が幻想的に飛び跳ねて2本の管楽器が絡んで、面白いと思ったらすぐに終わる。特に統一感がないので、ちょっとしたスケッチくらいの即興曲に聴こえる。とはいえ、ブラジル風味が新鮮さを感じさせてけっこう楽しめる。

第3番「きつつき」: 1925年。編成は、男声合唱、クラリネット、サクソフォン、ファゴット、ホルン 3、トロンボーン。
3.3点
独特のリズミカルでエキゾチックな伴奏を管楽器と合唱で行って、そこに別の粘り気のあるメロディーをやはり管楽器と合唱で被せていく。何かの儀式でも執り行われている現場のようだ。とても奇妙な面白い曲。土俗的なようでいて洗練されている。

第4番: 1926年。ホルン 3、トロンボーンのための作品。
3.3点
エキゾチックな不思議な音楽。やはり愉しい。ホルンとトロンボーンということで機動力に欠けるのだが、その代わりにおおらかな包容力とコミカルさがあって、それがまた楽しい。最後に分かりやすいメロディーになって締めるのが可愛い。

第5番「ブラジルの魂」: 1926年。ピアノ独奏曲。
3.5点
前半は普通の曲である。最初はかなり暗く始まり、エキゾチックさもなくて、ショーロスを連続で聴いているとちょっとガッカリする。中間は爆発して面白くなる。その後にまたメロディーに戻るとこの哀愁にしみじみと浸れるようになり、通俗的だがかなりいい曲かも、も思えるようになる。もしショパンやラヴェルが作曲者なら有名になっていたのではないか。

第6番: 1926年。オーケストラ作品。1928年にヴァイオリンとチェロによる補遺が作曲されている。
3.3点
5番までと違い、フルオーケストラで演奏時間も長い。長いのは、沢山の場面に分かれているからで、統一感がある構築物という感じではない。ディズニーシーの出し物の音楽に使えそうな、ドリーミーで素直で明るく楽しい音楽であり、ヴィラロボス風味は薄い。通俗的な場面も多いが、バラエティーの豊かさと、次々と繰り出されるメロディーの楽しさが素直にエンターテイメントとして楽しめるものであるのも事実である。

第7番: 1924年。フルート、オーボエ、クラリネット、サクソフォン、ファゴット、ヴァイオリン、チェロ。
3.0点
薄い音の重ね方で、エキゾチックな音世界を作るいつもの手法だが、音はいつも通り面白い。音型や楽器の重ねかた、メロディーは即興的に変化し続ける。ストラヴィンスキーのような野蛮主義的なリズムも登場する。実に多くのアイデアが詰まってはいるのだが、おおまかな印象があまり変わらないままなのが、統一感はあるものの、飽きてしまいイマイチと思った。

第8番: 1925年。2台のピアノとオーケストラ。
2.8点
フリーダムで野蛮主義的なリズムの上で、各楽器がフリーに演奏する趣の曲。雰囲気は深夜のジャングル奥地の動物の宴のようで面白い。しかし、自分の好みとしては、ちょっと統制がなさすぎて面白くない。あちこちから新しい音が鳴ってかき乱し、カオスになりかけることが続く。一部分だけならよいのだが、ずっと安定しない状態が続いてメロディーもないので、疲れる。

第9番: 1929年。オーケストラ作品。
3.3点
6番同様にフルオーケストラを使った25分程度の曲であり、様々な場面をつなげたものだが、もっとヴィラロボスらしい情熱、ブラジルの熱気をダイレクトに表現した場面が多くて、通俗的な場面はない。リズムが強烈な場面は長いが、全然リズムが無くなる箇所もあり、実にバラエティーに富んでいる。リズムがメインの場面が多いためバレエ音楽みたいに聴こえる。残念ながら、長すぎて後半は飽きてきてしまう。

第10番「愛情の破れ」: 1925年。合唱とオーケストラ。
3.3点
かなり強烈な曲だ。前半のオーケストラだけの時から、情熱的なフレーズが主体だ。まさに副題の「愛の破れ」がしっくりくる雰囲気の音楽。中間に合唱が入ってからがすごい。強烈な野蛮な音の塊を合唱で執拗に繰り返す迫力に圧倒される。恐ろしいエネルギーで恐怖を感じるくらいだ。そのままボルテージを上げて終了する。

第11番: 1928年。ピアノとオーケストラ。
2.8点
ピアノ協奏曲で合計なんと1時間もある。同じタイトルなのに1番や2番となんと規模がかけ離れていることか。ピアノ協奏曲という形式のせいか、リズムの愉しさが足りないため、ショーロスの中ではあまり面白くない気がする。そきて何より、あまりに長過ぎる。様々な場面が展開しており、彼の音感の良さは楽しめるし、ときどき魅力的な場面はある。しかし、全体的なイメージとしては、やや凡庸な場面が多い気がする。ピアノ協奏曲はやはり表現の幅の限定度合いが大きい。オケのみのパートの方が好きだ。

第12番: 1929年。オーケストラ作品。
2.8点
映画音楽のように聴こえる。やや切れ味が鈍い感じがする代わりに通俗的なエンターテイメント曲という印象だ。長い演奏時間で多くの場面をつなげているし、面白いことをやっている箇所も多いのは、9番以降と同じなのだが、この曲は何かが物足らない。やたら重低音が効いていたり、低音の持続音があったり、壮大すぎたり、スペクタクルすぎたり、安心感がありすぎたり。とにかく映画音楽的なムードの場面が多すぎる気がする。細かな違いではあるのだが、他のショーロスより好みでなかった。

第13番: 1929年。2つのオーケストラと吹奏楽。
楽譜紛失。

第14番: 1928年。合唱、オーケストラと吹奏楽の作品。
楽譜紛失。

補遺: 1928年。ヴァイオリンとチェロ。

交響曲

第1番「知られざるもの」: 1916年。
3.0点
映画音楽にかなり近い。娯楽性が高い享楽的な音楽である。しかし、そのなかにも時々シリアスな匂いを漂わせること、多楽章の切れ目を使って構築されたところが交響曲らしいといえる箇所か。未知の大いなるものへの畏怖や巨大さや翻弄される感じの気分が全体を覆っており、その雰囲気を楽しめる曲であるが、逆に一本調子なところもある。

第2番:
3.0点
まさに古い映画音楽そのものという場面が大半である。そして、クライマックス場面や盛り上がる重要場面のようなテンションの箇所がものすごく多い。情熱と発想の尽きない豊かさには感服するものの、さすがにうんざりしてしまう。1時間近くもあり長すぎでもある。とはいえ、4楽章に分かれた映画音楽と思って軽い気持ちでバックグラウンド音楽のように聴く分には、それなりに楽しめて、つまらなくはない。交響曲という感じでは全然ない。

第3番:
2.8点
少し交響曲らしい抽象性や構成感が出た気もする。しかし、3楽章は古い映画音楽にかなり近い。4楽章は宇宙モノの映画音楽のようで大胆に躍動する壮大な輝かしさはなかなかの聞きものである。心に刺さる場面は少ないが、3楽章後半と4楽章後半はそれなりに良いなと思わせる。特に4楽章のド派手すぎる面白さと輝かしさはそれまでの楽章の不満を打ち消すものがある。ラマルセイエーズが使われている。

第4番「勝利」: 1919年。
3.0点
連作である3番と比較して、奥ゆかしい難解さや神秘性をもった曲であり、ずっと好みである。凄みはないものの、軽薄さや物足りなさにイライラすることはなく、音世界に十分に浸ることができる。もちろん南米らしい開放感や情熱を基調にしたエンターテイメント的なものではあり、ドイツ的な硬くて生真面目なものとは全然違うのだが、この音世界ならばヴィラ=ロボスならではの交響曲として受け入れやすいと感じた。最後の盛り上げ方もよい。

第5番:　紛失

第6番:
2.5点
ところどころに感心する瞬間はある。しかし、全般に流れるB級音楽の雰囲気はどうしようもない。とても一般的な交響曲のように作曲者が力を入れて書いた曲とは思えない。思いつくがままに筆を進めたのではないかと想像する。感動しないし使われている素材が悪く、大作曲家の曲というオーラは少ない。

第7番:

第8番: 1950年。
2.5
少し耳に引っかかる良さのある場面はあるものの、全体には気力と創作力の減退を感じてしまうような、何をしたいのかよく分からない惰性で進む音楽が続くように思われる。音はいろいろ鳴っているのだが、若いギラギラと情熱が少し衰えたのに代わる何らかの良さが足りない。心は若いまま身体が歳を取った感じである。

第9番:
2.8点
近代管弦楽法で、華やかに鳴らし続ける曲。この曲までは曲を追うごとに長さが短くなり続ける。コンパクトなのと手際の良さと派手さで、とりあえずそこそこ楽しめる。聴き惚れる部分は少しあるものの、曲に込められた意義深さのようなものはほぼ無いと思う。

第10番: 1955年。
3.3点
この曲は大作で1時間近くであり、合唱や独唱も入っている。最初の方はオケが多いが、歌が始まってしばらく経ってからは歌唱が主役になりオラトリオに近い。強烈な刺激的な歌が多くて、次々と新しい場面に変わるたびに新たな気分で楽しめる。長尺な時間を活用した自由さを活かした才気活発さとスケールの大きさと表情の豊かさはかなり素晴らしい。ヴィラロボスにしか書けない世界の一つがここにある。

第11番: 1955年。
3.0点
微妙な違いであり何となくであるが、この曲は珍しく思索的であり、つまり享楽的に音の流れに身を任せるだけでない気がする。その点で交響曲らしいと感じるため、それを楽しめた。老齢に達して心境の変化があったのだろうか？と想像しながら聴いた。短くてコンパクトな曲であり、曲調の面白さと多少の変化だけでも飽きずに楽しめる。ただ、後半は勢いに任せる感じが強くなってくるが、それでも何かもったいぶりつつ、何かを考えさせるものを内包している気がする。

第12番: 1957年。
2.8点
この最後の交響曲は、なぜか評価を一言に総括しにくいものを感じる。全体としてはB級の曲であることは間違いないのだが。冒頭楽章はもう爺さんなのになんという音の畳み掛けだろうと辟易する。スケルツォが妙にいかにもスケルツォらしいとか、雑感だけが浮かびながらなんとなく聴くしかない曲という気がする。その散漫なような首尾一貫しているような捕らえどころのないのが、ある意味でヴィラ=ロボスらしい曲とも思える。

管弦楽曲

ニューヨーク・スカイライン・メロディ (New York Skyline Melody)：1939年。図形楽譜の手法で作曲された作品。

浸食−アマゾン川の水源 (Erosion - The origin of the Amazon River)：1951年。

序曲「熱帯林の夜明け」 (Overture "Dawn in Tropical forest)：1954年。

協奏曲

ピアノと管弦楽のための組曲：1913年

ピアノ協奏曲第1番：1945年

ギター協奏曲：1951年
3.0点
ギターらしい音のセンスの良さはかなり感じる。さすがだと感心はする。しかしながら音楽としてはとりとめもない感じのままうつろう雰囲気を楽しむ程度であり、明確な表現の可能性への強い意志を感じない。だから、協奏曲としての強い印象を受けないまま曲が終わってしまう。最初は協奏的幻想曲として構想されたというのはなるほどと思った。

ハープ協奏曲：1953年
3.0点
ハープを控え目にせずギンギンに鳴らしていく印象。内的情熱エネルギーに満ちた音楽にハープも乗せてしまっている。ハープらしい優雅さに欠けている気がしなくもない。長いカデンツァだけがやたらと優雅なのは笑った。浅い音楽で旋律の魅力も少ないが、ハープの前面に立った活躍度合いの高さと通常の楽器のイメージとのギャップを愉しむ曲と思った。

ハーモニカ協奏曲：1955年
3.3点
郷愁や子供時代の回想のような雰囲気がずっと続く。ハーモニカは鳴り始めてからはずっと前面に出続ける。楽章が違っても楽器の限界からかさほど根本的な雰囲気の違いはない。3楽章の踊るようなパッセージが最高で、幼稚園の純粋で素朴な心に戻れるかのようで、心の琴線をギュッと掴んで弾かれたような気分になった。また聴きたい。

室内楽曲

弦楽四重奏曲

第１番（1915 ）
3.5点
テンポが早い訳ではないのだが、南米らしい情熱とむんむんとした熱気を感じさせて楽しい。六楽章もあるのでバラエティーに富んでおり、組曲のようで聴きやすい。音楽は調性的でメロディアスであり、かなり分かりやすい。

第２番（1915 ）
3.3点
１番とはかなり雰囲気が異なり、近代フランス音楽のような流麗で色彩的な音楽である。音楽の輪郭がいい意味でやや曖昧になっていて雰囲気がある。

第３番（1916 ）
3.5点
２番と同系統の音楽だが、弦楽四重奏の扱いが非常に巧みになった印象があり、楽器の使い方や音の重ね方だけでも楽しめる。

第４番（1917
3.3点
１楽章はいまいち。２楽章の郷愁と熱気をはらんだ美観の描写はかなり美しい。３、４楽章はいい音楽だがヴィラロボスの弦楽四重奏曲としては標準的で特別展な感動はない。

第５番（1931 ）
3.0点
短い曲。作曲技巧が凝らされた複雑で現代的な響き。リズミカルさやゴージャスさなど、演出は良い。ただ、初期の作品のような素直に素晴らしいと思える感じに欠ける。

第６番（1938 ）
3.3点
リズミカルにザクザクやるより、おおらかで広大な空間の広がりを各楽章で感じるのが特徴。３楽章が美しい。４楽章も面白い。近代フランスのような響きにブラジル風味を加味した音楽ベースなのは変わらない。

第７番（1942 ）
3.3点
この曲はかなり長い。曲の中の時間の流れもゆったりである。そして非常に官能的。１、２楽章は艶めかしい感覚が非常に強い。３、４楽章はそれは弱くなる。４楽章は冗長一歩手前の壮大さであり、次々と繰り出す楽想で冗長にならず最後まで乗り切っている。

第８番（1944 ）
2.5点
行くあてのはっきりしない、どこに行けば分からず彷徨うような楽想が全楽章を支配しており、すっきりしない。正直少しイライラする。近代的な響きもそれ程効果的に機能していないと思う。

第９番（1945 ）
3.0点
１楽章ははっきりしないようでいて、一応構成感があり安心する。２楽章はヴィラロボス節でいつもながら素敵。３楽章はふらふらしているだけでイマイチ。４楽章は早くなく中庸のテンポであり、何か大きなものにつき動かされるような感情がある。最終楽章にもってくるアイデアが面白いし感動する。

第１０番（1946 ）
3.0点
１楽章はくつろいだ気分がする。２楽章以降は密度も緊張度が高く、不協和音で人間の精神の奥深い部分をえぐるショスタコーヴィチを彷彿とさせる場面が多く登場する。それでもブラジルらしい精神があるので、ショスタコーヴィチほど根暗にはならない。

第１１番（1947 ）
2.5点
全体に大味で感心出来ない印象が強く、あまり良作とは思えない。フレーズを大雑把に組み合わせているだけと感じる部分が多いと思った。

第１２番（1950 ）
2.5点
雰囲気は悪くないのだが、茫洋として掴みどころがなく、なんとなく時間が経過していってしまう。いろいろな事をやっているようでありながら、どうにも印象に残らない。

第１３番（1951 ）
3.5点
この時期の他の弦楽四重奏曲と同様に相変わらずカルテット書きとしてのセンスだけで曲を書いていて、行き当たりばったりだと聞いていたら、９分ある３楽章が非常に素晴らしくて驚いた。艶めかしく、神秘的で、ぞわぞわと胸の内側を地味に刺激するような、皮膚の裏側からじわっと熱くなるような、とても不思議で魅力的な音楽。４楽章な不思議なエネルギーがあり、３楽章の続きとしては悪くない。

第１４番（1953 ）
2.5点
所々ブラジル的な空気にはっとするような場面はある。２楽章など対位法的な場面も気になる。しかし、全体としては突き抜ける感じが無く、近い番号の他の曲と同様に物足りない。

第１５番（1954 ）
2.8点
現代音楽の手法を取り入れたと思われる箇所が印象的だが、一方で明快な分かりやすさが復活している場面も多い。そのふれ幅の大きさゆえに、１４番までより少し面白さを増している。晩年の影を感じる。

第１６番（1955 ）
3.0点
１５番より晩年らしさを増しており、人生の終焉の予感を感じさせる悲しい音楽になってきている。単純化の方向も１５番より進んでいる。不思議と心に刺さる音楽。

第１７番（1957 ）
3.0点
最後の弦楽四重奏曲は、さらにシンプルになりフランス近代に戻ったかのような雰囲気。２楽章の寂寥感はぐっとくる。シンプルでほっとするとともに、作曲者の活力の衰えの結果なのかと想像する悲しくもある。シンプルなので曲に入り込みやすい。

その他の室内楽曲

神秘的な六重奏曲：1917年。フルート、クラリネット、サクソフォン、チェレスタ、ハープ、ギター
3.5点
まさに神秘的な響きである。洞窟の奥で見つけた光っている誰も見たことのない宝石のような印象である。特殊編成と音の使い方が生み出す神秘的な響きは、揺らぎながらもその雰囲気を最後まで保っている。楽章がない曲なのが残念なくらい、編成が成功している。なかなか面白い曲である。

五重奏曲：1928年。フルート、オーボエ、イングリッシュ・ホルン、クラリネット、ファゴット。

ソナタ・ファンタジア第1番：1912年。ヴァイオリン、ピアノ。ソナタ・ファンタジアは全4曲。

花の分類：フルートとギター。

ギター曲
ヴィラロボスのギター独奏曲は全部でCD1枚分しかないが、全てが名作である。ここには書いていないが、ショーロス１番もギター独奏曲である。

ブラジル民謡組曲
4.0点
ギター独奏の組曲。全５曲。内容的にはポピュラー音楽に近くてクラシックの芸術音楽という感じは少ないのだが、とにかく５曲ともエキゾチックでギターらしい魅力がいっぱいで素晴らしい。特に最初の２曲はあまりに良くて感動しながら聞きほれてしまう。

ギターのための１２の練習曲
3.5点
練習曲らしいテクニックに重点が置かれた短い曲の曲集。観賞用としても多彩でブラジルらしさもあり十分に楽しめる。

ギターのための５つの練習曲
3.5点
１２の練習曲と比較して、まったりとしていて風情を重視する曲となっている。いかにも練習曲という感じではない。どの曲も良作であり観賞用として楽しめる。

ピアノ曲
オーケストラや室内楽の作曲家と思いきや、ピアノ曲はかなりテクニカルである。

花の組曲Op.97：1916-18年。【1.夏の牧歌／2.歌う村娘／3.庭園での喜び】

赤ちゃんの一族　第1集「赤ちゃんの家族」：1918年。
3.5点
いい曲が多くて、20世紀のピアノ曲集の中でなかなかなのレベルにある。

子供の謝肉祭：1920年。

赤ちゃんの一族　第2集「小さい動物たち」：1921年。

ブラジルの詩：1936年

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%B4%E3%82%A3%E3%83%A9%EF%BC%9D%E3%83%AD%E3%83%9C%E3%82%B9

エイトル・ヴィラ＝ロボス（Heitor Villa-Lobos 1887年3月5日 - 1959年11月17日）はブラジル出身の作曲家。独学で作曲を勉強し、クラシックの技法にブラジル独自の音楽を取り込んだ作風で知られる。ヴィラ＝ロボスは、南米のみならず、20世紀を代表する作曲家の一人である。また、多作家としても知られ、その夥しい作品数は20世紀最大とも言われる。

1986年から発行されていたブラジルの旧500クルザード紙幣に肖像が使用されていた[1]。また、切手にも肖像が使用されていた。

生涯
ヴィラ＝ロボスは1887年、リオ・デ・ジャネイロに生まれた。彼に音楽の手ほどきをしたのは、アマチュア音楽家であった父親（スペイン系）と叔母であった。特に叔母はJ.S.バッハの平均律クラヴィーア曲集を好んで弾いたと伝えられており、エイトルのその後の音楽に大きな影響を与えた。こうした家庭で、ピアノ、クラリネット、チェロを演奏することを学んだ彼は、1899年の父の死後、10代でカフェでチェロを弾いて生計を立てることとなった。1905年にはブラジル北部に民謡の収集に出かけた。この後、彼はリオ・デ・ジャネイロの音楽院で学ぶが、アカデミックな態度とは常に一線を画していた。

1912年に再びブラジル奥地に出かけた後、リオ・デ・ジャネイロに戻った彼は1915年11月13日に新作のコンサートを開き、これを契機に、1922年にはサンパウロの近代音楽週間に招かれることとなった。こうした活動が認められ、政府の奨学金を得て、1923年にパリへ留学した。彼は1930年までパリで暮らすが、この間にアルトゥール・ルービンシュタインからエドガー・ヴァレーズにいたる幅広い音楽家・芸術家の喝采を得た。

1930年に帰国後は、リオ・デ・ジャネイロの音楽院の院長に就任した。音楽院の教育課程を見直すと同時に、ブラジル音楽の真価を知らしめるべく、ブラジルの民俗音楽に根ざした作品を創作し、世界各地で演奏を行った。その音楽はパリをはじめ各地で大成功を収め、彼は20世紀を代表する作曲家の一人となったのであった。1959年、故郷リオ・デ・ジャネイロで72年の輝かしい人生を閉じた。

創作期は3つに分けられる。ブラジルの民族的モダニズム音楽を模索したパリ留学までが第1期、パリ留学時代とそれ以後の音楽教師の第2期が1940年代前半まで、それ以後ブラジルの代表的作曲家との国際的評価を得てからの安定した創作期が第3期である。

主要作品

12曲の交響曲、17曲の弦楽四重奏曲といった古典的な形式によった作品から9曲の「ブラジル風バッハ」のような実験的な性格を持つ作品まで、実に1,000曲近くに及ぶ膨大な作品を遺した作曲家であり、その全貌を捉えることは容易なことではない。以下、主な作品を列記する。

ブラジル風バッハ
原題は“Bachianas Brasileiras”。終生J.S.バッハを深く敬愛していたヴィラ＝ロボスは、ブラジルの民俗音楽を素材にバッハが書いたような組曲を創作しようと試み、9曲の「ブラジル風バッハ」のシリーズを作曲した。その名の通り、ブラジルの民俗音楽素材に基づき変奏や対位法的処理が行われる充実した作品となっている。9曲は楽器編成が異なっているため、通して演奏されることは希であるが、ヴィラ＝ロボスを代表する作品として、いずれも著名な作品である。

第1番: 1930年。8本のチェロのための作品。ただし各パートを複数で演奏することも可としている。
第2番: 1933年。オーケストラのための作品。第4楽章の「カイピラの小さな汽車」という表題を持つトッカータは、単独でも演奏されるヴィラ＝ロボスの管弦楽作品中最も有名な作品の一つ。
第3番: 1934年。ピアノとオーケストラのための作品。
第4番: 1930-41年。ピアノ独奏曲。1941年にはオーケストラ作品に編曲されている。
第5番: 1938年（1945年に改訂）。ソプラノ独唱と8台のチェロのための作品。のちにソプラノとギターのためにも編曲されている。第1楽章アリアの冒頭でソプラノのヴォカリーズで歌われる旋律は特に有名で様々な編曲で演奏されている。
第6番: 1938年。フルートとファゴットのための作品。
第7番: 1942年。オーケストラのための作品。
第8番: 1944年。オーケストラのための作品。
第9番: 1945年。無伴奏合唱、または弦楽合奏のための作品。

ショーロス
ショーロス (Chôros) は、都会化された民俗舞曲に基づく、ブラジル風のセレナードとも言うべき音楽である。ヴィラ＝ロボスは、第14番まで＋2曲のショーロスを遺している（ただし、第13番と第14番は楽譜紛失のため演奏不可能）。このシリーズも作品ごとに楽器編成が異なっており、時には都会風の洗練されたダンス・ミュージック、時には荒々しい音型を大胆に使いエネルギッシュな舞踏と、さまざまな表情を見せる。

ギターとオーケストラのためのショーロスへの序奏: 1929年。
第1番: 1920年。ギター独奏曲。
第2番: 1921年。フルートとクラリネットのための作品。
第3番「きつつき」: 1925年。編成は、男声合唱、クラリネット、サクソフォン、ファゴット、ホルン 3、トロンボーン。
第4番: 1926年。ホルン 3、トロンボーンのための作品。
第5番「ブラジルの魂」: 1926年。ピアノ独奏曲。
第6番: 1926年。オーケストラ作品。1928年にヴァイオリンとチェロによる補遺が作曲されている。
第7番: 1924年。フルート、オーボエ、クラリネット、サクソフォン、ファゴット、ヴァイオリン、チェロ。
第8番: 1925年。2台のピアノとオーケストラ。
第9番: 1929年。オーケストラ作品。
第10番「愛情の破れ」: 1925年。合唱とオーケストラ。
第11番: 1928年。ピアノとオーケストラ。
第12番: 1929年。オーケストラ作品。
第13番: 1929年。2つのオーケストラと吹奏楽。楽譜紛失。
第14番: 1928年。合唱、オーケストラと吹奏楽の作品。楽譜紛失。
補遺: 1928年。ヴァイオリンとチェロ。

交響曲
ヴィラ＝ロボスは12曲の交響曲を作曲したが、その古典的形式という制約が彼の音楽のテンペラメントと必ずしも一致せず、彼の作品中では第二義的な作品群にとどまっており、耳にする機会は希である。

第1番「知られざるもの」: 1916年。
第2番「昇天」: 1917年。
第3番「戦争」: 1919年。
第4番「勝利」: 1919年。
第5番「平和」: 1920年。楽譜紛失。
　　（第3番から第5番の3曲は第一次世界大戦終結を記念してブラジル政府から委嘱された３部作となっている）

第6番「ブラジルの山の稜線」: 1944年。
第7番: 1945年。
第8番: 1950年。
第9番: 1951年。
第10番「アメリンディア」: 1952年。
第11番: 1955年。
第12番: 1957年。

映画音楽
ブラジルの発見 (Descobrimento do Brasil): 1937年。後に改編された4曲からなる組曲でも知られる。
緑の館 (Green Mansion): 1958年。同年、自身が作曲した部分を取り出しアマゾンの森 (Floresta do Amazonas）として改作

バレエ音楽
アマゾナス (Amazonas): 1917年。
ウイラプルー (Uirapurú): 1917年。
大地の踊り (Dança da terra): 1939年。合唱と打楽器で演奏される。
マンドゥ＝サララ (Mandú-Çarárá): 1948年。2台のピアノと打楽器、合唱、児童合唱による。

管弦楽曲
ニューヨーク・スカイライン・メロディ (New York Skyline Melody)：1939年。図形楽譜の手法で作曲された作品。
浸食−アマゾン川の水源 (Erosion - The origin of the Amazon River)：1951年。
序曲「熱帯林の夜明け」 (Overture "Dawn in Tropical forest)：1954年。

協奏曲
ヴィルトゥオーソではなかったヴィラ＝ロボスは自身の演奏活動に協奏曲は必要とせず、モダニズムの模索の過程で作曲した第1期と、名声を得て演奏家からの依頼に応えて作曲した第3期に協奏曲を作曲しており、第2期にはこの分野の作品はほとんど見られない。

ピアノと管弦楽のための組曲：1913年。同年に結婚した妻、ピアニストのルチリアのために書かれた。
ピアノ協奏曲第1番：1945年。番号付きのピアノ協奏曲は全5曲でいずれも創作第三期の作品である。
ギター協奏曲：1951年。最初は協奏的幻想曲として構想された。時に「コパカバーナ」の愛称で呼ばれる。ギターリストにとってロドリーゴやカステルヌオーヴォ＝テデスコの作品と並んで重要な作品である。
ハープ協奏曲：1953年。
ハーモニカ協奏曲：1955年

室内楽曲

弦楽四重奏曲
ヴィラ＝ロボスは全部で17曲の弦楽四重奏曲を作曲した。死の直前に第18番に着手したが、完成させることなく亡くなった。第1番から第4番までが初期の1915-17年に作曲され、14年のブランクを経て第5番が書かれ、さらに7年の空白期の後、1938年の第6番以降1957年の第17番までをコンスタントなペースで書き上げた。民謡風な魅力はあるものの、交響曲の項でも述べたように古典的な形式という枠組みが足かせとなって、才気の飛翔を妨げている憾みがある。

弦楽四重奏曲第6番：1938年。時に『ブラジル』の愛称で呼ばれることがある。第1楽章にsertãoというブラジル北東部の民謡のリズムを用いている。また終楽章ではポリリズムの活発な音楽となっている。フォークロアな魅力で、彼の弦楽四重奏曲の中では比較的よく知られた作品である。

その他の室内楽曲
神秘的な六重奏曲：1917年。フルート、オーボエ、サクソフォン、チェレスタ、ハープ、ギターという変わった編成の曲。
五重奏曲：1928年。フルート、オーボエ、イングリッシュ・ホルン、クラリネット、ファゴット。
ソナタ・ファンタジア第1番：1912年。ヴァイオリン、ピアノ。ソナタ・ファンタジアは全4曲。
花の分類：フルートとギター。

器楽曲

ピアノ曲
ピアノ曲は、ヴィラ＝ロボスの作品の中でも演奏、録音される機会が多い作品群である。また、長年教育に携わった作曲者らしく、初心者向けの作品、子供の小さな手を意識した作品や、子供を題材にした作品が多いのも特徴である。

花の組曲Op.97：1916-18年。【1.夏の牧歌／2.歌う村娘／3.庭園での喜び】
赤ちゃんの一族　第1集「赤ちゃんの家族」：1918年。【1.色白の娘（陶器の人形）／2.小麦色の娘（紙の人形）／3.カボークロの娘（粘土の人形）／4.ムラートの娘（ゴムの人形）／5.黒人の娘（木の人形）／6.貧乏な娘（ボロ布の人形）／7.道化師／8.魔法使い（布の人形）】
子供の謝肉祭：1920年。【1.ピエロの子馬／2.小さな悪魔の鞭／3.ピエロの朝／4.かわいいお坊さんの鈴／5.小さな乞食の大事件／6.かわいい仮装のいたずらっ子／7.おませな子の幻想的な笛／8.子供たちのフォリア】
赤ちゃんの一族　第2集「小さい動物たち」：1921年。【1.紙のカブトムシ／2.厚紙の子猫／3.モスリンのネズミ／4.ゴムの子犬／5.木の子馬／6.鉛の牡牛／7.布の小鳥／8.ぬいぐるみの小熊／9.ガラスの小さな狼】
ブラジルの詩：1936年。【1.カボークロの苗植え／2.吟遊詩人の印象／3.奥地の祭り／4.白人インディオの踊り】

ギター曲
ギター作品の数は、ヴィラ＝ロボスの膨大な作品数から言えば、決して多くはなく、先述のショーロス第1番を含めてもCD1枚に全作品が収まってしまうほどだが、そのいずれもがギターリストにとっては重要なレパートリーとなっている。

ブラジル民謡組曲：1908-12年。【1.マズルカ・ショーロ／2.エコセーズ・ショーロ／3.ワルツ・ショーロ／4.ガヴォット・ショーロ／5.小ショーロ】
12の練習曲：1928年。
5つの前奏曲：1940年。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A8%E3%82%A4%E3%83%88%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%83%B4%E3%82%A3%E3%83%A9%EF%BC%9D%E3%83%AD%E3%83%9C%E3%82%B9
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/786.html

[近代史6] エイトル・ヴィラ＝ロボス ショーロス 第1番
エイトル・ヴィラ＝ロボス ショーロス 第1番

Villa-Lobos / Gaó - Choros No.1 (Anna Stella Schic, piano)

Villa-Lobos - Choro No.1

Choros No. 1

Released on: 2003-07-09
Artist: Sonia Rubinsky

John Williams　ショーロス1番 　Choros No.1 　 ヴィラ＝ロボス　Villa=Lobos

ジョン・ウイリアムズ

Choros No. 1 • Villa-Lobos • Julian Bream

Julian Bream, guitar
Five Faces of the Guitar, produced by BBC Two
🇬🇧 London, 1974

David Russell Heitor Villa-Lobos Choro No.1

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/787.html

[番外地9] GDPが増えても国民は豊かにならない 中川隆
3. 中川隆[-16146] koaQ7Jey 2021年10月04日 21:10:53 : HNQh6kvMDI : aE12RU5RYUJ5ZmM=[15]
GDPが増えても国民は豊かにならない
GDP が増えると賃金が増えないまま物価だけ上がるので、労働者が貧しくなりマルクスが預言した階級社会が完成する
日本を始めとして世界中で”親世代より貧しい子供世代”に入っていて、韓国もご多分に漏れず子供世代が貧しい。
先進国で初めてこうなったのはおそらく1980年代以降のアメリカで、マイホームが買えなくなった。
アメリカは1950年代が絶頂期で（裕福な白人家庭は）7リッターの大型車を乗り回し、芝生やプール付きの家を所有していた。

当然未来のアメリカはもっと豊かになると想像していたが、子供や孫の世代になるほど貧困化している。
アメリカは60年代、70年代、80年代と不況が続き、やっと好景気になった90年代は以前とは違っていた。
前の好景気では労働者の所得が増え、自動車工場の従業員は自分が作った車を買うことが出来た。

だが90年代以降の好景気では労働者の給料はあまり増えず、資産価値だけが増加しました。
つまりお父さんの給料は30万円で変わらないのに、株価や地価やビットコインだけが値上がりしました。
値上がりした株やビットコインでＧＤＰは上昇するので、物価も資産上昇につれて上昇しました。
だが物価が上昇してもお父さんの給料は30万円のままなので、労働者家庭はどんどん貧困化しました。

統計によるとアメリカの中産階級は1980年代から貧困化していて、中産階級から貧困階級に転がり落ちる人が多い。
こうした例を日本に当てはめるまでも無く、労働者の所得は減り資産だけが増え日本人は『貧困民族』になりました。

資産価値上昇が日本人を貧困にしている。
個人資産が1500兆円とか2000兆円という数字を聞いたことがあると思いますが、アレが増えれば増えるほど日本人は貧困になります。
なぜなら汗を流して働いた人の給料は減り続け、働かずに土地や株を所有する人の収入が増え続けるからです。
多分あなたは週5日以上、一日8時間以上働いているが、収入は増えていないのではないでしょうか？
ところが資産を保有している人は1年に1日も働いていないのに、資産が倍になったりしています。
資産価値が上昇した分日本のＧＤＰが増えたことになり物価が少し上がるので、労働者は毎年貧しくなります。
これが安倍、小泉や自民党政権が20年やった事だが、自民党のせいというほど話は単純ではない。

欧米や中韓ロですらそうなっていて、労働者の給料は実質減り続けて、不労者である資産階級だけが収入を増やしている。
この原因が資産価値の上昇で、マネー経済ともバブル経済とも言います。
労働価値は変わらないのに株やビットコインや地価だけが上昇する社会は労働者にとって地獄の世界になります。
そして世界中が地獄化しているのです。

MMT論者も少し位は見習ったら
大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=Z0aesmYcl0U 　
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/846.html#c3

[番外地9] 貨幣のプール論は正しい。 中川隆
1. 中川隆[-16145] koaQ7Jey 2021年10月05日 08:51:38 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[1]
利子付き国債を発行すると、その利子を返す為に新規国債を次々に発行しないといけなくなるので、ネズミ講と同じです。 失業云々とは関係ありません。完全雇用になっても国債の利子を返す為に、新規に国債を発行しなければいけないというのが現在の状況です。 だから財務省は財政破綻、財政破綻と大騒ぎしているのです。 　
貨幣のプール論は正しい。
三橋さんは完全に誤解していますが、本来の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税という形で通常の税額に加えて後から追加徴収する事になる
という意味です。何処の国でも国債発行でマネーストックを増やして意図的にインフレにしています。つまり、国民が気付かない様にこっそり金を取って政府資金を増やしているのです。

サルの朝三暮四の話と同じ騙しの手口ですね。 三橋信者みたいな 右翼・保守はアホだから簡単に騙せるんです。

日本政府が使える金は税金で徴収する金額だけ
日本政府が国債を発行すると日本国内で流通する貨幣が増えるので貨幣価値が下がります。

円の貨幣価値が下がると
・日銀の借用証である日銀紙幣の実質価値が下がる。
・政府の借用証である日本国債の実質価値が下がる。
・銀行預金額の実質価値が下がる。
・労働者の賃金の実質価値が下がる。

従って、日本政府が公共事業をやる為に国債を発行すると、労働者の持って居る金の一部を日本政府に取られた事になります。
つまり、日本政府が財政支出する元金は税金の他に、貨幣価値が減少した為に労働者から日本政府に移転した金額も含まれます。

政府が財政出動しなければ税金だけで政府支出を賄っていたのが、余計な公共事業をやった為に貨幣価値の減少した分(所謂インフレ税）も加算されます。
即ち、政府が使える金額は (税金 +インフレ税) で徴収した金額 になります。
つまり貨幣のプール論は正しいのです。

▲△▽▼

GDPとは国内総生産、つまり国内で産み出された付加価値の総額です。
それが3割減したのに株価が V字回復する不思議。

以下は金価格。
このように実は昨年の7月頃からずーっと上がりっぱなし。

https://golden-tamatama.com/wp-content/uploads/2020/09/WS20200707AZCLOPUY000786.jpg

で、以下が金価格に換算した日経平均です。
実は、昨年9月から下がりっぱなし。
https://golden-tamatama.com/wp-content/uploads/2020/09/WS20200707AZCLOPUY000788.jpg

NYダウゴールド換算のチャート
https://realtime-chart.info/%E8%AA%AC%E6%98%8E/%E3%83%81%E3%83%A3%E3%83%BC%E3%83%88/NY%E3%83%80%E3%82%A6%E3%82%B4%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%83%89%E6%8F%9B%E7%AE%97.html

日経平均はゴールド何グラム？

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と言う訳で、庶民が気づかないうちに通貨は紙屑化しつつある。
たった今、ステルス紙屑化が進行中なのでした。

で、富裕層はせっせと現金を物に変えつつある。

多分ですが、富裕層の換金ならぬ換物が済んでから、
バーチャルリアリティ市場を崩壊させるのでしょう。
https://golden-tamatama.com/blog-entry-dow-800-down.html

因みに、金、原油、穀物価格, 商品相場は何でも大体同じ値動きです、ゴールド価格のデータが一番入手し易いのでゴールドを使っただけです。：

世界最大のヘッジファンド: 量的緩和で人々はリッチになったような気がする
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10616

世界最大のヘッジファンド: 紙幣の刷り過ぎでドルが暴落するとき
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/11685

世界最大のヘッジファンド: ドルは既に紙くずになっている
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10645

インフレ相場で個人投資家でもコモディティに投資する方法
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/12900

量的緩和で上がらなかった物価が現金給付で高騰する理由
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/13296

▲△▽▼

本当の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税として徴収する事になる
という意味なんですね。
正規の税金以上は払いたくなければ国債発行はNGという事。
国債発行すると貨幣価値が下がって銀行預金と実質賃金は目減りします。
更に、国債発行で増えた金は、たとえ公共事業に使ったとしても、最終的にはすべて資本家のものになります。
つまり、国債発行すると貧富の差が拡大、実質賃金が下がり、内需が減ってデフレが深刻化します。

「放漫財政」で日本は今危機的な状況にあります。 プラザ合意以降に日本が「放漫財政」に変わった経緯は大西つねきさんが何時も指摘しています：

民間銀行はもうこの世に必要ない（Live配信2021/1/12）
https://www.youtube.com/watch?v=a3y34SLGKlo

大西さんが何度も繰り返し説明している様に、プラザ合意後は民間人が民間銀行から借りる金の量が頭打ちになったので、日本政府が、国債金利でマネーストックが増える分の金、を出すしかなくなったのです。
政府の緊縮財政というのはマネーストックの増加分を政府がすべて負担出来なくなったという事です。

MMT論者も大西つねきを少し位は見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
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http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/418.html#c1

[番外地9] 利子付き国債を発行すると、その利子を返す為に新規国債を次々に発行しないといけなくなる
利子付き国債を発行すると、その利子を返す為に新規国債を次々に発行しないといけなくなるので、ネズミ講と同じです。 失業云々とは関係ありません。完全雇用になっても国債の利子を返す為に、新規に国債を発行しなければいけないというのが現在の状況です。 だから財務省は財政破綻、財政破綻と大騒ぎしているのです。 　
貨幣のプール論は正しい。
三橋さんは完全に誤解していますが、本来の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税という形で通常の税額に加えて後から追加徴収する事になる
という意味です。何処の国でも国債発行でマネーストックを増やして意図的にインフレにしています。つまり、国民が気付かない様にこっそり金を取って政府資金を増やしているのです。

サルの朝三暮四の話と同じ騙しの手口ですね。 三橋信者みたいな 右翼・保守はアホだから簡単に騙せるんです。

日本政府が使える金は税金で徴収する金額だけ
日本政府が国債を発行すると日本国内で流通する貨幣が増えるので貨幣価値が下がります。

円の貨幣価値が下がると
・日銀の借用証である日銀紙幣の実質価値が下がる。
・政府の借用証である日本国債の実質価値が下がる。
・銀行預金額の実質価値が下がる。
・労働者の賃金の実質価値が下がる。

従って、日本政府が公共事業をやる為に国債を発行すると、労働者の持って居る金の一部を日本政府に取られた事になります。
つまり、日本政府が財政支出する元金は税金の他に、貨幣価値が減少した為に労働者から日本政府に移転した金額も含まれます。

政府が財政出動しなければ税金だけで政府支出を賄っていたのが、余計な公共事業をやった為に貨幣価値の減少した分(所謂インフレ税）も加算されます。
即ち、政府が使える金額は (税金 +インフレ税) で徴収した金額 になります。
つまり貨幣のプール論は正しいのです。

▲△▽▼

GDPとは国内総生産、つまり国内で産み出された付加価値の総額です。
それが3割減したのに株価が V字回復する不思議。

以下は金価格。
このように実は昨年の7月頃からずーっと上がりっぱなし。

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で、以下が金価格に換算した日経平均です。
実は、昨年9月から下がりっぱなし。
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NYダウゴールド換算のチャート
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日経平均はゴールド何グラム？

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と言う訳で、庶民が気づかないうちに通貨は紙屑化しつつある。
たった今、ステルス紙屑化が進行中なのでした。

で、富裕層はせっせと現金を物に変えつつある。

多分ですが、富裕層の換金ならぬ換物が済んでから、
バーチャルリアリティ市場を崩壊させるのでしょう。
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因みに、金、原油、穀物価格, 商品相場は何でも大体同じ値動きです、ゴールド価格のデータが一番入手し易いのでゴールドを使っただけです。：

世界最大のヘッジファンド: 量的緩和で人々はリッチになったような気がする
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10616

世界最大のヘッジファンド: 紙幣の刷り過ぎでドルが暴落するとき
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/11685

世界最大のヘッジファンド: ドルは既に紙くずになっている
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10645

インフレ相場で個人投資家でもコモディティに投資する方法
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/12900

量的緩和で上がらなかった物価が現金給付で高騰する理由
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/13296

▲△▽▼

本当の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税として徴収する事になる
という意味なんですね。
正規の税金以上は払いたくなければ国債発行はNGという事。
国債発行すると貨幣価値が下がって銀行預金と実質賃金は目減りします。
更に、国債発行で増えた金は、たとえ公共事業に使ったとしても、最終的にはすべて資本家のものになります。
つまり、国債発行すると貧富の差が拡大、実質賃金が下がり、内需が減ってデフレが深刻化します。

「放漫財政」で日本は今危機的な状況にあります。 プラザ合意以降に日本が「放漫財政」に変わった経緯は大西つねきさんが何時も指摘しています：

民間銀行はもうこの世に必要ない（Live配信2021/1/12）
https://www.youtube.com/watch?v=a3y34SLGKlo

大西さんが何度も繰り返し説明している様に、プラザ合意後は民間人が民間銀行から借りる金の量が頭打ちになったので、日本政府が、国債金利でマネーストックが増える分の金、を出すしかなくなったのです。
政府の緊縮財政というのはマネーストックの増加分を政府がすべて負担出来なくなったという事です。

MMT論者も大西つねきを少し位は見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=pcifNIAlVG0
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/864.html

[番外地9] 利子付き国債を発行すると、その利子を返す為に新規国債を次々に発行しないといけなくなる 中川隆
1. 中川隆[-16144] koaQ7Jey 2021年10月05日 08:58:01 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[2]
利子付き国債を発行すると、その利子を返す為に新規国債を次々に発行しないといけなくなるので、ネズミ講と同じです。 失業云々とは関係ありません。完全雇用になっても国債の利子を返す為に、新規に国債を発行しなければいけないというのが現在の状況です。 だから財務省は財政破綻、財政破綻と大騒ぎしているのです。 　
貨幣のプール論は正しい。本来の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税という形で通常の税額に加えて後から追加徴収する事になる
という意味です。何処の国でも国債発行でマネーストックを増やして意図的にインフレにしています。つまり、国民が気付かない様にこっそり金を取って政府資金を増やしているのです。

サルの朝三暮四の話と同じ騙しの手口ですね。 三橋信者みたいな 右翼・保守はアホだから簡単に騙せるんです。

日本政府が使える金は税金で徴収する金額だけ
日本政府が国債を発行すると日本国内で流通する貨幣が増えるので貨幣価値が下がります。

円の貨幣価値が下がると
・日銀の借用証である日銀紙幣の実質価値が下がる。
・政府の借用証である日本国債の実質価値が下がる。
・銀行預金額の実質価値が下がる。
・労働者の賃金の実質価値が下がる。

従って、日本政府が公共事業をやる為に国債を発行すると、労働者の持って居る金の一部を日本政府に取られた事になります。
つまり、日本政府が財政支出する元金は税金の他に、貨幣価値が減少した為に労働者から日本政府に移転した金額も含まれます。

政府が財政出動しなければ税金だけで政府支出を賄っていたのが、余計な公共事業をやった為に貨幣価値の減少した分(所謂インフレ税）も加算されます。
即ち、政府が使える金額は (税金 +インフレ税) で徴収した金額 になります。
つまり貨幣のプール論は正しいのです。

▲△▽▼

GDPとは国内総生産、つまり国内で産み出された付加価値の総額です。
それが3割減したのに株価が V字回復する不思議。

以下は金価格。
このように実は昨年の7月頃からずーっと上がりっぱなし。

https://golden-tamatama.com/wp-content/uploads/2020/09/WS20200707AZCLOPUY000786.jpg

で、以下が金価格に換算した日経平均です。
実は、昨年9月から下がりっぱなし。
https://golden-tamatama.com/wp-content/uploads/2020/09/WS20200707AZCLOPUY000788.jpg

NYダウゴールド換算のチャート
https://realtime-chart.info/%E8%AA%AC%E6%98%8E/%E3%83%81%E3%83%A3%E3%83%BC%E3%83%88/NY%E3%83%80%E3%82%A6%E3%82%B4%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%83%89%E6%8F%9B%E7%AE%97.html

日経平均はゴールド何グラム？

https://realtime-chart.info/%E4%B8%96%E7%95%8C%E3%81%AE%E6%A0%AA%E4%BE%A1/%E6%97%A5%E7%B5%8C%E9%87%91%E6%8F%9B%E7%AE%97%E3%82%B0%E3%83%A9%E3%83%A0.html

と言う訳で、庶民が気づかないうちに通貨は紙屑化しつつある。
たった今、ステルス紙屑化が進行中なのでした。

で、富裕層はせっせと現金を物に変えつつある。

多分ですが、富裕層の換金ならぬ換物が済んでから、
バーチャルリアリティ市場を崩壊させるのでしょう。
https://golden-tamatama.com/blog-entry-dow-800-down.html

因みに、金、原油、穀物価格, 商品相場は何でも大体同じ値動きです、ゴールド価格のデータが一番入手し易いのでゴールドを使っただけです。：

世界最大のヘッジファンド: 量的緩和で人々はリッチになったような気がする
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10616

世界最大のヘッジファンド: 紙幣の刷り過ぎでドルが暴落するとき
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/11685

世界最大のヘッジファンド: ドルは既に紙くずになっている
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/10645

インフレ相場で個人投資家でもコモディティに投資する方法
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/12900

量的緩和で上がらなかった物価が現金給付で高騰する理由
https://www.globalmacroresearch.org/jp/archives/13296

▲△▽▼

本当の貨幣のプール論というのは
税金で徴収した以上の金を政府が使うと、その分はインフレ税として徴収する事になる
という意味なんですね。
正規の税金以上は払いたくなければ国債発行はNGという事。
国債発行すると貨幣価値が下がって銀行預金と実質賃金は目減りします。
更に、国債発行で増えた金は、たとえ公共事業に使ったとしても、最終的にはすべて資本家のものになります。
つまり、国債発行すると貧富の差が拡大、実質賃金が下がり、内需が減ってデフレが深刻化します。

「放漫財政」で日本は今危機的な状況にあります。 プラザ合意以降に日本が「放漫財政」に変わった経緯は大西つねきさんが何時も指摘しています：

民間銀行はもうこの世に必要ない（Live配信2021/1/12）
https://www.youtube.com/watch?v=a3y34SLGKlo

大西さんが何度も繰り返し説明している様に、プラザ合意後は民間人が民間銀行から借りる金の量が頭打ちになったので、日本政府が、国債金利でマネーストックが増える分の金、を出すしかなくなったのです。
政府の緊縮財政というのはマネーストックの増加分を政府がすべて負担出来なくなったという事です。

MMT論者も大西つねきを少し位は見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=Z0aesmYcl0U
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/864.html#c1

[番外地9] 量的緩和・財政出動や企業支援金がデフレを生む _ 貧困層には援助しなければいけないが、企業救済はしてはいけない 中川隆
2. 中川隆[-16143] koaQ7Jey 2021年10月05日 08:59:01 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[3]
量的緩和・財政出動や企業支援金がデフレを生む _ 貧困層には援助しなければいけないが、企業救済はしてはいけない
一般的には量的緩和は紙幣を無制限に印刷するためインフレを生むのではないかと言われている。しかし実際には逆である。
量的緩和は短期的には良いことだと言えるかもしれない。だが長期的には債務には新陳代謝が必要だ。ゾンビ企業、非効率な企業を退場させる必要がある。だが、緩和のお陰でそれが起こらない。
これはデフレの一因だと言える。供給が過剰なのだから理屈が通るだろう。
市場経済では消費者の望む商品を作らない企業は淘汰される。しかしそれを政府が人為的に妨げると、消費者の望まないものを作り続けるゾンビ企業がどんどん増えることになる。

経済学では価格は需要と供給の兼ね合いで決まり、ゾンビ企業を生かすということは経済の供給（しかも不要な供給）を増やし続けるということである。供給の増加は当然ながら価格を押し下げる。つまりデフレになるのである。

デフレがインフレになる瞬間

しかし現在アメリカで懸念されているのはインフレであり、デフレではない。アメリカではコロナ禍で大量の現金給付を行なった結果、物価が上昇している。デフレが問題だったはずがいつの間にかインフレになっている。

それは何故か？　量的緩和を長年続けるとデフレと低成長が実現する。消費者の望まないものを作り続ける企業が増え続けるのだから当然である。インフレになる前に緩和は終了し、それで問題がないと人々は考える。

しかしそこにコロナショックのような衝撃が加わり深刻な景気後退に陥ると、インフレを引き起こす規模の刺激策なしには経済成長を支えられなくなる。インフレが起こると分かっていても緩和で経済を支えなければならなくなる状況に陥るのである。

これほどの現金をばら撒いた場合、消費がデフレ圧力に打ち勝ってしまう。

この状況に陥った経済は急激なデフレと急激なインフレを行き来する非常に不安定な状態となる。緩和を止めれば急激なデフレになり、緩和をすれば急激なインフレになるからである。

まさにこれが現在のアメリカ経済の状況である。アメリカでは3回行われた現金給付が今年3月を最後に途絶えると、アメリカ経済は途端にデフレに向かい始めている。

もうアメリカには選択肢が2つしかない。緩和を続けて物価高騰を受け入れるか、緩和を止めて不況を受け入れるかである。

この状況は短期的にはコロナだが、長期的には量的緩和が作り出したものである。量的緩和によるデフレと低成長がなければ、コロナ禍も経済的にはこれほど酷くはならなかっただろうからである。

量的緩和政策のそもそもの原因

そもそも何故量的緩和政策が行われたのだろうか？　量的緩和政策とは基本的に貸し手より借り手に有利な政策である。金利を押し下げることで莫大な借金を背負っている借り手は利払い義務が軽減される。

一方で貸し手はお金を貸しても金利が得られない状況に陥る。得られないどころか、銀行にお金を預けるとむしろ手数料を取られるというのが貸し手が置かれている状況である。

ここで考えてみてほしいのだが、経済における最大の借り手とは誰だろうか？　政府である。そして貸し手とは誰だろうか？　国民なのである。

つまり、量的緩和政策とは経済最大の借り手である政府が、貸し手である国民を犠牲にして自分を利する政策なのである。こうすることで政府は莫大な借金を背負っても、東京オリンピックやGO TOトラベルなどの政策で自分の支援者に金をばら撒くことが出来る。

そして奇妙なことにチャンネル桜の自称経済評論家や経済がわからない保守・右翼は無邪気にもそれを支持しているのである。人々が自分の置かれた状況についてどれだけ何も知らないかである。

量的緩和危機と中国恒大集団
非効率なビジネスを生かし続けた結果が、いま中国でGDP2%分の負債を抱えて破綻しかけている恒大集団である。

中国もまた消費者の望まないものを作り続ける企業を長い間野放しにしてきた。しかし報道によれば中国共産党は恒大集団を救済しない可能性が高いらしい。中国共産党傘下の環球時報は次のように主張している。

恒大集団は『大きすぎて潰せない』の原則に基づく政府による救済を期待すべきではない。

これは中国共産党がアメリカとは違う方向に舵を切ったことを意味する。不況か物価高騰か選べと言われたら、米国政府は迷わず物価高騰を選ぶだろう。

しかし少なくとも現状では中国共産党はゾンビ企業の末路を市場経済に委ねたように見える。一方で、どの企業が生き残るべきかを消費者ではなく政府が決定する量的緩和は共産主義の定義そのものである。

中国共産党は恒大集団の様なゾンビ企業の始末を市場に委ねようとしている。この意味では中国共産党は量的緩和を推進する日本の自民党よりよほど資本主義的である。

一方で、日本を含め多くの先進国の政治家は票田にばら撒くための政府予算にしがみつくためだけに緩和政策に執着して増税と量的緩和という社会主義政策を推し進めている。

▲△▽▼

量的緩和は政府債務を支えるために行われている。金利を低く抑えられなければ政府は膨大な借金の利払いで他の支出が出来なくなる。他の支出が出来なくなれば何故困るのか。政府予算に依存して利益を得ている人々が利益を得られなくなるからである。だからばら撒き政策は既得権益層をますます裕福にし、その恩恵は中間層には返ってくることはない。

大きな政府と小さな政府
増税と財政出動を組み合わせ、国民から大きく吸い取り大きく吐き出す政府のことを大きな政府と言うが、予算の大きな政府の政治家達が資金を吐き出す時には当然ながら彼らの利益となる場所に資金吐き出すことになる。

日本政府が消費増税を行いオリンピックやGO TOトラベルを強行する理由は何か。一般国民から吸い取って自分の票田である宿泊業界や大手メディア、広告代理店などに吐き出すためである。保守派とは伝統的にこうした政府の利権を認めず政府の予算を縮小しようとする立場のことを言うので、自民党は保守ではない。大半の日本人にはこれが分からないらしい。

MMT論者も大西つねきを少し位は見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=Z0aesmYcl0U
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/848.html#c2

[番外地9] 日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた 中川隆
1. 中川隆[-16142] koaQ7Jey 2021年10月05日 09:01:30 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[4]
日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた
需給で大事なのは生活必需品の需給だけ、不要品や高級品まで入れたすべての商品の需給に意味は無い
労働生産性、GDP、需要・供給とか消費者物価指数は経済指標としては使えない
労働生産性というのは賃金額の事だよ、地方の生産性が低いというのは地方の賃金が安いというだけの事だ。
GDPというのは企業や金持ちの所得の事だ、労働者の所得とはあまり関係しない。

やっても やらなくてもいい仕事ばかりの需要・供給は生活必需品の需要・供給とはあまり関係しない。
消費者物価指数というのは高級酒や高級車や贅沢品の価格を反映する物価で、生活必需品の価格とはあまり関係しない。

従って、労働生産性、GDP、需要・供給とか消費者物価指数は経済指標としては使えないのです。

金利が上がらないのは日本だけでなく世界中で起きている現象で、階級社会が完成して内需が壊滅したのが原因です。
奥の院は今 資本主義をグレートリセットして地球人口を3億人まで減らそうとしています。

これから起きるのは共産革命か?、グレートリセットか?

資本主義というのは投資してその利子や配当で稼ぐシステムですが、今は世界中ゼロ金利になっているので、投資では稼げない、つまり資本主義システム自体が世界中で既に破綻しています。

理由は明らかで、国債には利子が付いていて、その金はすべて資本家の所に行くので、格差が開いてマルクスが預言した階級社会になってしまったのです。そうすると内需が壊滅して、新規事業しても稼げないので銀行から金を借りる人が居なくなる、それで金利がゼロなる。
これからは世界中で共産革命の嵐が吹き荒れる時代になります。今世界の支配層が取り組んでいるグレートリセットというのは、共産革命を起こしそうな人間をすべてデジタル管理して、反体制活動を始めたらすぐに抹殺するシステムです。

今は世界中が階級社会になってしまって内需が壊滅したので資本主義の時代はもう終わったと言われています。
銀行から金を借りて新規事業をやっても儲からないですからね。
それで資本主義のグレートリセットをやらないといけないという結論になったのです。

▲△▽▼

人口１００人の青い目の人達の村 _ 資本主義村があった。
４人の資本家に支配された労働者庶民９６人が住んでいた。
資本家の年俸は２億円、残りの庶民は年俸２００万円
全体で９億９２００万円の紙幣が循環していた。
資本主義村 では、自動車は６〜７台しか売れず、他の者は自転車だった。
暴動や略奪や薬物中毒・犯罪が頻繁に起こっていて
ズタズタなスラム社会になった。

その村の隣に、共産主義村という人口１００人の島国があった。
２０人の知恵者をリーダーとした職人庶民８０人いた
リーダーの年俸は１４４０万円、残りの職人は年俸５００万円
全体で 資本主義村 より少しすくない６億８８００万円の紙幣が循環していた。
その村では、自動車は１００台売れた。　自転車も売れた。
あらゆる産業が学問が医療が社会福祉が発展し
インフラが整備されていき、すばらしい街を形成していった。

▲△▽▼

民間銀行は自己資金ゼロでも、顧客に借用書を書いてもらって、融資金額を顧客の銀行預金として記帳するだけでお金が無から生まれると思っているアホが多過ぎる。
そもそも民間銀行が自己資金も持っていないのに顧客に融資したとしたら、顧客が自分が借りた金を日銀券(円紙幣)で引き出したいと言った時に、全く金を持っていない民間銀行が顧客に日銀券を渡せる訳がないですね。
小学生でもわかる道理です。

民間銀行の信用創造というのは民間銀行が自分の持っている日銀当座預金口座の日銀当座預金を日銀券に変えるという意味です。日銀当座預金口座は政府と民間銀行しか作れないので、民間銀行に借金しないと日銀券を発行してもらえないのです。
それが、借金でお金を作る、という意味です。

ゼロからお金を作るのではなく、日銀当座預金を日銀券に変えているだけです。 銀行が顧客に金を貸せるのは、貸す金額と同額の日銀当座預金を持っている場合だけです。

融資が焦げ付いた場合、預金などの他人資本に手を付けるわけにはいかないので、銀行には一定水準以上の自己資本を持つことが義務付けられています。　

国際的な業務を営む銀行の場合、自己資本比率＝自己資本÷融資額（リスクアセット）×100 の下限は8％、
国内業務に限っている場合には4％

という「自己資本比率規制」があり、これを維持することがBIS（国際決済銀行）によって義務付けられています。

預貸率 ： 銀行の預金に対する貸出金の比率

日銀によると、2020年5月の国内銀行の預貸率は63.7%で、2カ月連続で過去最低を更新した。新型コロナウイルスの感染拡大を受け、政府が多額の給付金を支給したり企業が手元資金を厚くしたりしたため、預金が急増した。銀行も貸し出しを増やすが、預金の増加幅を下回る。5月の国内銀行の預金平均残高は前年同月比6.2%増の772兆535億円だった。

日銀金融緩和で、消費者物価は下がっているが、生活必需品の価格は上がっていた
https://www.youtube.com/watch?v=20L9UD0qtwc

中国の元高為替操作によるコストプッシュ インフレが始まった
日本にも悪性の物価上昇が迫っている！
https://www.youtube.com/watch?v=ZhTgq_eGaI4

MMT論者も少し位は見習ったら

大西つねきがやろうとしていること
https://www.youtube.com/watch?v=Z0aesmYcl0U
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/863.html#c1

[近代史5] アメリカの「奥の院」とは 中川隆
2. 中川隆[-16141] koaQ7Jey 2021年10月05日 09:35:11 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[7]
「闇の銀行」 ブラックロック、バンガード、ステート・ストリート

これらは金融業者なのだが、銀行のような規制は受けない。1970年代から始まった金融規制の大幅な緩和によって誕生した。この3社が大株主になっている会社はアメリカの主要500社の9割に近いという。

JPモルガンやゴールドマン・サックスの時代ではなくなっている。

2021.10.05
オフショア市場の支配者を金主とする団体がオフショア市場の実態を暴けるのか？
https://plaza.rakuten.co.jp/condor33/diary/202110050000/

　ICIJ（国際調査報道ジャーナリスト連合）が「​パンドラ文書​」なるものを公表した。世界の有力者がオフショア市場を利用して課税を逃れている実態を明らかにしているという。世界の有力者が資産をオフショア市場に隠していることは確かだが、肝心の大物が登場しない。ところが、ジョー・バイデン大統領の息子、​ハンターの疑惑​を取り上げた新著を無視した有力メディアは「パンドラ文書」に飛びついた。

　昔から権力者は資産を隠す仕組みを持っていた。古くはスイス、ルクセンブルグ、オランダ、オーストリア、ベルギー、モナコなど。第1次世界大戦で略奪の危険性が高まり、「タックス・ヘイブン（税金避難地）」は増えたと言われている。

　しかし、金融の自由化で投機市場が肥大化しはじめた1970年代から状況は変わる。ロンドンの金融街（シティ）を中心とし、かつての大英帝国をつなぐネットワークが整備されたのだ。

　そのネットワークは信託の仕組みが取り入れられ、ジャージー島、ガーンジー島、マン島、ケイマン諸島、バミューダ、英領バージン諸島、タークス・アンド・カイコス諸島、ジブラルタル、バハマ、香港、シンガポール、ドバイ、アイルランドなどが含まれた。ネットワークに資金が入ると、管理人以外はその所有者を知ることができなくなる。

　その後、資産隠しの中心はアメリカへ移動する。ロスチャイルド家の金融持株会社であるロスチャイルド社の​アンドリュー・ペニー​が2015年9月、サンフランシスコ湾を望むある法律事務所で税金を避ける手段について講演したが、その際、税金を払いたくない富豪に対して財産をアメリカへ移すように顧客へアドバイスするべきだと語った。

　アメリカこそが最善のタックス・ヘイブンだというわけである。ペニーはアメリカのネバダ、ワイオミング、サウスダコタなどへ銀行口座を移動させるべきだと主張、ロスチャイルドはネバダのレノへ移しているという。

　アメリカの大企業は課税から逃れるためにデラウェア州を利用する。この州選出の上院議員を1973年1月から2009年1月まで務めた人物がジョー・バイデンにほかならない。上院議員になった当時、彼に助言していたW・アベレル・ハリマンはエール大学でスカル・アンド・ボーンズという学生の秘密結社に入っていた。ジョージ・W・ブッシュ、ジョージ・H・W・ブッシュ、プレスコット・ブッシュも同じ結社のメンバーだった。

　プレスコット・ブッシュは義父のジョージ・ハーバート・ウォーカーの下でブラウン・ブラザーズ・ハリマンやユニオン・バンキング・コーポレーションの重役を務めていた。同僚としてW・アベレル・ハリマンも働いていたが、ふたりの金融機関はウォール街からナチへ資金を流す主要ルートに含まれていたと言われている。

　デラウェア州を拠点にしている企業の中にブラックロック、バンガード、ステート・ストリートといった「闇の銀行」も含まれている。これらは金融業者なのだが、銀行のような規制は受けない。1970年代から始まった金融規制の大幅な緩和によって誕生した。この3社が大株主になっている会社はアメリカの主要500社の9割に近いという。JPモルガンやゴールドマン・サックスの時代ではなくなっている。

　これまで資産隠しに関係したリークが何度かあった。例えばパナマ文書、ルクセンブルク文書、バハマ文書、パラダイス文書、そしてパンドラ文書だが、肝心の大物が出てこない。シティを中心とするネットワークやアメリカを拠点とする仕組みに触れられていないからだ。ICIJが資産隠しのシステムに切り込んだのなら、多国籍企業や世界の富豪が名を連ねていなければならない。

　ICIJは「60ミニッツ」のプロデューサーだったチャールズ・ルイスが1997年にCPI（公共誠実センター）のプロジェクトとして創設、​スポンサーとしてジョージ・ソロスのオープン・ソサエティ財団、ロックフェラー兄弟基金、ロックフェラー・ファミリー基金、カーネギー社、フォード財団、投資信託のフィデリティ・ブローカレージなどが名を連ねている​。これがICIJの正体。ロスチャイルドは基本的に姿を現さないことで知られ、ここでも名前が出てこないのだが、ソロスとの関係が緊密だということは本ブログでも書いてきた。こうしたことを理解した上で、ICIJが公表する文書を読む必要がある。

https://plaza.rakuten.co.jp/condor33/diary/202110050000/
http://www.asyura2.com/20/reki5/msg/1118.html#c2

[番外地9] アメリカはタックスヘイブン　富裕層は税金払わず
税金を上げて日本の輸出企業・多国籍企業をアメリカに追い出そう
アメリカはタックスヘイブン　富裕層は税金払わず
富裕層の税率は1％から3％で中間層は10％以上
しかも富裕層に相続税は無い
アメリカはタックスヘイブンだった

資産10兆円のｗバフェットは以前、「私より使用人のほうが納税額が多い」と言っていました。

それだけアメリカの富裕層は納税しておらず、富裕層に増税するべきだという趣旨でした。

その後も富裕層増税は行われずバフェットだけが自主的に納税した話も聞かないので、相変わらず特権を甘受している。

バフェットは2016年にトランプとの論争で納税額を公表しているので、その時の数字を書いてみたい。
バフェットの2015年の総所得は1156万ドルで547万ドルの税控除を受け、184万ドル（約1.9億円）の連邦所得税を支払った。
この時トランプは過去の事業損失を利用し最大18年間連邦所得税を支払っていなかったと報じられていた。

バフェットは真面目に払っているようだがおかしな点があり、年収11億円で資産10兆円になるには1000年もかかる。
バフェットの資産の多くは株や土地や権利に化けていて、それらの増加にはおそらく所得税がかかっていない。
2015年はチャイナショックがあったがアメリカは好景気だったので、バフェットの年収はこの10倍以上ないとおかしい。

アメリカの富裕層は相続税も払っておらず、資産数兆円ともなると相続税を払わなくてもいい仕組みがある。
ビルゲイツは資産13兆円で、2017年頃に「資産全額を寄付する。もうお金に興味が無い」と言って世界を驚かせた。
これには裏がありビルゲイツはゲイツ財団をつくり資産を寄付したが、財団は営利事業をして出資者に配当金を出す。

富裕層ならアメリカが断然有利
ゲイツが１００％出して財団が年1000億円の利益を上げたとすると、1000億円がゲイツに支払われる。
娘や息子を財団役員にすると配当は子供に支払われ、事実上相続税なしで13兆円を子供に渡すことが出来る。
つまりアメリカの富裕層は年収の１％も税金を払っておらず、相続税は1ドルも払っていない（払おうとすれば払える）

アメリカの資産家は事実上非課税なので、政府に邪魔されずいくらでも資産を増やし事実上のタックスヘイブンになっている。
パナマ諸島は非課税のタックスヘイブンで知られているが、実は世界最大のタックスヘイブンはアメリカでした。
アメリカは1980年代からＧＤＰが数倍になったが、豊かになったのは富裕層だけで中間層以下は貧しくなった。

先日アメリカの非営利報道機関がアマゾン創業者ベゾスら富裕層のの納税額を調査し発表していました。
上位25人の合計資産価値は2014年から18年に約4010億ドル（約43兆円）増えたが、払った所得税は136億ドルだった。
つまり資産にかけられた税率は3.3％で、消費した金額もある筈なので税率はもっと低い。

結論として非営利の米報道機関プロパブリカは「米国の富裕層は税金を払っていない」としている。
アメリカでは大統領選や議会選挙の寄付のほとんどを富裕層が出しているので、富裕層優遇を改める政治家はいない。
わたしも富裕層だったらアメリカに住みたいと思います

▲△▽▼

　ICIJ（国際調査報道ジャーナリスト連合）が「​パンドラ文書​」なるものを公表した。世界の有力者がオフショア市場を利用して課税を逃れている実態を明らかにしているという。世界の有力者が資産をオフショア市場に隠していることは確かだが、肝心の大物が登場しない。ところが、ジョー・バイデン大統領の息子、​ハンターの疑惑​を取り上げた新著を無視した有力メディアは「パンドラ文書」に飛びついた。

　昔から権力者は資産を隠す仕組みを持っていた。古くはスイス、ルクセンブルグ、オランダ、オーストリア、ベルギー、モナコなど。第1次世界大戦で略奪の危険性が高まり、「タックス・ヘイブン（税金避難地）」は増えたと言われている。

　しかし、金融の自由化で投機市場が肥大化しはじめた1970年代から状況は変わる。ロンドンの金融街（シティ）を中心とし、かつての大英帝国をつなぐネットワークが整備されたのだ。

　そのネットワークは信託の仕組みが取り入れられ、ジャージー島、ガーンジー島、マン島、ケイマン諸島、バミューダ、英領バージン諸島、タークス・アンド・カイコス諸島、ジブラルタル、バハマ、香港、シンガポール、ドバイ、アイルランドなどが含まれた。ネットワークに資金が入ると、管理人以外はその所有者を知ることができなくなる。

　その後、資産隠しの中心はアメリカへ移動する。ロスチャイルド家の金融持株会社であるロスチャイルド社の​アンドリュー・ペニー​が2015年9月、サンフランシスコ湾を望むある法律事務所で税金を避ける手段について講演したが、その際、税金を払いたくない富豪に対して財産をアメリカへ移すように顧客へアドバイスするべきだと語った。

　アメリカこそが最善のタックス・ヘイブンだというわけである。ペニーはアメリカのネバダ、ワイオミング、サウスダコタなどへ銀行口座を移動させるべきだと主張、ロスチャイルドはネバダのレノへ移しているという。

　アメリカの大企業は課税から逃れるためにデラウェア州を利用する。この州選出の上院議員を1973年1月から2009年1月まで務めた人物がジョー・バイデンにほかならない。上院議員になった当時、彼に助言していたW・アベレル・ハリマンはエール大学でスカル・アンド・ボーンズという学生の秘密結社に入っていた。ジョージ・W・ブッシュ、ジョージ・H・W・ブッシュ、プレスコット・ブッシュも同じ結社のメンバーだった。

　プレスコット・ブッシュは義父のジョージ・ハーバート・ウォーカーの下でブラウン・ブラザーズ・ハリマンやユニオン・バンキング・コーポレーションの重役を務めていた。同僚としてW・アベレル・ハリマンも働いていたが、ふたりの金融機関はウォール街からナチへ資金を流す主要ルートに含まれていたと言われている。

　デラウェア州を拠点にしている企業の中にブラックロック、バンガード、ステート・ストリートといった「闇の銀行」も含まれている。これらは金融業者なのだが、銀行のような規制は受けない。1970年代から始まった金融規制の大幅な緩和によって誕生した。この3社が大株主になっている会社はアメリカの主要500社の9割に近いという。JPモルガンやゴールドマン・サックスの時代ではなくなっている。

　これまで資産隠しに関係したリークが何度かあった。例えばパナマ文書、ルクセンブルク文書、バハマ文書、パラダイス文書、そしてパンドラ文書だが、肝心の大物が出てこない。シティを中心とするネットワークやアメリカを拠点とする仕組みに触れられていないからだ。ICIJが資産隠しのシステムに切り込んだのなら、多国籍企業や世界の富豪が名を連ねていなければならない。

　ICIJは「60ミニッツ」のプロデューサーだったチャールズ・ルイスが1997年にCPI（公共誠実センター）のプロジェクトとして創設、​スポンサーとしてジョージ・ソロスのオープン・ソサエティ財団、ロックフェラー兄弟基金、ロックフェラー・ファミリー基金、カーネギー社、フォード財団、投資信託のフィデリティ・ブローカレージなどが名を連ねている​。これがICIJの正体。ロスチャイルドは基本的に姿を現さないことで知られ、ここでも名前が出てこないのだが、ソロスとの関係が緊密だ
http://www.asyura2.com/21/ban9/msg/865.html

[近代史6] エリック・サティ（Erik Alfred Leslie Satie、1866 - 1925)
エリック・サティ（Erik Alfred Leslie Satie、1866 - 1925)

いま聴いても新鮮な独自世界を築いた人。浮遊感とか浮世離れした神秘性など、21世紀っぽい感性を持っていると思う。

3つのジムノペディ　-　1888年

グノシエンヌ（6曲）　-　1890年

ヴェクサシオン（嫌がらせ） - 1893-1895年

ジュ・トゥ・ヴー

https://classic.wiki.fc2.com/wiki/%E3%83%95%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%82%B9%281889%E5%B9%B4%E3%81%BE%E3%81%A7%29

エリック・アルフレッド・レスリ・サティ（Érik Alfred Leslie Satie フランス語: [eʁik sati]、1866年5月17日 - 1925年7月1日）は、フランスの作曲家。音楽界の異端児、音楽界の変わり者などと称され、ドビュッシー、ラヴェルにも影響を与えた。

ノルマンディーのオンフルール生まれ。サティの若年期に亡くなった母親はスコットランド系。イギリス国教会で育った。幼少期から家族は、オンフルールとパリとの間を往き来していた。

パリ音楽院在学中、指導教授から才能が無いと否定され、1885年に2年半あまりで除籍になった。その間、1884年に処女作のピアノ小品『アレグロ (fr) 』を作曲した。その他、『オジーヴ』、『ジムノペディ』、『グノシエンヌ』などを発表。

1887年からモンマルトルに居住し、1890年からコルト通り(Rue Cortot) 6番地に居住。モンマルトルのカフェ・コンセール『黒猫』に集う芸術家の1人となり、クロード・ドビュッシー、さらにコクトーやピカソらと交流（のちにカフェ・コンセール『オーベルジュ・デュ・クル』に移る）。バレエ・リュスのために『パラード』を作曲。またカフェ・コンセールのためのいくつかの声楽曲を書く。よく知られる『ジュ・トゥ・ヴー』はこの時の作品。薔薇十字教団と関係し、いくつかの小品を書く。同一音形を繰り返す手法を用いた『ヴェクサシオン』『家具の音楽』なども書いた。

なお『家具の音楽』というのは彼が自分の作品全体の傾向を称してもそう呼んだとされ、主として酒場で演奏活動をしていた彼にとって、客の邪魔にならない演奏・家具のように存在している音楽というのは重要な要素だった。そのことから彼は現在のイージーリスニングのルーツのような存在であるともいえる。また『官僚的なソナチネ』『犬のためのぶよぶよとした前奏曲』『冷たい小品』『梨の形をした3つの小品』『胎児の干物』『裸の子供たち』のように、作品に奇妙な題名をつけたことでも知られる。

1893年以降、画家シュザンヌ・ヴァラドンと近しくなる。

1898年からパリの3�qほど南部近郊アルクイユに居住。フランス社会党及びフランス共産党にも党籍を置いていた（当初は社会党に入党していたが、共産党結党と同時に移籍）。

1919年になるとダダイズムのトリスタン・ツァラ等と知り合い、フランシス・ピカビア、アンドレ・ドラン、マルセル・デュシャン、マン・レイなどを紹介された。最初の出会い時にツァラからレディ・メイドを贈られた。ツァラとアンドレ・ブルトンとの紛争にもツァラ側に立って仲を取り持った。

アルコール中毒が原因で、1925年7月1日にパリ14区のサン＝ジョゼフ病院 (fr) で亡くなった。

作風
それまでの調性音楽のあり方が膨張していた時代に、彼は様々な西洋音楽の伝統に問題意識を持って作曲し続け、革新的な技法を盛り込んでいった。たとえば、若い頃に教会に入り浸っていた影響もあり、教会旋法を自作品に採り込んだのは、彼の業績の一つである。そこでは調性は放棄され、和声進行の伝統も無視され、並行音程・並行和音などの対位法における違反進行もが書かれた。

後にドビュッシーやラヴェルも、旋法を扱うことによって、既存の音楽にはなかった新しい雰囲気を醸し出すことに成功しているが、この大きな潮流は、サティに発するものである。

生涯サティへの敬意について公言し続けたラヴェルは、ドビュッシーこそが並行和音を多く用いた作曲家だと世間が見なしたことに不満を呈しており、その処女作『グロテスクなセレナード』において既にドビュッシーよりも自分が先に並行和音を駆使したと述べ、それがサティから影響を受けた技法であることにも触れている。

また、彼の音楽は厳密な調性からはずれた自由な作風のため、調号の表記も後に捨てられた。したがって、臨時記号は1音符ごとに有効なものとして振られることになった。拍子についても自由に書き、拍子記号・小節線・縦線・終止線も後に廃止された。調号を書かずとも、もしそこの音の中に調性があればそれが現実であり、拍子記号や小節線などを書かずとも、もしそこの音の中に拍子感があればそれが現実であるとみなしていたため、実際には、それらが書かれていないからといって、調性や拍子が必ずしも完全に存在しないわけではなかった。散文的に、拍節が気紛れに変動するような作品も多く存在し、調性とはほど遠い楽句や作品も多く生み出されている。これらは、どんな場合にも完全に放棄されたわけでなく、最晩年の『ノクターン』や『家具の音楽』のように、読譜上の便宜面からの配慮によって、拍子記号・調性記号・小節線を採用した作品がまれにある。

拍子のあり方についての新しい形は、特にストラヴィンスキーがそれを受け継ぎ、大きく発展させ、後のメシアンへと続くことになった革新の発端と見なされている。また、記譜法についての問題提起は、後の現代音楽における多くの試みの発端とされ、図形楽譜などにまでつながる潮流の源流になっている。

調性崩壊のひとつの現象として、トリスタン和音が西洋音楽史上の記念碑と見なされているが、それが依然として3度集積による和声だったのに対し、サティは3度集積でない自由で複雑な和音を彼の耳によって組み込んだ。これは、解決されないアッチャカトゥーラや3度集積によらない和音を書いたドメニコ・スカルラッティ以降はじめての和声的な革新とされている。この影響によって、印象主義からの音楽においては、自由な和声法による広い表現が探求されることになった。

また、音楽美学的見地においても彼は多くのあり方を導入したとされ、鑑賞するだけの芸術作品ではない音楽のあり方をも示した。『家具の音楽』に縮約されているように、ただそこにあるだけの音楽という新しいあり方は、ブライアン・イーノやジョン・ケージたちによる環境音楽に影響を与えた[1]。また、『ヴェクサシオン』における840回の繰り返し・『古い金貨と古い鎧』第3曲結尾部における267回の繰り返し・『スポーツと気晴らし』第16曲「タンゴ」や映画『幕間』のための音楽における永遠の繰り返しは、スティーヴ・ライヒたちによるミニマル・ミュージックの先駆けとされている[2]。

サティが始めた多くの革新は、過去の音楽や、他の民族音楽などの中に全くないものではなかったものの、ほとんどが彼独自のアイデアにもとづいたものであるため、現代音楽の祖として評価は高く、多くの作曲家がサティによる開眼を公言している。

最後の作品となったバレエ『本日休演』では、幕間に上映された映画『幕間』のための音楽も担当した。またその映画の中でフランシス・ピカビアと共にカメオ出演もしており、最晩年の姿を見ることができる。

生涯

1866年 - 5月17日オンフルールにて誕生。聖公会で洗礼をうける。
1870年 - 父アルフレッド・サティが海運業をやめ、パリに移住。
1872年 - スコットランド人の母ジェイン死亡。オンフルールに住む父方の祖父母に預けられ、カトリックとして再度洗礼。教会のパイプオルガンに魅せられ入り浸る。
1874年 - 祖父ジュール・サティがエリックにヴィーノのもとで音楽を学ばせる。
1878年 - 祖母ユラーリがオンフルールの浜辺で溺死体で発見される。サティは父のいるパリへ再度移住。
1879年 - パリ音楽院に入学。父アルフレッドがピアノ教師だったユージェニ・バルネシュと再婚。
1886年 - 音楽院が退屈すぎ退学する。
1887年 - シャンソン酒場のピアノ弾きになる。
1889年 - パリ万博で日本の歌謡にふれる。
1890年 - 薔薇十字教団創始者ジョセファン・ペラダンと出会う。
1891年 - 聖杯の薔薇十字教団聖歌隊長に任命される。
1893年 - シュザンヌ・ヴァラドンと交際を始め、彼女に300通を超える手紙を書く。6ヵ月後に絶交。
1904年 - スコラ・カントルム入学。
1905年 - シュヴィヤール演奏会の会場で雨傘で決闘し、警察に留置される。
1908年 - スコラ・カントルム卒業。パリ郊外アルクイユの急進社会主義委員会に入党。
1914年 - 詩人ジャン・コクトーと知り合う。
1919年 - パリのダダの芸術家たちと交流し、自身もメンバーとなる。
1925年 - 7月1日聖ジョセフ病院にて肝硬変のため死去。アルクイユの公共墓地に埋葬。

作品

舞台作品

あやつり人形劇『ブラバンのジュヴィエーヴ』- 1899年
喜歌劇『思春期』（別名「愛の芽生え」「いとしい奴」とも）
劇付随音楽『星たちの息子』（フルート・ハープによる原曲は消失）- 1891年
バレエ音楽『ユスピュ』- 1892年
喜歌劇『メドゥーサの罠』- 1913年
バレエ音楽『パラード』- 1917年
劇付随音楽『ソクラテス』- 1920年
グノーの歌劇『にわか医師』のためのレチタティーヴォ - 1923年
パントマイム『びっくり箱』- 1929年（編曲）
バレエ音楽『メルキュール』- 1924年
バレエ音楽『本日休演（ルラーシュ）』- 1924年
バレエ幕間に上映された「映画『幕間』のための音楽」を含む
「救いの旗」のための頌歌
ナザレ人
天国の英雄的な門への前奏曲
夢見る魚
サーカス劇『5つのしかめっ面』- 1914年

ピアノ曲（作曲年代順）

アレグロ
ワルツ＝バレエ - 1885年
幻想ワルツ - 1885年
4つのオジーヴ（尖弓形）- 1886年
3つのサラバンド - 1887年
3つのジムノペディ - 1888年
グノシエンヌ（6曲）- 1890年
薔薇十字教団の最初の思想 - 1891年
「星たちの息子」への3つの前奏曲 - 1891年
バラ十字教団のファンファーレ - 1892年
ナザレ人の前奏曲I、II - 1892年
エジナールの前奏曲 - 1892年?
祈り - 1893年から1895年（断片）
ヴェクサシオン（嫌がらせ） - 1893年から1895年
ゴシック舞曲（副題「我が魂の大いなる静けさと堅固な平安のための9日間の祈祷崇拝と聖歌隊的協賛」）- 1893年
天国への英雄的な門への前奏曲 - 1894年
冷たい小品 - 1897年
舞踏への小序曲 - 1900年
貧しき者の夢想（Robert Cabyによる校訂）- 1900年
世俗的で豪華な唱句 - 1900年
愛撫 - 1897年
ジュ・トゥ・ヴー - 1900年
エンパイア劇場のプリマドンナ
金の粉
ピカデリー
夢見る魚
ビックリ箱 - 1899年
壁紙的な前奏曲 - 1906年
パッサカリア - 1906年
12の小コラール - 1906年
2つの夜の夢 - 1911年
新・冷たい小品 - 1906年?
〈犬のための〉ぶよぶよした前奏曲 - 1912年
〈犬のための〉ぶよぶよした本当の前奏曲 - 1912年
自動記述法 - 1913年
干からびた胎児 - 1913年
あらゆる意味にでっちあげられた数章 - 1913年
でぶっちょ木製人形へのスケッチとからかい - 1913年
古い金貨と古い鎧 - 1913年
子供の音楽集 - 1913年
童話音楽の献立表
絵に描いたような子供らしさ
はた迷惑な微罪
新・子供の音楽集 - 1913年
メドゥーサの罠
踊る操り人形
5つのしかめっ面
世紀的な時間と瞬間的な時間 - 1914年
嫌らしい気取り屋の3つの高雅なワルツ - 1914年
最後から2番目の思想 - 1915年
スポーツと気晴らし（全21曲）- 1914年
ラグ・タイム・パラード
官僚的なソナチネ（全3楽章）- 1917年
5つの夜想曲（3つの夜想曲 + 第4と第5の夜想曲）- 1919年
パンダグリュエルの幼年時代の夢 - 1919年
最初のメヌエット - 1920年
シネマ
梨の形をした3つの小品（4手連弾）- 1903年
不愉快な概要（4手連弾）- 1908年から1912年
馬の装具で（4手連弾）- 1911年
パラード
組み立てられた3つの小品（4手連弾と小管弦楽団）
風変わりな女（管弦楽曲、または4手連弾）　-　1920年
ハンガリーの歌（未完）
「ヒザンティン帝国の王子」前奏曲（消失）
クリスマス（消失）
詩篇（消失）
バレエのための物語（消失）
アリーヌ・ポルカ
2つの物
バスクのメヌエット
不思議なコント作家
ピエロの夕食
シャツ
フーガ・ワルツ
「思い出」のライトモティーフ
野蛮な歌
皿の上の夢
薔薇の指への夜明け
若い令嬢のためにノルマンディの騎士によって催された祝宴

そのほかの器楽曲

右や左に見えるもの〜眼鏡無しで（全3曲、ヴァイオリンとピアノ）- 1914年から1915年
いつも片目を開けて眠るよく肥った猿の王様を目覚めさせる為のファンファーレ（2トランペット）- 1921年
2つの弦楽四重奏曲 - 作曲年不詳
再発見された像の娯楽（オルガンとトランペット）
シテール島への船出（ヴァイオリンとピアノ）
家具の音楽 - 1920年

宗教曲
貧者のミサ
信仰のミサ（オルガン曲）（消失）

歌曲

3つの歌曲
花
シャンソン
やさしく
こんにちは、ビキ
エリゼ宮の晩餐会
男寡
魔女
ピカドールは死んだ
子供の殉教
空気の幽霊
オックスフォード帝国（歌詞散逸）
歌詞のない3つの歌曲
いいともショショット
中世の歌
3つの恋愛詩
4つのささやかなメロディ
潜水人形
十代の合唱
神の赤い信条
ベストを着た肖像
おーい！ おーい！
医者の家で
戦いの前日
ポールとヴィルジニー
大きな島の王様
ロクサーヌ（消失）
乗り合いバス
カリフォルニアの伝説

語録
「肝心なのはレジオン・ドヌール勲章を拒絶することではないんだよ。なんとしても勲章など受けるような仕事をしないでいることが必要なんだ」（ジャン・コクトーに対して）

「皆自分たちのしたいことをちょっとやりすぎると、君は思わないかい」

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A8%E3%83%AA%E3%83%83%E3%82%AF%E3%83%BB%E3%82%B5%E3%83%86%E3%82%A3
http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/788.html

[近代史6] エリック・サティ 『ジムノペディ 第1番』
エリック・サティ 『ジムノペディ 第1番』

Erik Satie - Gymnopédies, 1. Lent et douloureux (01)

Daniel Varsano, Philippe Entremont - Erik Satie: Piano Works

Erik Satie - Gymnopédies No. 1 and 3 | Symfonieorkest Vlaanderen

Symfonieorkest Vlaanderen / Flanders Symphony Orchestra
Jan Latham-Koenig, conductor
Nathalie Gaudefroy, solist

Recorded 18.05.2014 at deSingel Antwerpen

▲△▽▼

『ジムノペディ』 (Gymnopédies) は、エリック・サティが1888年に作曲したピアノ独奏曲。

第1番から第3番までの3曲で構成され、それぞれに指示があり、

第1番「ゆっくりと苦しみをもって」 (Lent et douloureux)
第2番「ゆっくりと悲しさをこめて」 (Lent et triste)
第3番「ゆっくりと厳粛に」 (Lent et grave)

となっている。

3/4拍子のゆったりとしたテンポ、装飾を排した簡素な曲調、独特の愁いを帯びた旋律が特徴として挙げられ、特に第1番がサティの代表的な作品として、タイトルとともに知られるようになった。

『ジムノペディ』という名称は、大勢の青少年が古代ギリシアのアポロンやバッカスなどの神々をたたえる祭典「ギュムノパイディア（英語版）」（古代ギリシア語: Γυμνοπαιδίαι）に由来しており、サティはこの祭りの様子を描いた古代の壺を見て曲想を得たといわれる。

何日間もアポロンの神々を讃えて裸身の若者達が神々の像の前で踊り、合唱し、詩を朗唱する儀式である。

また、一説には彼が愛読してやまなかったギュスターヴ・フローベールの小説『サランボー』からインスピレーションを得て作曲したとも言われている[2]。

あまり表舞台に出たがらないサティのために、友人であったクロード・ドビュッシーによって1897年に、ピアノ曲からより大きな規模による演奏形態である管弦楽曲に編曲された（第1番と第3番）。「なぜ第2番を編曲しなかったのか？」という問いに、ドビュッシーは「第2番まで編曲して聞かせるには少し退屈だから」と答えたといわれる。また編曲の際、ドビュッシーの意図により元の第1番は第3番として、第3番は第1番として番号をひっくり返している。

日本での普及
日本では、戦前に早坂文雄と共にサティ作品の演奏・紹介に努めていた伊福部昭が、1951年に著した『音楽入門―音楽鑑賞の立場』において「人類が生みえたことを神に誇ってもよいほどの傑作」と絶賛していたが、当時は曲自体ほとんど知られることはなかった。

1963年公開のフランス映画『鬼火』（ルイ・マル監督、モーリス・ロネ主演）がこの曲をフィーチャーしたことにより、一躍世界的に知られるようになった。その後、1975年に東京都豊島区池袋に開館した西武美術館において、それまでタブーとされていた美術館内での環境音楽として使用され、日本でもこの曲が広く知られるようになった。

この曲には気分を落ち着かせるヒーリング効果もあるとされ、例えば病院における血圧測定中に心身の緊張をほぐすBGMとして流されたり、精神科などでは音楽療法の治療の一環として使用されることもある。また、演劇やTV番組の静かな場面でのBGMとして流されることも多い。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B8%E3%83%A0%E3%83%8E%E3%83%9A%E3%83%87%E3%82%A3

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/789.html

[近代史6] エリック・サティ 『ジムノペディ 第1番』 中川隆
1. 中川隆[-16140] koaQ7Jey 2021年10月05日 11:37:50 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[9]
サティ ピアノ曲全集1

Satie: Complete Piano Works Vol.1




The Tracklist you can find below:

00:00:00 Sarabandes (1887): 1ère
00:05:09 Sarabandes (1887): 2ème
00:09:39 Sarabandes (1887): 3ème
00:14:50 Gymnopédies (1888): 1ère
00:18:12 Gymnopédies (1888): 2ème
00:20:56 Gymnopédies (1888): 3ème
00:23:30 Trois Gnossiennes 1890 (1889-1893): 1 (1891?)
00:27:12 Trois Gnossiennes 1890 (1889-1893): 2 (1893)
00:29:12 Trois Gnossiennes 1890 (1889-1893): 3 (1890)
00:32:04 4ème Gnossienne (1891)
00:35:42 5ème Gnossienne (1889)
00:39:10 6ème Gnossienne (1897)
00:40:48 7ème Gnossienne (1891)
00:44:54 Pièces froides (1897): Airs à faire fuir I
00:46:39 Pièces froides (1897): Airs à faire fuir II
00:48:10 Pièces froides (1897): Airs à faire fuir III
00:50:35 Pièces froides (1897): Danses de travers I
00:53:29 Pièces froides (1897): Danses de travers II
00:54:39 Pièces froides (1897): Danses de travers III
00:57:40 Nouvelles Pièces froides (1907): Sur un mur
01:00:02 Nouvelles Pièces froides (1907): Sur un arbre
01:02:12 Nouvelles Pièces froides (1907): Sur un pont
01:04:36 Fête donnée par des chevaliers normands en l’ honneur d’une jeune demoiselle (Xième siècle) (1887?)
01:08:38 Ogives (1886 - 1889?): I.
01:10:55 Ogives (1886 - 1889?): II.
01:14:14 Ogives (1886 - 1889?): III.
01:16:34 Ogives (1886 - 1889?): IV.
01:19:57 Leit-motiv du “Panthée” (1891)
01:21:09 Première Pensée Rose Croix (1891)
01:22:42 Sonneries de la Rose Croix (1892): Air de l’Ordre
01:27:32 Sonneries de la Rose Croix (1892): Air du Grand Maître
01:33:45 Sonneries de la Rose Croix (1892): Air du Grand Prieur
01:37:28 Danses gothiques (1893): 1. À l’occasion d’une grande peine
01:40:47 Danses gothiques (1893): 2. Dans laquelle les Pères de la très véritabel et très sainte Église sont invoques
01:41:35 Danses gothiques (1893): 3. En faveur d’un malheureux
01:41:53 Danses gothiques (1893): 4. À propos de Saint Bernard et de Sainte Lucie
01:42:34 Danses gothiques (1893): 5. Pour les pauvres Trépassés
01:45:21 Danses gothiques (1893): 6. Où il est question du perdon des injures reçues
01:46:17 Danses gothiques (1893): 7. Par pitié pour les ivrognes, honteux, débauchés, imparfaits, désagréables et aussaires en tous genres
01:46:51 Danses gothiques (1893): 8. En le haut honneur du vénéré Saint Michel, le gracieux archange
01:47:37 Danses gothiques (1893): 9. Après avoir obtenu la remise de ses fautes
01:48:24 Modéré (1893)
01:49:39 Douze petits Chorals (1906-1908): I.
01:50:46 Douze petits Chorals (1906-1908): II.
01:51:21 Douze petits Chorals (1906-1908): III.
01:52:06 Douze petits Chorals (1906-1908): IV.
01:52:44 Douze petits Chorals (1906-1908): V.
01:53:16 Douze petits Chorals (1906-1908): VI.
01:54:19 Douze petits Chorals (1906-1908): VII.
01:54:40 Douze petits Chorals (1906-1908): VIII.
01:55:14 Douze petits Chorals (1906-1908): IX.
01:55:47 Douze petits Chorals (1906-1908): X.
01:56:46 Douze petits Chorals (1906-1908): XI.
01:57:38 Douze petits Chorals (1906-1908): XII.
01:58:32 Verset laîque & somptueux (1900)
01:59:59 The Dreamy Fish ou Le Poisson rêveur (1901)
02:07:25 Préludes flasques pour un chien (1912): 1. Voix d’ intérieur
02:08:13 Préludes flasques pour un chien (1912): 2. Idylle cynique
02:09:16 Préludes flasques pour un chien (1912): 3. Chanson canine
02:10:56 Préludes flasques pour un chien (1912): 4. Sous la Futaille
02:12:31 Véritables Préludes flasques pour un chien (1912): 1. Sévère Reprimande
02:13:34 Véritables Préludes flasques pour un chien (1912): 2. Seul à la maison
02:14:45 Véritables Préludes flasques pour un chien (1912): 3. On joue
02:15:42 Descriptions automatiques (1913): 1. Sur un Vaisseau
02:17:39 Descriptions automatiques (1913): 2. Sur une Lanterne
02:19:36 Descriptions automatiques (1913): 3. Sur un Casque
02:20:46 Embryons desséchés (1913): I. d’Holothurie
02:23:03 Embryons desséchés (1913): II. d’Édriophtalma
02:25:56 Embryons desséchés (1913): III. de Podophtalma
02:27:46 Croquis & agaceries d’un gros bonhomme en bois (1913): I. Tyrolienne turque
02:29:25 Croquis & agaceries d’un gros bonhomme en bois (1913): II. Danse maigre (à la manière de ces messieurs)
02:31:29 Croquis & agaceries d’un gros bonhomme en bois (1913): III. Españaña
02:33:21 Chapitres tournés en tous sens (1913): I. Celle qui parle trop
02:34:22 Chapitres tournés en tous sens (1913): II. Le Porteur de grosses pierres
02:36:46 Chapitres tournés en tous sens (1913): III. Regrets des enfermés (Jonas et Latude)
02:38:57 Vieux Sequins & Vieilles Cuirasses (1913): I. Chez le Marchand d’or (Venise, XIIIe siècle)
02:41:11 Vieux Sequins & Vieilles Cuirasses (1913): II. Danse cuirassée (période grecque)
02:42:20 Vieux Sequins & Vieilles Cuirasses (1913): III. La Défaite des Cimbres (cauchemar)
02:44:29 Heures séculaires & instantanées (1914): I. Obstacles venimeux
02:46:16 Heures séculaires & instantanées (1914): II. Crépuscule matinal (de midi)
02:47:22 Heures séculaires & instantanées (1914): III. Affolements granitiques
02:48:23 Les trois Valses distinguées DU précieux dégoûté (1914): I. Sa Taille
02:49:26 Les trois Valses distinguées DU précieux dégoûté (1914): II. Son Binocle
02:50:45 Les trois Valses distinguées DU précieux dégoûté (1914): III. Ses Jambes
02:51:39 Avant-dernières Pensées (1915): I. Idylle
02:52:53 Avant-dernières Pensées (1915): II. Aubade
02:54:39 Avant-dernières Pensées (1915): III. Méditation
02:55:35 Sonatine bureaucratique (1917): I. Allegro
02:56:54 Sonatine bureaucratique (1917): II. Andante
02:58:22 Sonatine bureaucratique (1917): III. Vivace
03:00:09 Allegro (1884)
03:00:42 Valse-Ballet (1887)
03:02:48 Fantaisie-Valse (1887)
03:05:09 Petite Ouverture à danser
03:07:04 Poudre d’or (1902)
03:12:53 Je te veux (1897- 1904)
03:18:53 Le “Piccadilly” (1904)
03:20:51 Passacaille (1906)
03:23:49 Trois nouvelles Enfantines (1913): I. Le vilain petit Vaurien
03:24:15 Trois nouvelles Enfantines (1913): II. (Berceuse)
03:25:22 Trois nouvelles Enfantines (1913): III. La gentille toute petite Fille

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[近代史6] エリック・サティ 『ジムノペディ 第1番』 中川隆
2. 中川隆[-16139] koaQ7Jey 2021年10月05日 11:39:45 : 0sTOkIKxFw : QjgzTzYuTDlwT0U=[10]
サティ ピアノ曲全集2

Satie Complete Piano Works Vol.2




Tracklist:
00:00:00 L’ Enfance de Ko-Quo (1913): I. Ne bois pas ton chocolat avec tes doigts
00:00:53 L’ Enfance de Ko-Quo (1913): II. Ne souffle pas dans tes oreilles
00:01:30 L’ Enfance de Ko-Quo (1913): III. Ne mets pas ta tête sous ton bras
00:02:14 Menus Propos enfantins (1913): I. Le Chant guerrier du Roi des Haricots
00:03:11 Menus Propos enfantins (1913): II. Ce que dit la Princesse des Tulipes
00:03:44 Menus Propos enfantins (1913): III. Valse du chocolat aux amandes
00:04:53 Enfantillages pittoresques (1913): I. Petit Prélude à la journée
00:06:00 Enfantillages pittoresques (1913): II. Berceuse
00:07:17 Enfantillages pittoresques (1913): III. Marche du grand escalier
00:08:35 Peccadilles importunes (1913): I. Être jaloux de son camarade qui a une grosse tête
00:09:15 Peccadilles importunes (1913): II. Lui manger sa tartine
00:10:14 Peccadilles importunes (1913): III. Profiter de ce qu’il a des cors aux pieds pour lui prendre son cerceau
00:10:50 Sports & divertissements (1914): Choral inappétissant
00:11:47 Sports & divertissements (1914): La Balançoire
00:12:43 Sports & divertissements (1914): La Chasse
00:13:06 Sports & divertissements (1914): La Comédie italienne
00:13:54 Sports & divertissements (1914): Le Réveil de la Mariée
00:14:24 Sports & divertissements (1914): Colin-Maillard
00:15:18 Sports & divertissements (1914): La Pêche
00:16:06 Sports & divertissements (1914): Le Yachting
00:17:08 Sports & divertissements (1914): Le Bain de mer
00:17:48 Sports & divertissements (1914): Le Carnaval
00:18:26 Sports & divertissements (1914): Le Golf
00:19:08 Sports & divertissements (1914): La Pieuvre
00:19:40 Sports & divertissements (1914): Les Courses
00:20:05 Sports & divertissements (1914): Les Quatre-coins
00:20:59 Sports & divertissements (1914): Le Pique-nique
00:21:34 Sports & divertissements (1914): Le Water-chute
00:22:15 Sports & divertissements (1914): Le Tango perpétuel
00:23:49 Sports & divertissements (1914): Le Traîneau
00:24:26 Sports & divertissements (1914): Le Flirt
00:25:04 Sports & divertissements (1914): Le Feu d’artifice
00:25:38 Sports & divertissements (1914): Le Tennis
00:26:20 Premier Menuet (1920)
00:28:32 Rêverie (1920-1921)
00:30:36 Préludes du “Fils des Étoiles” (1891): I. La Vocation
00:34:45 Préludes du “Fils des Étoiles” (1891): II. L’ Initiation
00:38:11 Préludes du “Fils des Étoiles” (1891): III. L’ Incantation
00:42:35 Prélude du “Nazaréen”: 1er Prélude
00:49:43 Prélude du “Nazaréen”: 2ème Prélude
00:54:11 Prélude du “Nazaréen”: Prélude d’ ”Éginhard” (1892?)
00:56:31 Prélude de “La Porte héroïque du Ciel” (1894)
01:01:27 Prélude en tapisserie (1906)
01:03:58 Jack in the Box (1899): Prélude
01:06:34 Jack in the Box (1899): Entr’acte
01:08:44 Jack in the Box (1899): Finale
01:11:23 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 1. Quadrille
01:12:10 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 2. Valse
01:13:01 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 3. Pas vite
01:13:45 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 4. Mazurka
01:14:23 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 5. Un peu vif
01:14:39 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 6. Polka
01:15:16 Sept toutes petites Danses pour “Le Piège de Méduse” (1913): 7. Quadrille
01:15:36 Les Pantins dansent (1913)
01:17:14 La belle Excentrique (1920-1924): I. Marche franco-lunaire
01:19:10 La belle Excentrique (1920-1924): II. Valse du “Mystérieux baiser dans l’ oeil”
01:21:41 Six Nocturnes (1919): Trois Nocturnes: n° 1
01:24:54 Six Nocturnes (1919): Trois Nocturnes: n° 2
01:27:22 Six Nocturnes (1919): Trois Nocturnes: n° 3
01:30:43 Six Nocturnes (1919): 4ème Nocturne
01:33:41 Six Nocturnes (1919): 5ème Nocturne
01:36:15 Six Nocturnes (1919): 6ème Nocturne
01:38:16 Vexations: I.
01:40:05 Vexations: II.
01:41:54 Vexations: III.
01:43:43 Vexations: IV.
01:45:30 Vexations: V.
01:47:18 Vexations: VI.
01:49:01 Vexations: VII.
01:50:47 Vexations: VIII.
01:52:31 Vexations: IX.
01:54:14 Vexations: X.
01:56:00 Vexations: XI.
01:57:45 Vexations: XII.
01:59:31 Vexations: XIII.
02:01:14 Vexations: XIV.
02:03:00 Vexations: XV.
02:04:56 Vexations: XVI.
02:06:35 Vexations: XVII.
02:08:24 Vexations: XVIII.
02:10:11 Vexations: XIX.
02:12:00 Vexations: XX.
02:13:47 Vexations: XXI.
02:15:35 Vexations: XXII.
02:17:18 Vexations: XIII.
02:19:03 Vexations: XXIV.
02:20:48 Vexations: XXV.
02:22:31 Vexations: XXVI.
02:24:16 Vexations: XXVII.
02:26:02 Vexations: XXVIII.
02:27:51 Vexations: XXIX.
02:29:35 Vexations: XXX.
02:31:19 Vexations: XXXI.
02:33:07 Vexations: XXXII.
02:34:55 Vexations: XXXIII.
02:36:40 Vexations: XXXIV.
02:26:27 Vexations: XXXV.
02:40:09 Vexations: XXXVI.
02:41:54 Vexations: XXXVII.
02:43:43 Vexations: XXXVIII.
02:45:31 Vexations: XXXIX.
02:47:18 Vexations: XL.
02:49:07 Vexations: XLI.
02:50:54 Vexations: XLII.

http://www.asyura2.com/21/reki6/msg/789.html#c2